Dans le studio : Sarah Amos

Sarah Amos est une artiste née en Australie et basée dans le Vermont. Amos a reçu la bourse pour peintres et sculpteurs de la fondation Joan Mitchell en 2013 et a été artiste en résidence au centre Joan Mitchell à l'automne 2022. Nous l'avons interviewée sur son travail et sa pratique créative en octobre 2022. Ce qui suit est une transcription éditée de cette conversation.

Je suis graveur depuis plus de 30 ans. À l'origine, j'ai suivi une formation de maître-graveur spécialisé dans la lithographie, la collagraphie et la monoprint sur papier. Il y a neuf ans, j'ai fait la transition vers les textiles et j'explore maintenant une vaste gamme de surfaces et de textures pour la gravure. Je m'intéresse actuellement à la création de textiles uniques imprimés à la main qui combinent l'impression avec l'application et la couture. Je me suis maintenant sérieusement engagée dans cette technique écologique et elle reste mon principal centre d'intérêt.

J'ai toujours aimé le papier pour son toucher organique, son caractère lumineux et sa riche histoire, mais j'ai été intriguée dernièrement par des surfaces non traditionnelles pour l'impression telles que la toile, le lin et la toile de jute, qui est un tissu rugueux semblable à la toile de jute. J'étais à la recherche d'une esthétique capable de ralentir l'esprit et la main, pour réaliser des œuvres réfléchies et profondément stratifiées. J'ai finalement choisi le feutre en raison de sa richesse inhérente, de sa tactilité et de son intimité.

Mon travail actuel est un amalgame de couture contemporaine et historique sur feutre acrylique et de gravure au collagraphe. La collagraphie est un procédé inspiré de l'intaglio, par lequel des matériaux texturés et des marques incisées sont encrés et imprimés. Cette technique sert de plateforme sur laquelle le reste du dessin peut être construit. J'emploie une approche de couture libre axée sur des motifs linéaires et organiques, en utilisant des mélanges de fils de bambou et de subtils changements de couleur pour créer un festin optique et un fini tridimensionnel. Le fil est piqué, pointé, en pointillé et en creux sur les surfaces imprimées. Dans certaines œuvres, des imprimés appliqués sur toile et sur lin sont cousus directement sur la surface en feutre pour agir comme une autre extension spatiale.

Je veux utiliser le fil comme une toile qui envoie des informations tout en reliant l'imprimé en dessous et le dessin au-dessus. Ce qui est important pour moi maintenant, c'est de faire une image à la fois qui reflète non seulement l'attention portée aux détails et à la matérialité, mais aussi un sens du travail et du passage du temps. Après avoir travaillé sur les grands feutres, j'ai réalisé que le fil avait remplacé le matériel de dessin et que le feutre avait remplacé le papier. Une nouvelle direction que j'avais toujours recherchée s'amassait devant moi.

Le motif est un élément essentiel de ce travail car il génère un mouvement visuel autour des œuvres et satisfait mon amour de la répétition, de la couture historique et de la flottabilité visuelle. Je trouve ma direction dans les sentiers du motif, tandis qu'à d'autres moments, je fais sortir le point de la route.

J'utilise des impressions / textiles cousus à grande échelle mettant en vedette des formes chimériques et des figures organiques comme base pour l'exploration d'une esthétique fantastique et d'un commentaire allégorique. Je m'intéresse aux intersections de la science et de la nature ainsi qu'à la relation entre les éléments organiques et inorganiques, et aux diverses permutations abstraites qui apparaissent lorsqu'ils entrent en collision sur la page. Je construis constamment mon propre récit personnel à travers cette exploration.

Dernièrement, mon processus a consisté à tenir une série de carnets de croquis pour enregistrer de nouvelles idées et des compositions de couleurs. À partir de là, je réalise une série de petites peintures sur papier et j'en travaille plusieurs à la fois pour créer un dialogue sur plusieurs surfaces. Une fois les images établies sur le papier, je les transforme en impressions / textiles à grande échelle. Je préfère réaliser des impressions en collagraphie à partir de cartons réutilisés en raison de leur spontanéité, de leur facilité d'utilisation et de leur teint rugueux. Je ferai une série de plaques de carton basées sur les peintures et je les apporterai avec des incisions et des surfaces texturées. Elles seront ensuite imprimées sur du lin, de la toile ou du feutre. Après de multiples passages et des techniques de superposition sur ma presse à gravure, elles sont alors prêtes à recevoir le fil ou le collage de tissu qui sont employés sur la surface finie.

J'étais en mode recherche et développement lorsque je suis arrivée pour ma résidence au Joan Mitchell Center. Comme je travaille sur des images à grande échelle qui nécessitent une grande presse à graver, je n'ai pas pu apporter ces pièces plus grandes avec moi, mais j'étais déterminée à expérimenter et à rechercher de nouvelles voies pour les œuvres à venir. Ce temps a été extrêmement précieux, non seulement pour mon bien-être psychologique, mais aussi pour la progression de nouvelles idées. Au cours de la période de résidence, j'ai pu me promener, consolider, éditer et finalement reconfigurer de nouvelles œuvres que je prévoyais de réaliser à mon retour.

Dans l'atelier, j'ai créé deux œuvres distinctes. Tout d'abord, j'ai réalisé une série de petites maquettes murales en carton, gouache et fil. Je voulais expérimenter de nouvelles configurations plus grandes que je venais de commencer dans l'atelier à domicile. De retour à la maison, ces petites pièces étaient transformées en expériences de 3,5 x 4 pieds, puis en pièces murales de 6 à 9 pieds de la taille désirée.

Le deuxième ensemble d'œuvres était mes peintures à la gouache de 17 x 23 pouces sur papier. Ces petites peintures sont essentielles à ma pratique en studio. C'est là que je travaille la couleur, la forme, la composition et la narration et que je décide de la direction à prendre pour une série de pièces plus grandes. Une fois ces peintures terminées, je réfléchis à l'agencement des images les plus réussies et je commence à les traduire en œuvres textiles/imprimées plus grandes - d'environ 66 x 78 pouces.

La résidence au centre Joan Mitchell a été cruciale pour déterminer les pièces qui passeraient à l'étape suivante de la fabrication. La fabrication de ces pièces peut prendre un an, il était donc important pour moi de mettre en place une stratégie visuelle et de calculer ce qui sera nécessaire avant mon retour au studio. Les pièces façonnées sont assez difficiles à réaliser sur le plan technique, et la courbe d'apprentissage a été abrupte mais passionnante. Pendant ma résidence, j'ai également travaillé sur des problèmes techniques sérieux (apprendre à coudre sur une machine à coudre en 3D) que j'avais rencontrés avant de venir au Joan Mitchell Center et que j'ai finalement résolus pendant que j'étais dans l'atelier.

J'ai un programme chargé pour 2023, notamment une exposition en mars à la galerie Patricia Sweetow à Los Angeles et la sortie de deux livres. Le premier livre présentera mes dessins, mes peintures et mes carnets de croquis, tandis que le second sera une histoire chronologique de toutes mes œuvres textiles depuis 2014. Je cherche constamment de nouvelles façons de me mettre au défi et d'expérimenter avec différents matériaux. J'ai hâte d'explorer de nouvelles idées et, je l'espère, d'autres voyages à la Nouvelle-Orléans, en Australie et au Japon cette année.

Interview et montage par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail de Sarah Amos , clique ici.