Dans le studio : Teresa Baker

Teresa Baker est une artiste de techniques mixtes et 2022 Joan Mitchell Fellow. Membre enrôlée des Three Affiliated Tribes à Western, ND, Baker vit et travaille actuellement à Los Angeles, CA. Nous l'avons interviewée sur son travail récent et sa pratique créative en mars 2023. Ce qui suit est une transcription éditée de cette conversation.

Je réalise des œuvres mixtes, abstraites et à grande échelle qui font référence au paysage, plus précisément à celui des plaines du Nord. Pour moi, ces œuvres incarnent la culture, la spiritualité et notre relation en tant qu'humains avec la terre - cette réciprocité et ce respect. Grâce à une pratique intuitive axée sur le processus et les préoccupations formelles, je réagis aux matériaux et je prends des décisions en fonction de leurs caractéristiques - jusqu'où je peux les pousser, quelles sont leurs restrictions. Chaque nouvelle pièce ressemble à un puzzle que je suis en train de résoudre.

Lorsque je suis seule dans l'atelier et que je m'engage avec ces matériaux, c'est la partie la plus excitante. C'est très physique. Je m'intéresse beaucoup au spectacle vivant et au théâtre, ainsi qu'à l'aspect viscéral de ces situations. Ce temps passé dans mon studio ressemble à une conversation, avec ce va-et-vient entre moi, l'œuvre et les objets.

J'aime cette conversation formelle et abstraite, parce qu'elle n'a pas besoin d'être liée au langage verbal. Il y a une limite à la description de nos sens et de nos sensations par le langage. J'ai l'impression que l'abstraction est un moyen d'y parvenir et, idéalement, d'avoir plus de sensations viscérales dans l'œuvre.

Je me suis vraiment concentrée sur la capture de l'espace dans mon travail. Dans mes œuvres, je laisse généralement apparaître de grandes parties du sol, qui est généralement du gazon artificiel, et je me concentre sur les détails et les subtilités. Je trouve que je parle de paysage avec mes abstractions parce que je pense qu'il y a une façon de venir à l'œuvre qui est similaire à la façon dont nous entrons dans le paysage. Il y a une présence, on se concentre sur les détails. C'est comme si tu entrais dans un lieu et un espace intérieurs, et que tu devenais très conscient de ta petitesse et de la grandeur de ces espaces.

Mon père travaillait pour le Service des parcs nationaux, alors nous avons grandi à l'extérieur et dans de petites communautés du Midwest, de la région des plaines du Nord. C'est ce qui a formé ma façon de voir les choses. C'est la base - le souvenir de ces endroits de mon enfance. Je les ai un peu confondus parce que nous avons beaucoup déménagé dans les mêmes régions. Mais je suis aussi influencée par l'endroit où je vis actuellement, ou par l'endroit où je fais mon travail, que ce soit par la couleur ou par d'autres facteurs. En vivant à Los Angeles en ce moment, j'ai l'impression d'ajouter plus de choses à mon travail que d'habitude. Il se passe tout simplement plus de choses ici, et il y a ce méli-mélo de la ville qui entre en quelque sorte dans le travail.

À bien des égards, là où j'en suis aujourd'hui dans ma pratique, c'est à cause d'une enquête de 10 ans sur les matériaux qui a précédé, parce que mon travail est tellement axé sur le processus. Il s'agit essentiellement d'une recherche de matériaux. J'ai définitivement essayé la toile, le carré et le rectangle, et j'ai découvert que les limites de ces formes ne me suffisaient pas. Je n'avais pas l'impression que l'œuvre, dans un sens, se sentait vivante. Ce qui m'intéresse vraiment, c'est que ces œuvres soient en quelque sorte autonomes, c'est pourquoi je les vois comme étant toujours une continuation les unes des autres. Je crée rarement la même forme pour chacune d'entre elles. Il s'agit plutôt de la façon dont elle évolue et devient sa propre forme.

J'ai donc travaillé avec de la toile, de la mousse de polyuréthane et du feutre, et j'ai longtemps cherché le matériau qui serait le sol et la surface - un matériau qui tiendrait sa propre forme et serait solide de cette façon. Tous les matériaux ont une histoire, mais je voulais un matériau qui ne soit pas aussi marqué par l'histoire que le feutre ou la toile, qui ait une certaine liberté. C'est ainsi que j'ai fini par choisir l'Astroturf. Mais c'était aussi par hasard, et je pense que c'est la beauté du processus, parce que tu peux essayer quelque chose à laquelle tu ne t'attendais pas, et être vraiment ravi des résultats.

J'ai découvert le gazon artificiel que j'utilise maintenant dans mon travail au Texas, lorsque j'y vivais, dans un magasin Home Depot. Il était d'un bleu éclatant et je n'avais jamais vu cela auparavant. Ayant grandi dans les plaines, nous n'utilisons pas le gazon synthétique comme le font certaines villes ou des régions comme le sud de la Californie. Alors, pour moi, c'était vraiment étranger.

Ce qui est bien à ce stade, c'est que je ne sais même plus si je "vois" le gazon artificiel. C'est juste devenu une sorte de système de travail où c'est ma toile, mais qui fait tout ce que je veux que la toile fasse et que la toile ne fait pas. Il me donne ces couleurs auxquelles réagir, il me donne une texture à laquelle réagir. Le fil colle à l'Astroturf, ce qui donne l'impression d'un dessin ou d'une peinture.

J'aime aussi intégrer des matériaux naturels dans mon travail. Ainsi, en ce moment, j'utilise des matériaux traditionnels de ma tribu, comme la peau de daim, le saule, la peau de bison et le parfleche. Ils deviennent des moyens supplémentaires d'explorer la texture et les formes, mais ils ancrent aussi mes objets dans une longue tradition de matériaux qui ont une signification, qu'elle soit fonctionnelle ou spirituelle. Ils fonctionnent dans l'œuvre d'une nouvelle façon, mais ils s'accrochent aussi à cette lignée ou à cette identité et la mettent en avant. Je vois aussi un lien avec l'état actuel du monde, où ce type de matériaux agit comme des réflecteurs de la vie que nous menons tous dans le naturel et l'artificiel, et comment nous remplaçons la terre par cet artifice.

En général, je commence par faire une série de dessins. Mes dessins sont vraiment une pratique séparée qui est concomitante à mon travail à grande échelle, bien que j'ai récemment commencé à prendre les formes à partir des dessins. Ils m'aident à trouver des idées de couleurs et de formes très rapidement, d'une manière qui n'est pas super précieuse.

Il y a une nouvelle chose dans ma vie, c'est que j'ai un fils qui a un an et demi. Nous nous éloignons un peu de cette transition à mesure qu'il grandit, mais quand je le berce pour qu'il s'endorme, je passe ce temps à penser à l'œuvre. Soit une forme me vient à l'esprit, soit si j'en suis à un point où j'ai du mal avec une pièce et que j'essaie de comprendre quelle est la prochaine étape, je prends ce temps lorsque je suis dans cette pièce sombre et que je berce Alton pour qu'il s'endorme, et je passe un peu de temps à visualiser l'œuvre. Parfois, je comprends la prochaine étape ou je me dis : "Oh, c'est là que je dois faire avancer le travail." J'ai aussi l'impression qu'il est un peu un collaborateur, peut-être sans le savoir.

J'aime aussi faire des trajets en voiture, si je me sens un peu coincée, pour regarder par la fenêtre et réfléchir à la nature du travail. En général, c'est mon mari qui me conduit, devrais-je dire. Parfois, j'obtiens des titres pour mon exposition alors que nous sommes sur une sorte de route et que je regarde par la fenêtre et que j'analyse le travail de loin. Il y a quelque chose dans le fait d'être loin de tout, de visualiser et de penser à tout, qui m'aide vraiment à me concentrer sur ce qui se passe.

Les choses que je fais ne sont pas si linéaires, mais plutôt elles rebondissent en quelque sorte, ou se déplacent peut-être en cercle autour du prochain spectacle ou de la prochaine idée. Et elles sont terminées quand je ne peux plus les placer. Je ne peux pas contrôler les associations d'autres personnes, mais pour moi, je sais que c'est fini quand je le regarde et que je ne peux pas dire, tu es ceci ou tu es cela. Il n'y a pas d'endroit vraiment clair où je peux l'identifier. Il commence à vivre entre toutes les catégories et à créer son propre espace.

J'espère que lorsque les gens voient mon travail, ils ont une sorte de réponse énergétique ou viscérale, que cela les émeut d'une manière ou d'une autre. Mes œuvres sont généralement assez grandes - souvent environ neuf pieds de haut et cinq à six pieds de large. Je pense donc qu'elles ont un caractère immersif. Ce que je ressens habituellement, c'est que c'est comme si elles pouvaient te serrer dans leurs bras. Ils dégagent une certaine chaleur et offrent un certain réconfort. J'espère donc qu'il offrira quelque chose de nouveau aux gens, mais qu'il leur sera familier en même temps. Pour moi, ce qui est familier, c'est le paysage ou la sensation de cette terre. Et puis c'est nouveau parce que c'est un objet et que ça combine tous ces éléments.

Je viens de réaliser cinq œuvres pour le Musée Nerman d'art contemporain, dans le cadre d'une exposition intitulée Sun Drinks White. Le titre est tiré d'un poème de Kimberly Blaeser, et il y a trois autres artistes dans l'exposition qui explorent ou touchent tous le paysage à leur manière : Marie Watt, Rashawn Griffin et Mark Cowardin. L'exposition a ouvert ses portes à Kansas City en mars, et lorsque j'ai commencé à réfléchir à ces œuvres, je me suis vraiment intéressée aux saisons et à la façon dont les plaines se sentent lorsque nous passons de l'hiver au printemps. Il y a toujours une certaine froideur et une certaine dureté, mais il y a aussi plus de lumière. C'est une saison instable, mais aussi très porteuse d'espoir.

En réfléchissant à mes choix de couleurs, et même simplement aux couleurs qui se produisent dans la nature, je pense qu'il y a une façon dont la lumière frappe dans cette partie du monde. Il y a beaucoup de verts et quelques bleus. Évidemment, à cette époque de l'année, le vert émerge, et je pensais à des choses vraiment nettes et un peu chaulées. Je ne dirais pas que l'œuvre contient beaucoup de citron vert, mais c'est la sensation de couleur que je voulais capturer. Une sensation de citron vert.

Et puis il y a tout simplement ces étendues - les plaines et les panoramas. Ma tribu est originaire de la région du Dakota du Nord, alors j'ai pensé aux relations historiques entre ces régions, à certaines de ces routes commerciales peut-être, ou à certains de ces mouvements qui se produisaient, les sentiers. Ce sont les idées qui circulaient lorsque j'ai créé les œuvres pour cette exposition.

En dehors de l'exposition au Nerman Museum, j'ai un printemps, un été et un automne très chargés que je prépare. J'ai deux expositions collectives, l'une à l'Anthony Meier Fine Arts de San Francisco, organisée par Saif Azzuz, et l'autre au Gerald Peters Contemporary de Santa Fe. Ensuite, j'aurai une présentation solo jumelée et intime à Halsey Mckay dans les Hamptons du 8 au 31 juillet. J'aurai une exposition solo avec ma galerie ici à Los Angeles, De Boer Gallery, au début du mois de septembre, et je participerai également à Made in LA cet automne au Hammer Museum.

Interview et rédaction par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail de Teresa Baker , clique ici.