Dans le studio : LaToya M. Hobbs

LaToya M. Hobbs est une artiste, une épouse et une mère basée à Baltimore. Au printemps/été 2023, Hobbs a participé à une résidence virtuelle avec le Joan Mitchell Center, offerte aux artistes en différé pour tenir compte des circonstances uniques créées par la pandémie de COVID-19. Nous l'avons interviewée sur son travail et sa pratique créative en juillet 2023. Ce qui suit est une transcription éditée de cette conversation.

Je suis peintre et graveur. La plupart de mes œuvres actuelles impliquent une synthèse ou un mariage d'éléments provenant des deux aspects de ces genres. Je m'intéresse aussi beaucoup à l'idée de la "matrice en tant qu'objet d'art", ce qui signifie que j'active des panneaux de bois en les sculptant de la même façon que je préparerais un bloc de bois pour une édition d'œuvres sur papier ; mais au lieu de cela, je présente les panneaux de bois eux-mêmes comme des œuvres finies, en incorporant souvent d'autres techniques telles que le dessin, le collage et la peinture.

Mon travail est imprégné d'une imagerie figurative qui exprime les thèmes de la maternité, de la sororité, de la spiritualité et de l'identité culturelle. Je suis enthousiaste à l'idée de produire des portraits narratifs qui donnent aux spectateurs un aperçu de ma vie et de celle des membres de ma communauté au sens large.

L'évolution de ma pratique actuelle est enracinée dans mes fondements en tant que graveur. Dans le cadre de la gravure, je suis surtout attirée par la gravure sur bois, qui consiste à découper une surface ou une matrice pour créer une image. Je mets cet élément au premier plan de ma pratique, mais j'y réfléchis à travers la lentille de mon expérience de peintre.

Lorsque j'entame un projet, je commence par l'imagerie. Je fais principalement du portrait et la plupart de mes modèles sont des amis et des membres de ma famille. Je travaille souvent à partir de photographies résultant de séances de photos réalisées par moi-même ou grâce aux conseils de mon mari, Ariston Jacks. Après avoir sélectionné une image, je prends des décisions concernant la composition, la palette de couleurs, les matériaux et les motifs qui seront incorporés.

Selon la taille de l'œuvre, je fais un petit croquis à l'échelle ; d'autres fois, je passe directement au panneau de bois. La plupart du temps, je prépare mes panneaux de bois en les peignant avec une peinture acrylique noire plate. Ensuite, j'élabore un croquis détaillé au crayon blanc pour présenter ma composition. Si des éléments de collage ou des arrière-plans à motifs doivent figurer dans l'œuvre, je les place ensuite et je développe les zones qui seront sculptées en dernier. Une fois que tous les éléments principaux de l'œuvre ont été établis, j'évalue ce qu'il faut faire pour achever l'œuvre.

J'aime beaucoup travailler à grande échelle et me donner, ainsi qu'aux spectateurs, la possibilité d'être engloutis par l'imagerie lorsqu'ils interagissent avec mon travail. J'ai toujours travaillé à grande échelle, mais je dirais que l'échelle a augmenté de façon spectaculaire en 2020 avec la production de mon œuvre Carving Out Time.

Carving Out Time est une œuvre composée de cinq scènes qui sert de représentation visuelle d'une journée dans ma vie de mère et d'artiste. Les cinq sections de l'œuvre sont intitulées Morning, Homeschool and Housework, Dinner Time, Bedtime for the Boys, et The Studio. Chaque scène progressive permet aux spectateurs de vivre des moments de ma vie qui, je l'espère, sont des reflets de leur propre vie.

L'échelle de l'œuvre y contribue car les espaces sont de taille réelle et les spectateurs peuvent être entièrement absorbés par l'œuvre. Cette sculpture en relief monumentale mesure 2,5 mètres dans sa totalité et illustre vraiment l'idée de présenter la "matrice en tant qu'objet d'art" parce que l'œuvre existe sous deux formes : les panneaux de bois, qui ont fait leurs débuts au Musée d'art de Baltimore en 2021 et font maintenant partie de sa collection d'art contemporain, et une petite édition de gravures sur papier qui ont été imprimées à partir des blocs.

J'ai également profité de ce travail pour mettre en avant certains des artistes qui ont eu un impact sur ma pratique en recréant leurs œuvres qui ornent les murs de mon ou mes espaces familiaux. Tout au long de ces scènes ou espaces domestiques, des références sont faites aux œuvres d'Elizabeth Catlett, d'Alma Thomas, de Valerie Maynard et de Kerry James Marshall.

J'ai récemment présenté une exposition au Virginia Museum of Contemporary Art, intitulée Flourish, qui a fermé ses portes le 11 juin. Il s'agissait d'une combinaison d'œuvres nouvelles et existantes de techniques mixtes et d'œuvres sculptées sur des panneaux de bois. Le titre, "Flourish", qui signifie grandir ou se développer de façon saine ou vigoureuse, reflète la croissance que j'ai connue dans ma pratique ces dernières années et les aspirations que j'ai pour ma famille, mes amis et ma communauté au sens large. Pour symboliser cette idée d'épanouissement, de nombreuses œuvres de l'exposition comportaient des fleurs et du feuillage, un nouvel élément que j'ai commencé à ajouter à mon travail.

Deux de mes œuvres préférées de l'exposition achevée plus tôt cette année sont Erin and Anyah with Hydrangeas, un portrait de ma belle-fille Erin et de ma nièce Anyah avec des hortensias en arrière-plan ; et Flourish, un portrait de Mahari Chabweara, le fondateur de Studio House à Baltimore, au Maryland.

Dans cette œuvre, Mahari est assise sur une chaise dans le coin de l'espace de vie principal de Studio House. La lumière frappe son visage alors qu'elle regarde par une fenêtre qui élargit la profondeur de l'œuvre en montrant un bloc de maisons en rangée de Baltimore au loin. À l'intérieur, des plantes de différents types entourent l'espace, créant un environnement luxuriant et accueillant. L'année dernière, j'ai été invitée au Studio House et cette expérience accueillante a inspiré cette œuvre.

Jusqu'à présent, cet été a été une combinaison de travail et de repos bien nécessaire. En juin, j'ai pu passer un peu de temps au Women's Studio Workshop où j'ai eu un accès complet à l'atelier de gravure. J'y ai réalisé de nouvelles éditions passionnantes de gravures sur bois et d'œuvres sur papier en vue de la foire de l'impression de l'IFPDA en octobre. Maintenant, je suis de retour dans mon studio de Baltimore pour préparer quelques nouvelles œuvres en vue de ma prochaine exposition solo au Frist Art Museum de Nashville, TN, qui ouvrira ses portes en janvier 2024. Mon calendrier d'exposition du printemps 2024 se dessine bien et il y aura des occasions de voir les ensembles complets à la fois des panneaux et des gravures de Carving Out Time.

Interview et rédaction par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur letravailde LaToya M. Hobbs, clique ici.