Dans le studio : Nicholas Galanin

Nicholas Galanin est un artiste basé à Sitka, en Alaska, et un boursier Joan Mitchell de 2023. Nous l'avons interviewé sur son travail et sa pratique créative en février 2024. Ce qui suit est une transcription éditée de cette conversation.

Mon travail est profondément lié à ma culture, à la terre, à l'histoire, au moment présent et aux possibilités futures-envisageant de nouveaux avenirs. Je me considère comme un artiste multidisciplinaire. Je travaille sur tous les supports et je commence généralement par des concepts.

Je suis Tlingit et Unangax̂, et je viens d'une histoire d'artistes qui sont des sculpteurs de totems dans notre communauté, et des bijoutiers. J'ai été formée à ma forme d'art culturel, qui est un langage visuel très spécifique présent ici depuis des temps immémoriaux. Grâce à ce travail, j'ai commencé à comprendre mes ancêtres, mon lien avec le lieu et les connaissances qu'il renferme. Cet apprentissage se poursuit. C'est le travail de toute une vie pour moi.

J'ai remarqué, à travers l'engagement du monde actuel, à quel point cette culture et cette histoire sont romancées, et les contraintes qui leur sont imposées par des perspectives et des institutions extérieures. J'ai donc vu la nécessité de m'aventurer et de créer des œuvres qui représentent l'expérience actuelle, en l'intégrant dans les conversations mondiales.

Certains de mes projets sont de petite envergure et se portent sur le corps. D'autres sont de grande envergure et prennent du temps. D'autres sont spécifiques à un site, où je travaille avec l'histoire d'un lieu et la communauté locale de cet espace. En tant qu'artistes, nous devons toujours composer avec certaines contraintes, qu'il s'agisse du budget, du temps, de l'emplacement, des ressources, etc. Je navigue toujours entre ces réalités. J'aime rester ouverte et envisager toutes les possibilités en cours de route.

J'ai récemment réalisé un projet pour le Davidson College en Caroline du Nord. C'était pendant le COVID, donc un projet extérieur d'un an qui est devenu collaboratif avec la communauté d'une certaine façon, à travers le processus. C'était dans la même veine que le travail que j'ai fait en 2020 pour la Biennale de Sydney, Shadow on the Land, qui était une excavation et un enterrement dans la brousse - une excavation de l'ombre du monument et du mémorial du Capitaine Cook, sous une forme anthropologique.

Pour le projet à Davidson, j'ai creusé l'ombre d'Andrew Jackson, qui est une figure très problématique de l'histoire américaine, liée à des actions coloniales oppressives envers les peuples indigènes et les Noirs américains réduits en esclavage. J'ai brisé le sol en forme de monument à Andrew Jackson, puis j'ai cultivé et fait pousser du maïs Catawba dans ce sol. Les Catawba sont une communauté indigène locale de Caroline du Nord, et le maïs est un aliment médicinal qui avait une grande importance pour l'existence et la survie de la communauté. On pensait que cette graine avait disparu, mais il y a quelques années, quelqu'un a retrouvé la souche de ce maïs. Depuis, la communauté essaie de créer une banque de semences.

Nous avons planté le maïs au cours de la saison, et il a poussé en tiges. Le titre de l'œuvre était Unshadowed Land, avec l'idée que le maïs serait capable de survivre et de pousser à l'ombre de la violence et de l'histoire coloniales. Le fait qu'une communauté indigène puisse ou non prospérer en toute sécurité est, d'une certaine manière, le reflet de notre époque. Nous avons ensuite travaillé avec le département agricole du collège pour récolter un plus grand champ de maïs catawba. À la fin du projet, tout le maïs a été récolté par la communauté Catawba et a été partagé lors d'un festin. Certaines personnes n'avaient jamais goûté ce maïs auparavant.

J'ai récemment exposé à SITE Santa Fe, qui a fermé ses portes en février. Elle comprenait plusieurs projets - des sculptures, des installations et des vidéos. L'exposition comprenait également une nouvelle commande, Neon American Anthem, qui est une œuvre au néon en trois parties.

J'ai d'abord créé une version blanche de Neon American Anthem (White) pour le Seattle Art Museum. C'était une réponse aux galeries de la collection d'art américain contemporain du musée, qui n'avaient pas vraiment de voix indigène - ce qui n'est pas inhabituel dans beaucoup de ces espaces institutionnels. À côté, dans la même galerie, se trouvait la galerie d'art amérindien, qui présentait un grand nombre de nos objets culturels anthropologiques qui ont été volés ou enlevés à nos communautés et qui n'ont pas vraiment leur place dans cette institution.

Ma proposition de projet initiale pour le Seattle Art Museum était de retirer tous les objets amérindiens de l'exposition. En fin de compte, il s'agit d'une conversation sur la souveraineté de ceux qui ont le droit de voir nos objets, et sur la façon dont ils sont partagés et entretenus, avec pour objectif final de les rendre à leur communauté. Le Seattle Art Museum a rejeté cette proposition pour plusieurs raisons, notamment parce qu'il a déclaré que les objets étaient trop fragiles pour être déplacés, ce qui n'est pas le cas (certains des objets ont été retirés quelques mois plus tard en raison d'une nouvelle réglementation fédérale).

Ma proposition suivante était une œuvre en néon, qui est un engagement avec l'ensemble de l'espace institutionnel. Cette œuvre est une réponse à la violence en Amérique de différentes manières - une réponse au patriotisme et au nationalisme, sous la forme d'un hymne. L'œuvre fait appel à la participation du public. Au sol, plusieurs tapis d'accueil sont disposés, offrant un endroit où s'agenouiller, en catharsis. Sur le mur, le texte en néon blanc indique : "J'ai composé un nouvel hymne national américain : Mets un genou à terre et crie jusqu'à ce que tu ne puisses plus respirer." Il fait référence à Kaepernick, par exemple - s'agenouiller pour protester - mais aussi à George Floyd et à la période qui a suivi sa mort. Les tapis d'accueil offrent un endroit quelque peu inconfortable pour s'agenouiller, mais pourraient aussi être une référence à l'existence des banlieues dans ces espaces.

Au Seattle Art Museum, de nombreuses personnes d'horizons différents ont participé. Peu importe que tes convictions politiques soient ceci ou cela - tout le monde a une certaine catharsis à libérer, je suppose. C'était un défi pour l'institution et le musée parce qu'ils ne savaient pas quoi faire de l'œuvre activée, qui a fini par remplir la salle avec des gens qui chantaient l'hymne (en criant).

Au début, le Seattle Art Museum a essayé d'étrangler l'œuvre. Ils ont essayé de modifier ma déclaration d'artiste et de travailler avec moi pour me dire : "Pouvons-nous faire ceci ou cela ?" Puis ils ont commencé à essayer de trouver d'autres moyens de la contenir. Je recevais des courriels de spectateurs qui me disaient : "L'agent de sécurité m'a dit un seul cri par client." C'était clairement un défi pour eux à l'époque.

J'ai créé une autre version de Neon American Anthem (Red), qui a été installée au SITE Santa Fe. Le texte de cette version était rouge, et toute la pièce était animée et lumineuse. Les tapis d'accueil étaient également rouges. Cette itération a été entièrement adoptée par l'institution. De nombreuses personnes y ont participé et y ont réagi. Et maintenant, pour la troisième partie du projet, une version bleue est en cours de fabrication et sera installée au Liberty Museum de Philadelphie cette année. Donc, rouge, blanc et bleu. Je ne sais pas comment ils vont réagir, nous verrons bien. Ils doivent se préparer et avertir les spectateurs : "Ceci est une installation qui est activée par vous."

Comme pour ce projet, mon travail comporte souvent des couches, de sorte que les gens peuvent y entrer à partir de plusieurs espaces et perspectives différents, et en recevoir quelque chose, je l'espère. L'œuvre crée un espace de dialogue et de compréhension, mais elle n'est jamais destinée à être reçue d'une seule manière.

L'année a déjà été bien remplie, et j'ai beaucoup de nouveaux projets et de voyages à l'horizon. Je travaille actuellement sur une œuvre sculpturale extérieure en Nouvelle-Zélande. J'ai quelques conférences à venir et je travaille sur quelques propositions d'art public que j'ai été invitée à soumettre : Biennale d'art public d'Abu Dhabi, Triennale d'art public de Boston, Musée de Montclair, et quelques autres.

J'ai une exposition solo au Musée d'art de Baltimore qui ouvre en juillet, alors je travaille en ce moment même pour cette exposition. Et il y a un autre projet sur lequel je travaille à Santa Fe. Autour de cela, nous faisons une collaboration et un projet Land Back à long terme avec SITE Santa Fe et Lucy Lippard, qui est basée là-bas.

J'ai également ma première exposition solo dans un musée européen qui aura lieu en 2025 à Munich, en Allemagne. Il s'agira de nouvelles œuvres. Et je travaille sur un nouveau disque qui est en cours depuis février. C'est un travail très amusant, qui se fait lentement. J'y travaille quand je peux.

Je travaille également sur un projet de collaboration pluriannuel avec un chorégraphe que nous venons de lancer, et c'est un projet long et lent. Je n'ai jamais travaillé avec un chorégraphe auparavant, alors je suis enthousiaste. Nous sommes en train d'essayer de comprendre. On s'est rencontrés plusieurs fois, pour être un peu plus concrets sur la façon dont nos pratiques se croisent. Nous parlons des possibilités de financement. Je vais commencer à faire des visites de studio avec les danseurs de cette compagnie de danse, et nous continuerons à partir de là.

Interview et montage par Jenny Gill. En savoir plus sur le travail de Nicholas Galanin sur galan.in et sur Instagram.