Dans le studio : Sharif Farrag

Sharif Farrag est un artiste basé à Los Angeles et un lauréat de la bourse Joan Mitchell 2024. Nous avons interviewé Farrag sur son travail et sa pratique créative en mars 2025. Ce qui suit est extrait et édité à partir d'une transcription de cette conversation.

Je travaille principalement la céramique et le dessin. Mon travail découle d'une pratique du dessin et de la peinture au départ. Avec la céramique, j'aime créer des œuvres qui sont plus sculpturales ou figuratives, et puis d'autres œuvres où je fais presque des peintures dans un espace en trois dimensions, traitant de la composition et de la couleur. J'aime ajouter des histoires - des personnages que j'invente, des gens ou d'autres images qui correspondent souvent à des émotions ou à des choses que je traverse dans la vie. C'est la construction d'un monde. Je pense qu'avec chaque lot d'œuvres ou chaque année que je fais, mon travail me révèle ce monde, et je peux le partager avec les gens.

J'espère que j'y mets suffisamment d'énergie pour que les gens puissent ressentir la variété des émotions qui s'y trouvent. Il y a beaucoup de choses amusantes, colorées et excitantes, mais j'y mets aussi beaucoup de choses plus lourdes que j'ai vécues dans la vie. J'essaie toujours d'en mettre de plus en plus et j'espère que ça se traduit, de sorte que si quelqu'un d'autre ressent ce que je ressens ou a vécu des expériences similaires, il se dira peut-être : "Oui, moi aussi." C'est ce que j'espère. Et j'essaie aussi de mettre de petites choses pour surprendre les gens.

Je considère que mon travail s'inscrit dans la tradition de la céramique funk californienne, dans la lignée d'artistes comme Ruby Neri, Ken Price, Robert Arneson, Viola Frey, qui travaillent l'argile de manière stylistique, humoristique et personnelle, en utilisant des couleurs et des glaçures vives et cette approche illustrative. Je fais également référence aux bandes dessinées underground qui étaient basées dans la région de la baie dans les années 60, 70 et 80 - Robert Crumb étant un artiste célèbre de ce groupe. J'aime ces bandes dessinées, je les achète et je les collectionne sur eBay. Ensuite, j'insuffle ce genre d'esthétique funk à mes propres antécédents et à mon héritage, en y intégrant des formes, des sculptures et des références à des endroits d'où viennent mes parents, au Moyen-Orient et en Afrique du Nord.

Mon approche de la création vient aussi du skateboard et de l'idée de freestyle - regarder le monde et trouver des moyens de relever le défi. Tu trouves un escalier sympa sur une colline et tu te dis : "Je peux faire quelque chose avec ça." Je fais du skateboard depuis que je suis enfant et j'essaie de garder cet état d'esprit d'improvisation ou de freestyle dans la façon dont toutes ces choses se mélangent dans le studio.

J'ai mon propre studio dans le centre-ville de Los Angeles que j'ai installé fin 2023, après avoir terminé mon master. Construire cela a été un processus assez long, parce que tu as besoin de beaucoup de choses dans un studio de céramique. Mais maintenant, j'ai l'espace pour le faire, donc je suis assez enfermée là-dedans pour un petit moment.

Pour une grande partie de mon travail, je ne planifie pas grand-chose et je me débrouille au fur et à mesure. Il n'y a pas de processus fixe que je suis, mais il y a des façons de mettre en place une structure dans laquelle j'improvise. Parfois, je jette un vase, je le regarde et je commence à dessiner dessus. C'est presque comme un gribouillage, j'essaie de faire un travail cathartique à travers les choses. Et pendant que je fais cela, des idées surgissent et j'essaie de travailler dessus en même temps. L'argile fait ressortir les choses.

Même si mon travail est très improvisé, je pense aussi beaucoup à l'artisanat. Il y a beaucoup de références à la sculpture égyptienne, aux œufs Fabergé et à ces objets décoratifs qui, pour moi, ont un savoir-faire extrême que je m'amuse à utiliser comme référence lorsque j'essaie de comprendre l'argile. Je regarde une référence spécifique et j'improvise à partir de cette forme, pour la transformer en quelque chose d'autre.

Je construis des choses assez épaisses juste pour pouvoir les expédier en toute sécurité. L'argile épaisse est une chose effrayante. La cuisson du biscuit est très dure et c'est là que les choses peuvent vraiment mal tourner. Même si tu prends toutes les précautions, ça peut encore te mordre. Mais une fois l'étape du biscuit passée, je ne fais cuire chaque sculpture qu'une seule fois, sauf si j'ajoute du lustre, qui doit être cuit à une température plus basse. Mais la plupart du temps, je termine l'émaillage en un seul passage, ce qui crée de nombreux cas où je me dis : "Je ne sais pas ce qui va se passer ici."

Avec les surfaces et le travail de glaçage dans mes pièces, il y a beaucoup de choses différentes qui se passent. J'aime utiliser toute une gamme de sous-glaçures et de glaçures dans une variété d'applications, à la fois en expérimentant de nouvelles glaçures commerciales et en recherchant des techniques anciennes. Il y a un tel spectre avec lequel tu peux jouer, et chaque pièce qui sort du four contient des leçons précieuses. Une technique que j'utilise souvent est la majolique, c'est-à-dire une glaçure blanche surmontée d'une sous-glaçure. J'aime la majolique parce que tu peux faire une petite peinture en céramique. C'est cette façon d'avoir des fenêtres sur des petits mondes que tu peux dessiner. Par exemple, dans la pièce Traffic Symphony Panel, je voulais laisser entendre que le rétroviseur latéral d'une voiture reflétait mon autoportrait. C'est une excellente façon d'utiliser le dessin et la peinture pour ajouter une couche narrative aux sculptures.

Avec mes glaçures, la brillance est une couche entière de composition en plus de la couleur. Composer des glaçures mates, satinées, texturées et brillantes de manière rythmée peut donner à l'argile l'impression d'être un tas de matériaux différents. Tu sais, quand tu vois une Toyota, le pare-chocs en plastique mat et la peinture brillante, le caoutchouc du pneu, tous ces reflets différents créent un sentiment, et j'essaie d'y puiser par le biais de la glaçure. Mais la céramique le fait parfaitement. Le brillant est tellement brillant, et tu as le mat satiné et le mat, la glaçure irisée. Il y a beaucoup d'anciennes céramiques lustrées dans la région du Moyen-Orient, alors c'est toujours cool d'essayer d'obtenir ces reflets. Pour moi, ils ont aussi un aspect industriel, lorsqu'ils sont métalliques ou irisés - ils n'ont presque pas l'air naturels. C'est aussi le cas des sous-verres. Il peut donner aux choses un aspect vraiment artificiel, voire même du plastique.

Une fois que j'ai terminé l'émaillage, je mets la pièce au four et je vois ce qui se passe. J'essaie vraiment de respecter le médium en fonction de ce qu'il me rend, car ce n'est pas à moi de le contrôler complètement. J'ai l'impression d'obtenir de très bonnes choses, mais cela me surprend aussi, par exemple la glaçure peut couler ou être trop fine à certains endroits. Mais je me demande pourquoi contrôler quelque chose d'aussi beau Je ne veux pas me dire : "Oh, il faut que ce soit comme ça" Je ferais simplement autre chose si c'était le cas.

Je viens de terminer un ensemble d'œuvres pour une exposition personnelle, Hybrid Moments, qui se tient jusqu'au 19 avril au Deitch Projects à New York. Il s'agit principalement de nouvelles œuvres - des sculptures en céramique et quelques dessins. Chacune des pièces prend un certain temps en soi, ce qui représente une bonne quantité de travail. J'en suis satisfaite. Certaines œuvres ont un caractère narratif très personnel.

La première pièce que j'ai réalisée pour l'exposition est une sculpture en forme de récipient intitulée Love Complicated. Je pense que c'est la deuxième pièce que j'ai réalisée à cette échelle et que j'ai essayé d'impliquer la narration d'une certaine façon. Il y a une histoire, et il y a des symboles directs partout qui se rapportent à ce que je vivais dans ma vie, à ce moment où je faisais face à l'engagement de différentes manières. Je construisais cette grande pièce, et je me suis aussi mariée pendant que je faisais cette pièce, alors je pensais à mon engagement et à la tentation et à différentes parties de ma vie à ce moment-là. Je vivais à Echo Park, alors j'ai fait une scène à Echo Park avec un couple dans un bateau en forme de cygne rouge. Il y a un héron rouge et un fond vert - je cherchais des scènes vraiment dramatiques.

J'ai commencé par cela, puis j'ai fait le tour des pièces en en ajoutant d'autres. Il y a ces dessins sur le fond, des petits hublots sur des scènes plus réalistes. Il y a donc mon chien ou la Faucheuse, il y a un fœtus, ce qui est juste stupide, mais intense, comme la mort dans la vie. Et puis il y a un gars sur un scooter qui traverse la ville, et un poisson rouge dans l'océan, et juste différentes relations fantaisistes entre les choses. Et puis ça se termine dans le quartier où se trouve mon studio, le Fashion District, avec cette créature séduisante qui est sur le dessus du magasin, qui est comme le sublime - un genre de "entrez si vous voulez". Soit tu passes en scooter, soit tu entres dans le magasin. Je vis donc ma vie du moment, j'essaie d'être honnête, puis j'en fais de l'art - et je cache tout derrière d'autres choses. Dans certaines œuvres, les symboles et la narration sont plus directs, comme dans celle-ci, et dans d'autres, ils peuvent être plus en arrière-plan.

Dans cet ensemble d'œuvres, j'ai l'impression qu'il y a une progression depuis que j'ai commencé à travailler la céramique. Il y a peut-être trois ou quatre ans, j'ai commencé à essayer de faire des œuvres qui s'adressent à la sculpture figurative occidentale, comme David ou Laocoön - ces grandes sculptures occidentales - en me demandant comment je peux faire mon ajout ou exprimer ce que je ressens maintenant Une pièce récente, Second Skin, présente un personnage à la peau déchirée, musclée et en lambeaux. Au dos de l'œuvre, il y a un masque qui se détache par une fermeture éclair et qui est un peu intimidant. La pièce parle donc de la fermeture éclair ou de l'enlèvement de la seconde peau pendant une seconde. Le personnage berce son cerveau et essaie de comprendre comment faire face à ce cerveau putride C'est donc un peu noueux, mais il y a aussi cet œuf de Fabergé, que je considère comme un désir intérieur, une innocence ou quelque chose qui sort de l'armure. Il y a presque une sensation biomécanique dans l'armure. J'essayais juste de me comprendre moi-même à ce moment-là, mais aussi cette figure et ce personnage - en quelque sorte, c'est un peu ça.

Il y a aussi dans l'exposition des dessins au fusain que je faisais pendant que je fabriquais les pièces en céramique. J'ai fait le premier lorsque j'étais à l'école, j'explorais juste des choses. Et puis, pendant que je faisais le travail pour cette exposition, j'ai commencé à revenir à ce processus, en faisant de très petits dessins. J'ai aimé ce que j'ai fait avec ce premier dessin, où j'ai en quelque sorte quadrillé le papier et travaillé sur la symétrie d'une manière étrange. Et avec le fusain, je pouvais aussi mettre mes mains et incorporer des gestes, d'une manière similaire à l'argile. Je peux faire les dessins rapidement et ils ont l'énergie que je veux tirer de l'argile, mais l'argile me ralentit, c'est comme marcher dans de la boue littérale. Je peux aussi terminer un dessin et en commencer un autre au même moment. C'est donc une contrepartie agréable pour moi de pouvoir simplement dessiner ces pièces et de trouver des idées en griffonnant, ce qui me fait toujours du bien.

J'ai toujours dessiné à côté, mais ces œuvres, avec le fusain, ont de l'action en elles. Il y a de la géométrie et des motifs, ce qui est toujours, encore une fois, agréable de continuer dans les traditions culturelles, les motifs islamiques et l'adoration du divin à travers la géométrie. Et la symétrie est cool pour jouer avec parce qu'elle a bizarrement l'air divine tout le temps. Ou comme l'enfer. C'est l'un des deux. C'est amusant de mettre ça dans l'espace avec les sculptures, parce que beaucoup de sculptures parlent d'une force plus grande qui entre en jeu. Je ne sais pas si c'est un démon ou un grand ami ou quoi, mais il y a toujours ces mains qui entrent dans le tableau.

C'était une grande impulsion pour l'exposition Deitch Projects. J'ai tout mis dans ce corpus d'œuvres, et nous verrons ensuite ce qui se passera. Je travaille juste sur mon travail et j'ai quelques projets personnels. J'essaie de faire une grande table en mosaïque, d'autres choses encore. J'aimerais faire plus de spectacles. J'essaie juste de trouver une solution.

Interview et montage par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail de Sharif Farrag, consulte le site shariffarrag.com.