Dans le studio : Scott Anderson

Scott Anderson est un peintre basé à Albuquerque, au Nouveau-Mexique, et un boursier Joan Mitchell 2024. Nous avons interviewé Anderson sur son travail et sa pratique créative en février 2025.

Faire de l'art, pour moi, c'est penser, traiter et émouvoir de manière concrète. C'est une façon de peupler mon environnement d'objets qui indiquent ce que je ressens ou comment je comprends le monde visuel.

Je fais surtout des peintures, et plus rarement d'autres choses qui relèvent de cette discipline. Les peintures sont fondées sur quelque chose que la plupart des peintures sont probablement à un certain niveau, c'est-à-dire une sorte de remise en question des hypothèses sur la relation entre la représentation et la matérialité. Je ne pense pas vraiment au travail en termes de continuum, comme la façon dont une chose que je fais est liée à une autre chose que je fais, mais il est évident que c'est le cas. Ces dernières années, il semble y avoir cette sorte d'anthropomorphisation de formes autrement non figuratives qui se défont ensuite partiellement, comme des golems ratés.

Je loue un studio qui se trouve à environ 20 minutes de route de chez moi. Il s'agit d'une petite structure autonome dans un groupe de propriétés commerciales qui a été le studio d'un restaurateur d'art local pendant plus de deux décennies avant que je ne le reprenne au printemps dernier lors de son départ à la retraite. L'ambiance y est géniale et le propriétaire est très favorable à son utilisation en tant qu'atelier d'artiste, alors je me sens très chanceuse à cet égard.

Pour commencer une œuvre, j'ai généralement besoin d'une sorte de ready-made - quelque chose à quoi répondre. Mes peintures sont généralement dérivées de dessins que je fais, mais en réalité, ce que je finis par décider pour une peinture finie provient de peintures ratées et de faux départs sous la surface. C'est peut-être un cliché, mais ce sont des palimpsestes en ce sens. La peinture est un acte qui marque ce que je ressens en faisant quelque chose dans le monde à un moment donné.

Je commence une peinture avec une traduction à l'échelle 1:1 d'un dessin qui est gonflé, puis peut-être effacé ou réorienté ou autre. Cela se produit encore et encore, parfois pendant des mois. Il y a beaucoup de changements au fil du temps, bien qu'ils ne soient jamais délibérés ou artificiels. J'aimerais pouvoir terminer une peinture en une seule fois, et je serais d'accord pour que celle-ci soit différente des autres, mais depuis quelques années en tout cas, la cuisson lente jusqu'à la surcuisson semble être devenue un élément fixe de mon processus de travail.

Les peintures sont des écrans à travers lesquels on peut voir le monde. Elles présentent simultanément l'intériorité et l'extériorité. Mes peintures ont un sujet, mais je ne m'intéresse à la représentation que dans la mesure où elle fabrique un sentiment de connaissance dans une image - une connaissance qui mutera inévitablement en ambiguïté.

Pour donner un exemple, avec ma peinture Sauna Stones (2023), je réfléchissais à mon ascendance scandinave à travers le signe pop des saunas. Cela m'a amené à penser à des objets catalytiques - des choses qui sont petites, capables d'être manipulées à la main et qui ont le pouvoir d'affecter l'environnement à plus grande échelle.

Une autre œuvre, Small and Large Swimmers with Mushrooms (2019), porte un titre sans appel qui décrit sans détour des éléments de composition, bien que les images, les formes ou les passages émergent de manière oblique.

Avec la peinture Tables and Chairs (2020), je réfléchissais à l'acte de se faire passer pour autre chose afin d'être considéré comme utile. Et à l'échec bien sûr. Pour moi, la peinture consiste toujours à échouer d'une certaine façon - comme lorsqu'on est un enfant et qu'on pense pouvoir se rendre invisible en se couvrant les yeux.

Je veux que les choses que je fabrique exigent un regard actif et une proximité physique pour pouvoir les décrire, et je veux qu'elles résistent à la capacité de s'en souvenir d'une certaine manière. Je veux dire que tu ne peux pas nécessairement te débarrasser de la capacité de te souvenir des choses en général, mais la mémoire devrait être un outil très peu fiable pour comprendre ce que signifie faire l'expérience de l'œuvre.

Les expériences directes et primaires semblent être plus rares, car beaucoup de choses dans la vie sont fortement médiatisées, synthétisées et rabâchées, y compris une grande partie de l'art. Je veux que le travail que je fais incite à être avec lui et à y revenir, ce qui, je suppose, signifie que je veux que le travail soit imprégné d'une sorte de pathos. L'analogie avec un objet pourrait être un héritage plutôt qu'un monument. Usé, bizarre et surtout inutile en dehors de ceux qui y sont attachés.

Récemment, j'ai beaucoup réfléchi aux travaux que je faisais à la sortie de l'école, il y a un peu plus de 20 ans, et qui étaient des artefacts de nostalgie réfléchie de mes années de formation, lorsque j'étais obsédé par des choses comme les utopies, le rétro-futurisme, la fantaisie et les mythes. J'ai toujours été attiré par les explications obsolètes ou farfelues sur le monde du passé ou du futur - les paysages de l'au-delà, les mondes extraterrestres, l'alchimie, les mythes de la création, la génération spontanée et d'autres pseudo-sciences mortes, la cryptozoologie, etc.

J'avais l'habitude de penser aux choses que je faisais plus en termes d'espace (généralement en tant que représentations d'espaces plus qu'en fabriquant des espaces eux-mêmes, mais qui sait comment cela se traduit dans le travail futur en studio) comme les paysages et les intérieurs, et c'est là que mon esprit s'est orienté dernièrement. Je ne sais pas encore ce que cela signifie pour le travail, mais j'ai hâte de le découvrir.

En ce moment, dans le studio, je fais des démarches pour une exposition personnelle au Marianna Kistler Beach Museum of Art de l'université d'État du Kansas pour le printemps 2027. Kansas State est l'endroit où je suis allée à l'université, donc c'est très significatif pour moi. Les plans pour cela sont très largement en cours d'élaboration, donc je ne sais pas encore ce que je ferai exactement pour l'exposition. J'espère que j'aurai l'occasion de collaborer avec le département des arts d'une manière ou d'une autre, mais nous verrons bien.

Sinon, je suis très enthousiaste à l'idée de pouvoir explorer de nouvelles idées, de nouvelles méthodes et de nouveaux matériaux grâce à la bourse Joan Mitchell. Il est contre-productif d'essayer d'expliquer ce que cela pourrait être avant d'avoir eu l'occasion d'examiner à fond ces notions dans mon esprit et par le biais de la création. Mais il y a beaucoup d'amour et de discorde dans le studio en ce moment, alors tout se passe comme prévu.

Interview et montage par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail de Scott Anderson, rendez-vous sur Instagram.