Dans le studio : Ruby Chishti

Ruby Chishti est une artiste pakistano-américaine, basée à Brooklyn, dans l'État de New York, et titulaire d'une bourse Joan Mitchell en 2024. Nous avons interviewé Chishti sur son travail et sa pratique créative en mars 2025.

La couture - un acte aussi ancien que la survie elle-même - est mon langage de travail, de chaleur, de raccommodage, de narration et de résistance. Ma pratique est née de mon mode de vie, façonné par la nécessité et la résistance.

Je ramasse les objets oubliés - brindilles tombées, vêtements rejetés, paille, chutes de tissu - chaque fragment est porteur d'une histoire, chaque point de couture d'un souvenir. Je me fixe des règles, pour ensuite les plier et les briser, en expérimentant la forme et le style. L'inspiration, lorsqu'elle suit aveuglément toutes les impulsions, n'est pas une liberté mais une sorte d'esclavage.

Je crée des œuvres qui confrontent la fragilité de l'être, posant des questions existentielles sur la faillibilité humaine, l'amour et la perte. Autobiographe dans l'âme, je tente de raconter mon histoire comme une histoire universelle - une méditation sur l'appartenance, sur ma place dans le monde. Mon travail parle d'une voix collective, d'un langage qui cherche à établir des liens.

À partir des vêtements rejetés de personnes inconnues, je construis des monuments communautaires et collectifs - un acte de commémoration, une main tendue vers ceux que je n'ai jamais rencontrés et ceux que j'ai aimés et perdus. Ces monuments s'accumulent comme des couches d'histoire, la stratigraphie du tissu reflétant le temps profond, comme des formations géologiques façonnées au cours de milliards d'années.

Les vêtements mis au rebut et produits en masse portent en eux les traces de l'interdépendance - comment nous voyons, touchons et ressentons le monde, comment nous dépendons des autres, proches ou lointains, comment la présence et l'absence façonnent notre expérience vécue.

En démontant et en reconfigurant des vêtements trouvés, je crée des structures évocatrices qui invitent à réfléchir sur nos liens émotionnels et physiques avec l'espace et les autres. Ces récits critiquent les structures patriarcales et les systèmes d'exclusion, remettant en question les frontières rigides entre les médiums artistiques et les constructions sociétales. En démêlant et en réassemblant, mon travail fait tomber les distinctions - entre l'artisanat et le monument, entre la mémoire personnelle et la mémoire collective.

En cousant à la main des milliers de couches de matériaux mis au rebut, je résiste aux hiérarchies, j'honore la complexité et j'accepte le poids de l'histoire. À l'ère de la prise en compte de l'environnement, je transforme les déchets en témoignages - en insistant sur le fait que même ce qui est mis au rebut a de la valeur.

Ma pratique est ancrée dans mon passé d'étudiante en littérature pendjabi, influencée par les poètes soufis qui, avec humilité et révérence, ont adopté la voix féminine pour défier les normes enracinées. Née comme quatrième fille dans une société patriarcale, je sais ce que cela signifie d'être négligée, de donner un sens au silence, d'affirmer une existence que le monde ne reconnaît pas d'emblée.

Je veux que mon travail invite au toucher, qu'il éveille la reconnaissance, qu'il rende visibles les forces invisibles qui façonnent notre monde. Comment honorer le travail et la résilience de ceux que l'histoire a ignorés ? Comment changer notre perspective pour valoriser les fils invisibles qui nous lient ?

Que je sculpte la forme d'un humain, d'un animal, d'une machine - quoi que je fasse - je cherche à évoquer l'existence fragile et lumineuse qui nous relie tous.

La mortalité a façonné ma façon de voir le monde - elle persiste dans ma façon de percevoir, de collecter et de créer. Mon travail est mon langage, le seul moyen que je connaisse pour me connecter à travers le temps et l'espace. Je trouve un sens aux objets disposés de la sorte, aux gestes négligés, aux histoires qui n'ont jamais trouvé d'expression mais qui continuent d'exister, parfois avec une ampleur trop grande pour être contenue.

Je suis, par nature, un solitaire - je me déplace dans le monde avec un besoin insatiable de me connecter, mais toujours à distance. Le silence est mon compagnon, la solitude mon refuge. Mais dans ce silence, il y a un désir profond d'atteindre, de comprendre, de me tisser dans quelque chose de plus grand.

L'art est mon pont, ma voix quand les mots manquent. Par mes mains, par le fil et le tissu, je parle. Dans l'acte de création, je me sens plus proche de l'humanité, de l'invisible, de l'inaudible, de l'oublié. Je ne crée pas seulement pour être comprise, mais pour comprendre, pour dissoudre la distance, même pour un instant, entre moi et le monde.

Avant de venir aux États-Unis, j'ai passé 11 ans à m'occuper de ma mère, paralysée à la suite d'un accident. Cette expérience a transformé ma relation avec le temps - révélant son poids, ses cycles de soins, de perte et de résilience. Je trouve des échos de cette endurance partout : dans la posture d'une personne qui traverse une épreuve, dans l'architecture qui renferme l'histoire dans ses murs, dans le travail invisible qui façonne notre monde.

Je suis attirée par les intersections entre l'ornementation architecturale et les vêtements de cérémonie, par les parallèles entre le corps humain et les structures construites. Quelle est la différence entre un travail non reconnu et un travail jugé précieux ? Comment honorer ceux qui ont façonné notre monde sans être reconnus ?

Mon studio est un espace où je me perds dans les idées, les souvenirs et le langage, car ce qui compte vraiment, ce n'est pas seulement ce qui se passe, mais aussi la façon dont on s'en souvient et le sens que nous donnons au souvenir, à l'amour et à la perte.

Mon studio n'a jamais été un endroit fixe - il existe partout où je me trouve. Peu importe la taille de l'espace, je le transforme en mon univers créatif. J'ai la chance de partager mon temps entre Brooklyn et le lac Peekskill, passant de l'énergie de la ville à la solitude de la nature.

Pendant longtemps, sans véritable studio, j'ai appris à créer par fragments, en emportant toujours une aiguille, du fil et des chutes de tissu - des morceaux de matière qui voyagent avec moi, attendant de prendre une nouvelle forme. Les vêtements jetés ont une signification immense pour moi ; c'est un monde à part entière.

Je ramasse ce que les autres jettent - des sacs et des sacs de restes oubliés. Même après avoir balayé le sol, je ramasse les plus petits fils, les conservant comme s'il s'agissait d'artefacts d'histoires perdues. Des amis et des connaissances m'apportent leurs vêtements usés, et je passe du temps à étudier leurs textures, à retracer leur histoire, à dessiner et à imaginer de nouvelles formes.

Mon processus est fluide, un dialogue entre l'idée, le matériel et la découverte. Souvent, il commence par une pensée fugace - une image, un sentiment, une question qui persiste. Pour la capturer, je fais un petit croquis, non pas comme un plan, mais comme une façon de retenir l'idée avant qu'elle ne s'éloigne.

À partir de là, mon intérêt s'approfondit. Parfois, je cherche les bons matériaux pour donner vie à l'œuvre, et je ne commence pas tant que je ne les ai pas trouvés. D'autres fois, c'est le matériau lui-même qui me parle en premier - sa texture, son histoire, ses possibilités - et c'est à partir de là que l'idée émerge.

Mes meilleurs moments en studio se produisent lorsque quelque chose de nouveau commence et qu'une urgence s'installe. Je travaille sur plusieurs pièces à la fois, passant de l'une à l'autre lorsque je me sens bloquée, lorsqu'un moment de création a besoin d'espace pour respirer. Le fait de m'éloigner me permet de revenir avec un regard neuf.

Mon atelier est rempli d'œuvres non résolues, chacune offrant des possibilités infinies - certaines trouvent leur place dans de nouvelles créations, d'autres sont démantelées et renaissent sous une autre forme. Rien n'est jamais vraiment terminé ; tout est en devenir.

Par exemple, dans The World is a Loose Stitch, j'ai transformé une machine à coudre, un objet de travail et de création, en quelque chose d'entièrement nouveau. L'essence de l'œuvre est restée constante, mais le processus de fabrication a été une découverte continue. Je laisse de la place à l'inattendu, pour que l'œuvre prenne forme d'une manière que je n'avais pas prévue.

J'ai récemment organisé une exposition portant le même titre - TheWorld is a Loose Stitch - commeune ode aux guerriers qui existent malgré tout. C'est un endroit où leurs luttes silencieuses et leurs histoires sont célébrées et valorisées.

En tant que femme dans le monde d'aujourd'hui, je mène une bataille constante pour essayer d'être moi-même dans une société qui sexualise et objective sans relâche. La représentation superficielle du corps des femmes diminue leur humanité, abaisse l'estime de soi et renforce un cadre patriarcal et sexiste. Je lutte contre cela en m'efforçant de voir l'essence humaine des femmes, en particulier des femmes âgées, en les reconnaissant comme des êtres aimables qui ont enduré des luttes tout au long de leur vie et dont l'histoire est gravée dans leur corps.

J'ai récemment réalisé des maquettes de figures ancestrales en forme de guerriers, certaines en argile et d'autres avec du tissu recyclé, chacune mesurant 16'' de haut. Elles seront coulées dans le bronze et serviront d'échos aux siècles passés, représentant les batailles que les femmes doivent mener pour être elles-mêmes, là où, petit à petit, nous sommes défaites par les attentes de la société. Où nous nous conformons et perdons notre identité. Où nos voix sont perdues et oubliées.

Alors que nous traversons des temps incertains, mon travail est alimenté par un profond désir de favoriser l'empathie et de démanteler les préjugés. Il met au défi, voire contraint, les autres à penser à l'unisson. Je ne peux pas trouver la paix dans un monde qui en est dépourvu. J'ai la profonde responsabilité de créer des œuvres qui attirent les gens - de créer des expériences qui semblent personnelles, comme si les histoires que je partage étaient les leurs, vécues et ressenties. À travers des œuvres évocatrices et immersives, je m'efforce de cultiver un espace où la compréhension transcende la division, et où l'art sert de pont à notre humanité partagée.

Un projet sur lequel je travaille actuellement et qui se rapporte à ce désir est Warrior's Hat (Chapeau de guerrier). Dans cette œuvre, je couds à la main des chapeaux en feutre et en tissu de laine, chacun d'eux étant soigneusement fabriqué et placé à côté d'individus qui ont abandonné - ceux qui sont perdus en marge de la société. Les sans-abri des rues de New York mènent chaque jour des combats inimaginables. Les petites luttes deviennent monumentales lorsqu'elles sont aggravées par des problèmes de santé mentale, la pauvreté et l'exclusion systémique. En plaçant un chapeau de guerrier à côté d'eux, je veux leur faire comprendre que je les vois, qu'ils sont importants, qu'ils sont des guerriers qui ne doivent pas abandonner.

Ce projet est né de mon lien profond avec la ville de New York, qui a commencé lorsque je suis arrivée pour la première fois en 2006. Debout dans le métro, j'ai entendu l'annonce d'un train à destination du World Trade Center - une destination qui n'existait plus. J'ai cherché sur les visages autour de moi des traces de chagrin, sentant les pertes inexprimées et la résilience qui définissaient la ville. À ce moment-là, New York est devenue plus qu'un lieu ; elle est devenue une mémoire vivante, un témoin de l'histoire - une histoire dont je faisais aussi partie.

Les chapeaux sont des symboles de résilience, de force et d'honneur, qui rendent hommage aux guerriers oubliés qui continuent à se battre en silence contre leur situation. Ce projet implique de vivre avec des problèmes de santé mentale ; une vie suspendue, un esprit fracturé, un silence que je ne pouvais pas briser. En émergeant de cette obscurité, je me suis retrouvée attirée par ceux qui restent encore sous son emprise - les voix qui ne sont pas entendues, les corps recroquevillés dans les stations de métro, les âmes perdues dans un monde qui les a laissées de côté. Je les vois maintenant, non pas comme des étrangers, mais comme les reflets d'une époque où je me tenais moi aussi au bord du gouffre.

Cette expérience m'a rapprochée de ceux qui luttent pour exister dans un monde qui va trop vite pour les remarquer. Je veux créer des œuvres qui parlent de cela, qui font de la place aux personnes vulnérables, aux personnes brisées, aux personnes oubliées. Je veux coudre leur présence dans mon art, pour rappeler au monde qu'ils sont là, qu'ils ont toujours été là. Qu'ils sont nous.

Parfois, la vie ressemble à une maille lâche - fragile mais qui tient tout ensemble. Mon travail s'est développé d'une manière que je n'avais jamais prévue, façonné par le vent du temps et de l'expérience. Avec ma prochaine exposition solo à Rohtas 2 à Lahore, au Pakistan, organisée en même temps que le festival littéraire de Lahore, j'espère engager des conversations significatives avec les étudiants en art, les éducateurs, les institutions et le public. Cette exposition présentera de nouvelles œuvres ainsi que celles qui ont été récemment présentées dans le cadre de l'exposition des artistes de Brooklyn au Brooklyn Museum. Je participe également à The Golden Thread Part 2, organisée par BravinLee projects, une exposition sur les arts de la fibre qui aura lieu du 10 avril au 16 mai 2025, dans un bâtiment historique du South Street Seaport de Manhattan.

Recevoir la bourse Joan Mitchell a renforcé mon existence d'une manière que je n'aurais jamais imaginée. Elle a constitué un cadre de soutien, offrant la force et la possibilité de réaliser des rêves qui me semblaient autrefois lointains - en particulier mon ambition de longue date de créer des sculptures à grande échelle pour les espaces publics. Ayant travaillé sur des commandes de grande envergure au Pakistan après l'obtention de mon diplôme, je rêve de créer des œuvres monumentales qui existent dans des espaces partagés ici - des œuvres qui sont des marqueurs de résilience et de mémoire collective. J'ai esquissé, dessiné et construit des maquettes, transformant en possibilités tangibles des idées qui m'habitent depuis des années.

Interview et montage par Jenny Gill. Pouren savoir plus sur le travail de Ruby Chishti, consulte le site rubychishti.com.