Dans le studio : Scott Hocking

Scott Hocking est un artiste basé à Détroit et titulaire de la bourse Joan Mitchell 2022. Nous l'avons interviewé sur son travail en mars 2023. Ce qui suit est une transcription éditée de cette conversation.

J'aime dire que je suis un artiste d'installations spécifiques au site, mais la vérité est que je fais de la photographie, je fais des vidéos, je fais des sculptures et je fais des installations sculpturales. Parfois, toutes ces choses se combinent ou se croisent. La seule chose que je ne fais généralement pas, ce sont des peintures. Mais j'aime créer des œuvres d'art en me basant sur le support qui semble convenir à cette idée. S'il semble qu'une idée doive se manifester à travers une danse interprétative, peut-être qu'elle le fera. Je ne l'ai pas encore fait, mais s'il y a une chance, je veux être ouvert à cette possibilité.

J'aime beaucoup travailler avec l'histoire d'un lieu, l'énergie d'un lieu, le sentiment que je ressens là-bas, les idées des gens à qui je parle, les livres que je lis, les nouvelles, l'histoire ancienne - n'importe quoi. Ce qui m'intéresse, c'est de combiner des couches d'histoire avec un lieu et les matériaux disponibles - ou parfois non disponibles, mais idéalement, j'aime utiliser des matériaux gaspillés déjà disponibles, afin de pouvoir travailler avec cette énergie et cette histoire, et de recycler des choses qui existent déjà au lieu de produire davantage de déchets. Je me prépare toujours à relever le défi de trouver une nouvelle façon de travailler pour chaque projet, et j'adore ce défi.

En réalité, je fais des croquis en sculptant. Je découvre les choses au fur et à mesure. J'avance au feeling. Comme beaucoup d'artistes, je veux toujours attendre l'éclair de l'inspiration et la clarté de la vision. Tu n'as pas toujours ce luxe en termes de temps, mais je pense que tu peux trouver des moyens d'y arriver de façon plus urgente si tu en as besoin. Pour moi, c'est une question d'adaptabilité. J'ai l'impression qu'être un artiste, c'est naviguer à travers les obstacles dans chaque projet. C'est une série continue de juxtapositions. Par exemple, si je fais une installation sculpturale géante et folle qui est physiquement éprouvante, en m'attelant à une sorte de tâche de Sisyphe, c'est généralement à ce moment-là que je me dis : "Bon sang, j'aimerais bien pouvoir faire une série de minuscules dessins sur des serviettes de table." Ou encore : "Il faut que je commence à faire des sculptures qui font à peu près cinq centimètres de haut et qui sont fabriquées avec des matériaux légers."

Mentalement, je travaille tout le temps sur plusieurs idées et projets parallèles. Par exemple, en ce moment, j'ai quelques sculptures publiques que je fais avancer et je fais des travaux pour une prochaine exposition solo à la Central Michigan University. J'ai probablement TROP de séries de photos en cours basées à Détroit sur lesquelles je "travaille" à chaque fois que je monte dans ma voiture. Et je continue à travailler sur des projets basés sur le kayak à Détroit et dans le Michigan, en filmant et en documentant depuis les voies navigables. Je pense que le fait de travailler sur différents supports est peut-être un exercice d'équilibre qui m'aide à maintenir l'équilibre dans ma vie. Je peux trouver du répit dans d'autres médiums lorsque j'en ai assez d'un. Il se peut que je veuille les faire tous à la fin, mais dans les moments difficiles, changer de vitesse est souvent ma façon de relever les défis.

En vieillissant et en continuant à travailler, tu peux commencer à voir la chronologie de ton travail et une vue d'ensemble de tout cela, et te dire : "Oh, j'ai parlé de ceci ou de cela pendant tout ce temps !" Je pense que j'utilise toujours l'art pour travailler sur mes propres traumatismes, mes propres schémas de vie. Je l'utilise pour interpréter ce qui se passe dans le monde. Et l'un des principaux fils conducteurs de ma pratique est que je suis irritée par les modèles de comportement humain sur Terre, les conneries que nous avons faites encore et encore, et que nous continuons à faire. Nous abandonnons et gaspillons des matériaux, nous laissons des traces de destruction partout où nous allons. Cela m'alimente, me donne envie de commenter, de faire quelque chose. Je ne pense pas forcément que cela change quoi que ce soit à long terme, mais je me sens poussée par cela.

Je souhaite également utiliser le matériel gaspillé pour parler d'idées plus profondes, plus universelles et métaphysiques, comme les cycles de la mort et de la renaissance, et la façon dont nous percevons la décomposition, la mort et les fins. Y a-t-il vraiment une fin ? Ou faisons-nous simplement partie du cycle naturel qui se déplace éternellement dans des schémas de naissance, de vie, de mort et de renaissance ? N'en faisons-nous pas partie ? Non seulement dans nos vies personnelles, mais aussi dans les grandes lignes temporelles de l'histoire de l'humanité, les cycles planétaires, les macro et micro univers, etc. Je m'intéresse à ces mêmes schémas dans les civilisations, les mythologies, l'histoire, la religion et le mysticisme.

Il y a aussi des lignes de fond très pratiques dans mon travail. Je viens d'un milieu très ouvrier. J'ai appris à utiliser des outils quand j'étais très jeune, et je viens d'une ville qui est fameusement industrielle. Tout le monde a un lien avec l'industrie automobile ou les voitures de Détroit. J'ai grandi à côté des voies ferrées, et dans presque tous les projets que je fais, j'ajoute des matériaux ou des liens avec le chemin de fer, parfois même comme un simple œuf de Pâques pour moi-même. J'ai ça dans le sang. Le chemin de fer était un réconfort pour moi quand j'étais jeune. Je me rendais sur les voies, j'y marchais et j'explorais, m'évadant un peu de la réalité. Il y a beaucoup d'idées de ce genre qui se retrouvent dans mes projets, et peut-être que j'essaie encore de les mettre au point au fil des ans.

En août de l'année dernière, j'ai installé une sculpture en bronze de 11 pieds dans le centre-ville de Détroit, appelée Floating Citadel. C'est la plus grande sculpture publique que j'ai jamais réalisée dans une métropole. C'est un élément central de la ville, c'est permanent et ça va nous survivre. S'il y avait un événement apocalyptique cataclysmique, elle sortirait du sol comme la Statue de la Liberté dans La Planète des Singes. Je me sens plutôt bien à propos de ça, et de l'œuvre en général. C'était important pour ma carrière, mais c'était aussi un peu un autoportrait dont je fais des versions depuis 1999. Mon autoportrait de la cage thoracique de la grille d'égout. J'ai décidé de faire un tas de versions plus petites en bronze également, alors au cours des deux derniers semestres, j'ai travaillé à l'école d'art ici à Détroit, en utilisant leur fonderie pour faire des œuvres en bronze plus petites.

En ce moment, j'en suis aux premières étapes d'un projet que je vais réaliser en Bosnie-Herzégovine. En mai, le conservateur Irfan Hošić m'emmène en Bosnie pour que je fasse une intervention spécifique au site, une installation, peut-être une pièce permanente. Je suis très intrigué par les sculptures et les monuments en béton qui se trouvent dans toute l'ex-Yougoslavie et que l'on appelle Spomeniks. Ils sont dans différents états de délabrement, beaucoup d'entre eux sont en béton armé ou en pierre, et ont une forme très brutale. J'ai hâte de faire ce voyage. Je vais apprendre beaucoup d'histoire, puis je reviendrai à Détroit et je me demanderai ce que je vais bien pouvoir faire.

La recherche est une grande partie de ma pratique - je m'assois simplement devant l'ordinateur, je m'enfonce dans des trous de lapin, je lis et j'apprends. Et s'il y a une direction, je la suis. Cela ne me mènera peut-être nulle part, ce sera peut-être une impasse, mais pour moi, c'est une grande partie de ce que je fais : apprendre, filtrer, décrypter. Tu sais, les gens de Détroit sont très sensibles aux étrangers qui viennent faire des projets et qui ont un point de vue sur l'histoire d'ici, pour repartir deux semaines plus tard. Je ne veux donc jamais être ce type de personne lorsque je réalise des projets en dehors de l'endroit où je vis et travaille. C'est une grande partie de la recherche pour moi. Je veux que les Bosniaques me disent si c'est une bonne idée ou s'ils pensent que c'est de la merde Tout cela m'aide à m'informer et à orienter mon travail.

Je viens de désinstaller une exposition rétrospective de 25 ans au musée d'art de Cranbrook. C'était vraiment une leçon d'humilité. Je me sens rarement fière et je n'aime pas vraiment avoir un ego à propos de ces choses. J'essaie de me concentrer sur le travail, sur les idées, sur le processus. Mais en fait, je me suis sentie fière. Je me suis dit : "Putain de merde, je suis toujours en vie, je suis moins fauché que je ne l'ai jamais été, et quelqu'un a décidé que j'étais digne de faire l'objet d'une grande exposition dans un musée." C'était vraiment époustouflant.

Bien sûr, comme beaucoup de mes projets, l'installation était une entreprise physique majeure. Il y avait plusieurs installations à grande échelle dans le musée, ainsi que des photographies documentant des projets spécifiques au site qui ne peuvent pas être recréés. Mais l'installation s'est déroulée sans problème. C'était un peu choquant aussi. Je suis tellement habituée à ce que les choses se passent mal. Je pense qu'une partie de l'expérience a été de voir que je suis vraiment douée pour naviguer autour de ces obstacles, juste pour les traverser. Le jour du vernissage, je n'étais pas stressée, ce qui était agréable.

Avant d'installer l'exposition, j'ai également passé énormément de temps à travailler sur le catalogue. Andrew Blauvelt, le directeur du Cranbrook Art Museum et conservateur de ma rétrospective, a vraiment fait des recherches sur moi et ma pratique lors de la préparation de l'exposition. Il a parcouru mon site web, lu des articles, suivi des stories Instagram à rallonge que j'avais écrites... C'était impressionnant. Et c'est lui qui a eu l'idée de mettre l'accent sur mes écrits, en plus de toutes les œuvres d'art de l'exposition, et de créer un catalogue complet pour l'exposition. Si tu ne le savais pas déjà en lisant cette interview, je peux vraiment filer un fil ! Il est donc tout à fait logique qu'Andrew ait décidé d'appeler ma rétrospective Detroit Stories.

En fin de compte, nous avons travaillé ensemble sur ce tome de 344 pages pendant environ 6 mois. Il comprend 12 essais, certains longs, d'autres courts, certains datant d'il y a près de 20 ans, et d'autres encore écrits spécifiquement pour le catalogue. En outre, j'ai rédigé des descriptions pour les 44 projets inclus dans le catalogue. Il y avait également des affiches de mes écrits tout au long de l'exposition, des extraits des textes. De nombreuses personnes sont venues me voir après l'exposition pour me dire à quel point elles avaient apprécié de les lire. Cet aspect était, encore une fois, très surprenant et m'a donné le sentiment qu'à l'avenir, je veux continuer à me concentrer sur l'intégration de l'écriture dans les choses que je fais. Ce n'est pas que je ne l'avais pas déjà fait, mais cela l'a vraiment formalisé et lui a donné un cachet et un caractère officiel.

Avec cette rétrospective, on avait un peu l'impression de se dire : " Peut-être que c'est ça. Peut-être que c'est l'apogée. Je l'ai atteint, je l'ai fait. J'ai eu une rétrospective dans un musée. À partir de là, c'est la dégringolade." Qui sait ? Mais je suis d'accord avec ça, d'ailleurs. Quand on est artiste, on s'habitue à vivre dans l'incertitude. Je pense que, d'une certaine manière, la plupart des artistes se sont bien débrouillés pendant COVID parce qu'on se disait : "Oh, c'est toujours comme ça qu'on vit, avec l'inconnu." Je suis d'accord avec ça. J'ai choisi de vivre avec l'inconnu, sans savoir d'où viendrait le prochain salaire ou si le monde allait s'arrêter demain.

Et aussi avec la rétrospective, il y avait un sentiment comme "Tu continues à travailler. Tu continues à te démener. Tu continues à te concentrer sur tes idées, et les choses arrivent." C'est encourageant. Cela transforme une partie de l'inconnu en certitude. Et ça me fait sentir que je n'ai pas fait un mauvais choix quand j'ai décidé de prendre cette direction il y a des dizaines d'années. J'ai suivi un chemin, et je vais continuer à le faire et à voir ce qui se passe. Et gagner la bourse Joan Mitchell a été l'un de ces moments où vous vous dites : "Oh, merde ! Je vais continuer à être payé pendant des années !" Ce qui veut dire que je serai certainement encore une artiste dans plusieurs années.

Interview et montage par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail de Scott Hocking , clique ici.