Dans le studio : Peggy Chiang

Peggy Chiang est une artiste basée à Brooklyn et une Joan Mitchell Fellow en 2024. Nous l'avons interviewée sur son travail et sa pratique créative en février 2025.

Je travaille dans le domaine de la sculpture et de l'installation mixtes. Ma pratique récente est axée sur des projets et se concentre sur la perception et l'éloignement sensoriel.

Depuis un certain temps, je dis que je fais des images. En général, je commence par une image et j'en fais l'ingénierie inverse. Lorsque je planifie une exposition, l'image s'étend vers l'extérieur pour former une scène. Le dédoublement est une autre stratégie narrative, et je cherche des dualités à extraire ou à pacifier : ventilateur de plafond et horloge, fontaine et bile, camion à ordures et seuil.

Avec les expositions récentes, j'ai commencé par réaliser une œuvre qui devient le point d'ancrage du reste du projet et écrit l'intrigue. Les œuvres qui suivent mettent en scène la rencontre. J'ai commencé mes études supérieures avec l'objectif singulier de réaliser une œuvre - un sac en plastique rempli de déchets qui sautille comme un lapin - et de développer une série de sculptures pour la contextualiser. spleen and ideal at Prairie, Chicago, était centré sur des cloches en bronze coulées à partir de gousses de pavot creuses. Fiend at hatred2 a commencé par un souvenir que j'ai transformé en personnage en céramique.

J'ai eu l'idée de faire un camion à ordures après en avoir conduit un pendant des kilomètres sur le Jersey Turnpike, et j'ai pensé qu'il pourrait être une sculpture autonome - d'une complexité sous-estimée et, avec le compacteur éclairé la nuit, dramatique. Et j'ai réfléchi à la manière de réaliser une exposition d'une seule œuvre. Après avoir visité le site de Laurel Gitlen, j'ai travaillé à partir de l'image d'un camion à ordures tronqué dans une pièce vide avec un mur de fenêtres, quatre étages au-dessus du sol. Il m'a fallu sept mois pour le reconstruire pièce par pièce à partir de photographies, et de nombreux cycles de démontage. Il y a eu une semaine où il avait l'air tout neuf, fraîchement peint. Les autres éléments de l'installation (feuilles, cigarettes, sons commandés) ont été ajoutés pour perturber la perception d'une scène visuellement simple et immobile.

J'aime combiner les grands et les petits mouvements. Les cigarettes sont arrivées en dernier lorsque j'ai cherché des moyens d'introduire des odeurs, et elles sont un motif recyclé d'un ancien travail. Remplir des tubes de papier avec de l'encens est un très petit geste, mais cela te permet d'obtenir une cigarette qui brûle de façon autonome.

Il me faut beaucoup de temps pour traiter un travail, et je m'y attarde longtemps après la fin de l'exposition. Il y a quelque chose dans le fait de comprendre quelque chose trop tôt qui le tue pour moi. J'ai déjà entendu dire que savoir quelque chose, c'est le posséder, et j'ai pris le contre-pied. Je pense qu'il est égalisateur de rester dans l'inconnu, de ne pas savoir, et de résister à l'impulsion de posséder. Mes œuvres d'art préférées ont une résonance non verbale et profondément ressentie.

Je dois mes premières influences à mes années de formation à Baltimore. J'ai commencé à aller en ville pour assister à des concerts de hardcore en sous-sol au lycée. Je me souviens avoir vu un concert de Ryan Trecartin dans la maison de quelqu'un à la même époque. La promotion se faisait par le biais d'un prospectus imprimé sans adresse, parfois scanné et posté sur un tableau d'affichage. Il y avait une sorte d'information codée que j'ai pris l'habitude de voir avec une invitation.

En tant qu'étudiante, ma principale connexion avec l'art se faisait par le biais d'espaces gérés par des artistes. En dialogue avec des projets similaires dans toute la ville, des espaces comme Franklin Street, Rope et Evening Hours (NY) organisaient presque toutes les deux semaines des installations et des performances qui ne duraient qu'une nuit. Leur programmation et leur énergie inégalée influencent encore ma façon de voir le travail créatif et l'installation.

L'utilisation d'éléments consommables dans une œuvre, comme la vapeur ou la flamme nue, est un héritage de cette époque. Bien que mon travail ne soit pas basé sur le temps, je considère le potentiel de performance et la temporalité d'une exposition, peut-être avec un certain mépris pour la postérité.

Maintenant, j'ai un studio dans le terminal de l'armée de Brooklyn. C'est le premier espace dans lequel j'ai atterri après avoir déménagé à New York il y a un an. Je suis encore en train de comprendre comment y travailler et de m'acclimater à la ville. Actuellement, je partage mon travail entre le studio et un espace de fabrication dans le bâtiment, où je fais tout le travail de fabrication. Le fait de devoir travailler en fonction des heures d'ouverture de l'atelier signifie que je dois être plus organisée avec mon temps que d'habitude. J'aimerais éventuellement construire un studio qui regroupe tout au même endroit, mais cela n'a rien de périlleux. Je dois me rappeler qu'il y a six ans, je n'avais qu'un bureau dans mon appartement et je faisais de l'art à partir de canettes de soda.

Je fais actuellement une série de mobiles, quelque chose que j'évitais mais dont je me suis rendu compte, ils frappent en quelque sorte toujours et j'aime les astuces bon marché. J'utilise de vieilles balances de mesure comme dispositifs de suspension, ce qui ajoute un paramètre de poids intéressant avec le contrepoids. La moindre touche pourrait faire piquer du nez à l'ensemble dans une direction. La précision rend l'ensemble fragile.

La première œuvre de la série est une selle en acier suspendue à une balance à produits. Je façonne et soude des morceaux de tôle d'acier et de tuyau qui seront galvanisés de la même manière que le panier qu'ils remplacent. Les autres balances que j'utilise sont des balanciers avec les classiques crochets à viande en fonte et les incréments estampillés. Je m'intéresse à la transparence du poids sur laquelle ces objets insistent, et aux restrictions de leur fonctionnalité. J'admets que j'exploite une ignorance volontaire de l'Americana.

Je travaille actuellement sur une exposition solo qui sera inaugurée cet automne chez Adams & Ollman à Portland, OR. Juste avant, en juillet, je participerai à la résidence de studio à Pioneer Works à Brooklyn, où j'aimerais essayer de travailler sur la vidéo. En réalisant et en présentant des œuvres, je négocie toujours la relation entre moi-même, l'œuvre d'art et le spectateur. Je suis curieuse de la possibilité de fabriquer de la distance, en particulier en ce qui concerne la visibilité et la censure.

Ces derniers temps, j'hésite à croire en l'art. C'est difficile - ça peut être beaucoup de travail pour un faible rendement. Je ne vis pas de la vente, donc sur le papier, j'ai un passe-temps très coûteux. En même temps, une grande partie de cette difficulté vient de mon insistance à faire du travail d'une manière qui est lente et épuisante, mais intéressante et gratifiante pour moi. Je pense que ce qui me permet de continuer, c'est le fait que je sois même capable de faire ça. C'est un état d'esprit à coût perdu, mais il m'a fallu beaucoup de temps sans faire d'art pour saisir un modèle qui fonctionne, un modèle dans lequel je suis capable de maintenir une pratique qui est revigorée et affirmée par l'enseignement.

J'aime le dysfonctionnement de tout cela. Le monde est tellement brisé. Si je peux vivre d'une manière qui est en quelque sorte contraire, alors je choisirai cela.

Interview et rédaction par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail de Peggy Chiang, consulte le site peggychiang.info.