Dans le studio : Leslie Smith III

Leslie Smith III est une artiste basée à Madison, dans le Wisconsin, et une boursière de 2022 Joan Mitchell. Nous l'avons interviewé sur son travail et sa pratique créative en avril 2023. Ce qui suit est une transcription éditée de cette conversation.

Je considère mes œuvres comme des peintures, même si mes processus de ces derniers temps reflètent un peu la sculpture, et l'art de la fibre. En fin de compte, j'essaie toujours de comprendre et d'apprécier le fonctionnement des peintures.

Au sens le plus pur, je suis un peintre à l'huile. J'aime vraiment la peinture à l'huile, les pigments, les médiums et leurs principes de fonctionnement. Je suis fasciné par les processus historiques et leur potentiel en tant que solutions pour les recherches contemporaines. Je pense que ces traditions picturales historiques font preuve de magie optique. J'aime souvent découpler un procédé historique de peinture à l'huile de son but représentatif, puis l'utiliser pour obtenir quelque chose de plus perceptuel et abstrait.

Je pense souvent que mon travail s'inscrit dans une démarche visant à élargir les notions d'expression noire. J'aimerais croire que la plupart des gens reconnaissent qu'aucune identité ou culture individuelle n'a de modalité d'expression ou d'esthétique singulière. Je considère mes abstractions comme des célébrations de la noirceur, reconnaissant les complexités de l'identité noire par rapport à ma propre expérience.

Mes peintures sont des artefacts résiduels de moi en tant que personne qui est une collection d'expériences uniques. Récemment, je me suis intéressée à la façon dont nous nous engageons les uns avec les autres dans des espaces partagés, en raison de notre individualité. La transparence, la compassion et le ressentiment, entre autres aspects des constructions sociales, sont quelques-uns des thèmes récurrents de mes peintures. Les abstractions qui en résultent sont au service de mon objectif d'opposition aux récits culturels dominants.

Ma relation au processus est imprégnée de la résolution de problèmes. Je m'inspire de l'histoire de la peinture et m'approprie des gestes picturaux familiers pour les manipuler, les transformer en exagérations plus importantes ou en passages qui imitent parfois des relations spatiales impressionnistes. J'aime travailler avec des pièces finies pour créer des formes abstraites. Une bonne partie du temps est consacrée à travailler sur la fabrication de matériaux qui seront déconstruits et intégrés dans une matrice composée de matériaux et de formes juxtaposés.

Les formes irrégulières de mes peintures me permettent de travailler contre les conventions de mon approche de la composition. Chaque élément modulaire existe au même niveau. Comme dans une mosaïque, rien ne se superpose. Ce n'est pas exactement un collage, bien qu'il ait une énergie similaire à celle d'un collage. Ce à quoi j'espère que l'on assiste est une sorte d'harmonie forcée. Je pense que mes formes inhibent les notions prédéterminées des spectateurs. J'espère que ces œuvres mènent à un moment où tu dois t'engager dans l'objet selon ses propres termes, sans attentes.

Je pense que cette approche est liée à mon utilisation de la géométrie et de la composition. J'essaie de m'éloigner davantage de la perspective occidentale. Je suis en train d'explorer les relations entre les traditions de la perspective et la colonisation. Il y a quelque chose d'intéressant dans la façon dont nous voyons et dont nous choisissons d'esthétiser le monde qui nous entoure.

En plus de mes peintures à l'huile, je fais aussi des dessins. Mes peintures ont toujours été très distinctes de mes travaux sur papier, en ce sens que je ne fais généralement pas de dessins qui deviennent des schémas pour une peinture ou une étude pour une peinture. Ce sont des dessins à part entière. Je dis toujours que mes dessins traitent de ce que je traite en ce moment, alors que mes peintures traitent des idées que je traitais par le dessin il y a trois ans. Il y a un décalage et je m'y suis habitué.

Cette relation entre le dessin et la peinture s'est quelque peu déplacée pour moi au cours des dernières années. Dans l'espace de l'enfermement de Covid, je travaillais à la maison et je ne pouvais pas me rendre régulièrement dans mon atelier de peinture. J'avais tellement envie de faire des peintures. Au lieu de cela, je faisais beaucoup de dessins. J'ai commencé à traiter les questions que je voulais aborder dans les peintures. C'était nouveau pour moi de faire cela avec du graphite sur du papier.

Au cours du printemps 2020, j'ai créé une série d'œuvres sur papier qui exposaient mes prochaines étapes pour certaines peintures.

L'une des peintures issues de ce processus s'intitule Spring Kept Its Promise Once Again (Le printemps a tenu ses promesses une fois de plus). C'est l'une des premières œuvres dans lesquelles j'ai pu me plonger après le blocage initial de la pandémie, et elle a fait l'objet de ma deuxième exposition personnelle à Paris l'année dernière. C'était libérateur d'avoir pris tant de décisions à l'avance que j'ai pu me concentrer davantage sur la façon dont les différentes parties de cette peinture atteignaient leur potentiel maximum.

Pour moi, il est super important que chaque section d'un tableau soit très achevée et finie de manière individuelle. Si tu te perds dans ce passage de peinture ou ce passage de tissu cousu, il faut que ce soit épanouissant en soi. Parfois, ils deviennent des portails, comme les fenêtres traditionnelles de la peinture, des choses dans lesquelles tu regardes. Et lorsque tu prends du recul, tu es obligé d'essayer de comprendre comment tous ces éléments individuels s'assemblent et créent cette expérience plus macro.

J'ai récemment commencé à intégrer le feutre dans l'espace du tableau. C'est comme si j'essayais de développer des solutions esthétiques et structurelles qui rassemblent tout le monde de manière à offrir des expériences visuelles uniques d'un tableau à l'autre.

Par conséquent, le feutre s'est aventuré dans mes travaux sur papier. J'essaie de créer un espace commun pour le feutre industriel. Pour l'instant, je me concentre sur la façon dont les fibres de feutre s'imbriquent et sur la relation entre elles et la façon dont j'applique généralement le graphite sur une surface de dessin. J'essaie de brouiller les lignes entre les deux, si possible.

Je travaille sur de nombreux projets en même temps dans l'atelier parce que je travaille à l'huile et que les processus prennent du temps. J'ai des tables sur lesquelles sont posées des choses qui sont vernies, des surfaces qui sèchent, je suis juste en train de constituer un inventaire de couleurs à partir duquel je peux découper. Il y a des choses que je suis en train de coudre et d'étirer en ce moment même et qui sont en train d'être assemblées. C'est un peu partout.

En ce moment, je travaille sur des peintures à grande échelle pour ma première exposition solo à New York. Elle s'intitule Reaching For Something High et ouvrira ses portes en septembre à la Chart Gallery. Je suis très enthousiaste à l'idée de cette exposition.

Je travaille également sur une œuvre adaptée au site pour L'Art dans les Chapelles, qui organise un événement annuel d'œuvres d'art adaptées aux chapelles des petites communautés de Bretagne, en France, non loin de Pontivy. Ils ont invité 15 artistes à participer. Ils nous ont donné un an pour créer une œuvre pour une chapelle du 14ème ou 15ème siècle. Elles sont magnifiques, et toutes à des niveaux de conservation différents. La chapelle pour laquelle je travaille est la Chapelle Saint-Tugdual, à Quistinic. C'est un espace unique. Il n'y a pas d'électricité, il n'y a que des fenêtres et la chapelle est nichée dans cet espace vert luxuriant plein d'arbres.

Mon installation s'intitule Le passage. Quatorze peintures habitent l'espace comme des stations individuelles qui présentent une transition du cobalt au cramoisi. Chaque tableau est en fait deux tableaux, l'un encastré dans l'autre. Ils mesurent environ 20 x 26 pouces. Il s'agit d'un jeu de mots sur les stations de la croix, en ce sens qu'elles prennent la forme de 14 toiles de forme identique, avec des applications de peinture similaires. Elles intègrent toutes ce vert profond et luxuriant que j'explore depuis peu. C'est un projet beaucoup plus axé sur le processus que ce à quoi je suis habitué. Il diffère en ce sens que j'ai mis une grande partie de l'énergie créative dans la fabrication des matériaux. Ensuite, je fais des sélections à partir de sections de toile peinte et je découpe ces matériaux pour créer les peintures.

Cette approche a ralenti le processus de peinture, le rendant moins immédiat. En ce moment, davantage d'aspects du processus sont plus réfléchis, mais pas dans le sens où je suis assis sur une chaise en pensant à ce que sera le prochain coup de pinceau. Je travaille plus comme un tapissier, où la toile peinte est traitée comme une peau et je vais en faire mes sélections. Le projet sera ouvert au public le 7 juillet.

Interview et rédaction par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail de Leslie Smith III , clique ici.