Dans le studio : Shane Darwent

Shane Darwent est un artiste interdisciplinaire basé à Tulsa, OK, et un boursier de 2022 Joan Mitchell. Nous l'avons interviewé sur son travail récent et sa pratique créative en mars 2023. Ce qui suit est une transcription éditée de cette conversation.

Je suis avant tout un sculpteur et un photographe. La photographie a toujours été en première ligne de ma pratique, et j'ai toujours fait des photos des paysages commerciaux de détail de tous les jours. J'ai généralement l'appareil photo avec moi lorsque je fais les courses les plus ennuyeuses. C'est un outil qui m'aide à faire la paix avec ces paysages qui peuvent me frustrer, qu'il s'agisse de naviguer dans un centre commercial ou un parking ou d'autres types de choses dans l'infrastructure construite qui peuvent médiatiser la façon dont vous vous déplacez dans le paysage. J'ai commencé à prendre des photos de ces types d'espaces, et par la suite, j'ai commencé à m'intéresser à la création de sculptures en utilisant les processus et les matériaux que je photographiais.

Ces photographies ont débouché sur des sculptures utilisant les formes et les techniques de fabrication des auvents de magasins. J'ai travaillé avec divers placages de bâtiments, comme le revêtement en vinyle et le stuc. Tout cela pour essayer de faire la paix avec ces paysages commerciaux, pour comprendre en quelque sorte tout ce qu'ils présentent extérieurement, et aussi tout ce qu'ils ne sont pas - toutes les fissures, les coutures et le jeu dans cet espace.

Pendant mon enfance, l'art était pour moi un outil qui me permettait d'appréhender le monde. Ma famille était du genre à suivre son bon plaisir, mais elle était très axée sur le sport et la culture populaire, si bien que je n'ai pas vraiment été exposée au canon des artistes importants. Je me suis retrouvée à l'école d'art, où j'ai appris à connaître les icônes du modernisme et de la sculpture minimaliste, et j'ai commencé à voir comment leur travail existait dans ces espaces quelque peu banals que j'essayais de parcourir. Mon travail a donc été une conversation avec ces icônes de la sculpture moderne d'après-guerre, comme Barbara Hepworth ou Isamu Noguchi, qui essayaient d'avoir cette communion avec le paysage naturel.

Aujourd'hui, 50 ans après leur travail, le paysage naturel est tellement obscurci et recouvert. Je ne sculpte donc pas la roche, mais j'utilise un placage de roche pour avoir une sorte de conversation impossible sur la place de l'organique dans le paysage contemporain. Il s'agit également d'une conversation ironique avec les icônes du minimalisme, comme le fait de situer Donald Judd dans les blocs de stationnement d'un centre commercial. J'exprime donc à la fois de la révérence et de l'irrévérence à l'égard de ces ancêtres, je les honore tout en jouant avec eux, et je cherche à savoir où ils se situent dans le paysage contemporain d'aujourd'hui.

La photographie faisant partie de ma pratique de la sculpture, il y a toujours eu ce va-et-vient, où je fais des photos qui inspirent des sculptures et où les sculptures, à leur tour, influencent la façon dont je regarde le paysage que je photographie. Mais en ce qui concerne les auvents en particulier, je me suis d'abord intéressée à leurs surfaces et aux couches d'histoire économique qu'ils contenaient.

J'ai fait des études supérieures à l'université du Michigan. Peu de temps auparavant, Détroit avait déclaré faillite et c'était une période de reconstruction intéressante pour la ville. Je voyais les couches de l'histoire culturelle et économique de Détroit incrustées dans les tissus des auvents. Pour mes premières sculptures d'auvents, que j'ai réalisées en dehors de Détroit, j'ai utilisé des housses d'auvents mises au rebut qui avaient littéralement une histoire ancrée en elles.

Maintenant, je m'intéresse de plus en plus au processus lui-même et à la recherche de ces économies par le biais de cette forme de construction et de cette technique très spécifiques que l'on trouve dans les espaces qui m'intéressent. Cela a en quelque sorte pris une vie propre, comme s'il s'agissait d'auvents se faisant passer pour des sculptures, alors qu'au début, c'était peut-être l'inverse.

L'année dernière, j'ai présenté une exposition solo intitulée Sun Smoke à la Spencer Brownstone Gallery de New York, qui portait sur les auvents de magasins transformés en sculptures, en utilisant uniquement du vinyle noir. Auparavant, mon travail essayait en quelque sorte de rassembler tout ce qui se trouvait dans les œuvres photographiques - sculptures au sol, sculptures sur auvents - mais pour ce projet, je me suis vraiment concentré sur cette série spécifique, que j'appelle Nocturnes. Cette série est née des premiers jours sombres de COVID et des nombreuses fermetures d'entreprises. Ces auvents noirs sont devenus des monuments commémoratifs ou des ouvertures pour les entreprises fermées ou les entreprises qui ouvrent à nouveau. J'ai poursuivi ce travail l'année dernière.

L'année dernière également, j'ai eu l'occasion de collaborer de façon assez folle avec Saint Laurent, la maison de couture, où j'ai produit 25 sculptures spécifiques à un site au cours de l'année. Elles ont été installées dans les magasins phares internationaux de Saint Laurent ainsi que dans les vitrines de Bergdorf Goodman à Manhattan. Encore une fois, il s'agissait de pièces de stores entièrement noirs qui, pour moi, commençaient à parler moins spécifiquement d'un espace commercial particulier. Je prenais un peu de recul et je considérais ces questions plus importantes de lumière et d'obscurité, de poids et d'apesanteur - j'utilisais ces processus commerciaux pour avoir des conversations plus importantes et métaphoriques.

Cela m'a conduit directement à une exposition solo sur laquelle je travaille actuellement pour l'école d'art et d'architecture de l'université Texas A&M. La plupart des pièces de l'exposition de Texas A&M n'ont pas d'images graphiques sur les auvents. Le vinyle, même s'il est réutilisé, a l'air complètement neuf. Je laisse donc le langage matériel de ce processus de construction prendre le devant de la scène et j'utilise mon studio comme un endroit où le matériau peut être autre chose qu'un simple objet au service d'un récit ou d'une entreprise en particulier.

Il y a une œuvre en particulier qui est devenue pour moi le point d'ancrage de cette exposition : il s'agit d'une longue frise murale noire en forme d'auvent. Il s'agit d'une sorte de quintessence de la forme d'un auvent de magasin de type hangar, dont l'inclinaison alterne au fur et à mesure qu'il se déplace sur le mur sur une longueur de 15 pieds. Tous les éléments de cette pièce sont enveloppés dans le même vinyle noir, mais en raison de la légère inclinaison de chacun d'eux, le noir devient une couleur complètement différente à mesure qu'il se déplace sur le mur. Lorsque tu te déplaces autour de l'œuvre, elle passe de ce qui ressemble à une simple barre monolithique noire à quelque chose qui se révèle au fur et à mesure que ton corps bouge. Et puis, il y a ces éclats de lumière qui sont créés par le changement de hauteur des stores, et la lumière devient incroyablement blanche et brillante, s'échappant de ce vinyle noir.

Dans l'exposition, de nouvelles œuvres de stores sont jumelées à des photographies installées directement sur les murs de la galerie. Je serai artiste en résidence sur le campus pendant plusieurs jours avant l'exposition et je prendrai des photos des centres commerciaux voisins. Je veux qu'il y ait un appel et une réponse entre les représentations de l'espace construit à partir des photos et l'espace physique activé par les sculptures et les œuvres dimensionnelles. Il y a aussi généralement une texture intéressante et granuleuse évidente sur les photos, comme du ciment effrité ou des mégots de cigarettes, qui, je pense, s'associe bien à la nouveauté du vinyle de l'auvent ou des objets fraîchement peints.

S'il y a une ligne directrice dans ce que je cherche à faire depuis plusieurs années, c'est la mise à nu des placages qui façonnent notre environnement, mais aussi une communion avec ces placages. Je n'ai jamais voulu que le travail soit comme un signe du doigt disant : "Regardez la coquille creuse de notre environnement bâti !" Je m'intéresse vraiment au travail caché qui existe dans ces espaces, et j'ai développé des relations vraiment étonnantes avec les communautés de fabrication et avec le magasin d'auvents ici à Tulsa appelé Awnings of Tulsa. Nous avons travaillé sur une série de projets en cours et cela a permis de transformer un processus architectural en une sorte de forme d'art stratifiée. Et pour les fabricants, c'est aussi l'occasion de reconnaître que le travail qu'ils font est intrinsèquement artisanal, beau et artistique.

Quand je pense aux gens qui rencontrent mon travail, s'ils font l'expérience de cette transcendance d'un matériau, je pense que c'est tout ce que je peux espérer. Comme "Hé, ceci existe étroitement dans ma navigation du monde comme cette chose, mais c'est aussi cette autre chose qui représente une toute autre communauté invisible qui façonne le paysage dans lequel nous vivons."

En plus de l'exposition de Texas A & M, j'ai une exposition qui aura lieu cet été au Tinney Contemporary à Nashville. J'ai également un projet à Francfort, en Allemagne, au printemps prochain, qui est en fait né de la bourse Joan Mitchell, car c'est ainsi que le galeriste a découvert mon travail.

Une autre chose intéressante que je développe en ce moment, qui est tangentiellement liée à ma pratique en studio, est un échange régional de micro-résidences appelé Plains Exchange. Je ne suis pas originaire du Midwest ou des Plaines du Sud - ou de ce qu'est Tulsa - mais je suis ici depuis quelques années dans le cadre du Tulsa Artist Fellowship. C'est une petite communauté artistique ici, et il y a un certain nombre d'autres scènes artistiques en plein essor dans la région, comme Oklahoma City, Kansas City, Dallas, et tout ce qui se passe dans le nord-ouest de l'Arkansas avec Crystal Bridges et tout l'argent de Walmart. Il s'agit d'un programme pilote, mais dans cette première itération, il s'agit d'un échange individuel. Nous envoyons un artiste de Tulsa dans le nord-ouest de l'Arkansas pour une résidence de deux semaines et nous le mettons en contact avec la scène artistique locale. Ensuite, nous faisons venir un artiste du nord-ouest de l'Arkansas à Tulsa pour une période de deux semaines. Je serai leur agent de liaison et je faciliterai les visites de studio, l'ouverture d'un studio et une conversation avec eux pendant qu'ils seront ici.

Plains Exchange est en train de se développer à partir de là. J'ai l'intention de faire venir des gens de Kansas City et de Dallas à Tulsa, pour essayer de développer la conversation de manière holistique entre ces différentes communautés artistiques. Aucune de ces villes ne sera jamais New York ou Los Angeles, et si nous pouvions un peu mettre nos ressources en commun et aider à connecter les artistes de ces villes voisines aux ressources auxquelles chacun a accès, alors il semble que nous pourrions peut-être être plus grands que la somme de nos parties et construire quelque chose avec plus de connectivité. Je ne suis pas une artiste aux pratiques sociales, mais j'aime connecter les communautés, alors c'est quelque chose qui m'enthousiasme.

Interview et montage par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail de Shane Darwent , clique ici.