Dans le studio : Henry Payer, Jr.

Henry Payer, Jr. est un artiste de Ho Chunk qui travaille principalement avec le collage et les médias mixtes. Payer, qui est actuellement basé à Sioux City, dans l'État de New York, est un boursier Joan Mitchell de 2022. Nous l'avons interviewé sur son travail en mars 2023. Ce qui suit est une transcription éditée de cette conversation.

Mon travail a généralement à voir avec la culture dont je suis issu, et mon passé de Ho Chunk, le peuple indigène du Wisconsin. Mon peuple a été déplacé plusieurs fois dans les années 1800 à travers le Midwest avant de se retrouver au Nebraska. J'appartiens donc à la tribu Ho Chunk du Nebraska, reconnue par le gouvernement fédéral comme la tribu Winnebago du Nebraska. Une grande partie de mon travail découle de cette histoire et de cette région, tout en essayant de rétablir le continuum visuel de notre culture.

J'ai d'abord suivi une formation de peintre à l'acrylique. Après mes études supérieures, j'ai travaillé principalement avec des techniques mixtes - beaucoup de collages, en utilisant des objets trouvés, du matériel spécifique à un site, des documents historiques, des cartes postales, et tout ce que je pouvais trouver qui pouvait faire une marque ou que je pouvais manipuler en termes de couleur ou d'activation de l'histoire d'une pièce.

En 2018, j'étais une artiste en résidence Elizabeth Rubendall au Great Plains Art Museum à Lincoln, au Nebraska, et je pense que c'est le moment de ma pratique artistique où j'ai reconnu que certaines idées nécessitaient des techniques différentes et de savoir quand les utiliser. J'utilisais des techniques mixtes, des transferts d'images, des objets trouvés, et j'essayais aussi de faire des choses plus nouvelles, en travaillant avec différents médiums. Cela m'a amenée à me remettre à travailler avec du papier ledger, qui a sa propre pertinence dans l'histoire de l'art amérindien, car il représente l'une des fois où nous nous sommes approprié des matériaux qui n'étaient pas les nôtres.

L'art du grand livre a été créé par des prisonniers de guerre. Dans les années 1870, diverses tribus ont été embarquées par train dans le sud et envoyées à Fort Marion en Floride. Pendant leur détention, les gardes et les gens des environs leur ont donné des livres de comptes et des livres de comptabilité. À partir de là, ils ont réfléchi à leur art pictographique traditionnel, qui était réalisé sur des peaux d'animaux, des pierres et des écorces de bouleau. Il s'agit donc d'une sorte de transculturation de ces nouveaux matériaux - livres de comptes, papier de comptes et crayons de couleur - et ils ont enregistré leurs vies antérieures, leurs scènes de cour, leurs cérémonies et leurs honneurs de guerre. L'histoire raconte qu'ils étaient autorisés à vendre ces dessins aux touristes qui venaient voir les prisonniers de guerre en Floride.

À partir de ce moment, lorsqu'ils ont pris les livres de comptes et les ont accrochés au mur, c'est ainsi que j'interprète le début de l'art contemporain autochtone, en termes d'accès aux matériaux et aux choses qui nous ont été donnés au-delà de notre mode de vie traditionnel et de notre histoire culturelle ou visuelle. Dans les années 1860, le dessin sur grand livre était également pratiqué par différentes tribus des Grandes Plaines, car les livres de comptes étaient prélevés sur les soldats morts ou étaient commandés par des soldats de l'armée et des éclaireurs indiens, mais ce récit est utilisé comme un exemple spécifique dans l'histoire de l'art autochtone.

L'art du grand livre continue d'être une pratique très vivante aujourd'hui. Je l'utilise pour sa pertinence historique, et j'essaie de différencier la façon dont j'utilise le papier ledger des artistes qui utilisent encore ce style traditionnel. Pour mon travail, je m'inspire de toute mon histoire de l'art et de mon milieu social. J'essaie d'utiliser le papier de grand livre de la même manière que les dadaïstes et les futuristes utilisaient leur papier, comme le collage et l'exploration de la façon dont vous pouvez manipuler l'espace et la profondeur. Et j'accorde de l'importance à l'art par rapport au papier auquel nous accordons de la valeur, ainsi qu'à l'œuvre d'art qui se trouve au-dessus, dans le but de faire avancer mon art. Le simple fait d'accéder à ce papier me permet d'aborder toutes sortes de questions - si les gens connaissent les mouvements de l'histoire de l'art, l'art autochtone contemporain et l'art autochtone traditionnel.

Ces dernières années, depuis 2019, a été en quelque sorte une période d'incubation de recherche et de voir différentes choses dans les galeries. Et donc maintenant, j'en suis à un point où je réfléchis à la façon dont j'utilise toutes ces différentes choses, et j'essaie de retravailler la peinture acrylique dans ma pratique. En ce moment, je fais des peintures à bords durs qui ressemblent à des collages parce que les bords durs sont similaires au résultat final d'un découpage et d'un placement sur quelque chose. Je combine ce style de peinture avec des éléments collés. Et je reviens à l'identité du peuple Ho Chunk, à la nécessité de s'identifier comme Winnebago et à tout ce que le simple fait de dire " Winnebago " évoque.

Le mot Winnebago est un xénonyme d'un mot algonquin, "winnepiko", qui se traduit par "peuple de l'eau nauséabonde" En été, à cause de la chaleur et de l'humidité, les lacs de la région peuvent devenir riches en algues et dégager une odeur particulière. Lors du contact avec les Français à Green Bay en 1634, nos voisins menominee parlant algonquin ont donné cette information aux Jésuites, en leur indiquant notre lieu de vie tout au long du lac Winnebago. Les Français ont ensuite corrompu ce mot, le traduisant par "les gens qui sentent mauvais" et lui donnant des connotations négatives, ou nous décrivant en français comme des "puants"

En tant que peuple, nous nous appelons Ho Chunk, ce qui signifie le peuple de la voix originale. En raison de nos relations avec différents drapeaux - britannique, français et américain - nous avons négocié des traités qui affirment notre identité en tant que telle, et nos relations sous ces drapeaux sont donc définies par ces noms et ces identités. C'est une autre raison pour laquelle s'identifier comme Ho Chunk est si important pour raconter notre histoire.

J'essaie de réunir toutes ces choses dans mon travail. Certaines de mes œuvres sont des autoportraits. D'autres sont représentatives du récit pictural de notre relocalisation en Iowa, au Nebraska, au Minnesota, au Dakota du Sud - tous ces endroits différents où nous avons été relocalisés. Le pouvoir du lieu est toujours une chose qui m'intéresse, ainsi que la brève période que nous avons passée là-bas et ce qu'il nous en reste dans notre histoire orale.

J'utilise beaucoup le camping-car Winnebago Chieftain dans mes dessins, mes collages et mes photographies. Une peinture collage de 2022 est basée sur une stéréographie de deux femmes Ho Chunk sur leurs chevaux devant une structure d'habitation traditionnelle : la maison longue. J'ai réimaginé la maison longue comme l'inspiration directe dont s'inspire le camping-car Winnebago. Lorsque les Ho Chunk ont été enlevés, ils ont fait des allers-retours entre le Wisconsin et le Nebraska et étaient connus à l'époque sous le nom de "Winnebago errants"

Il y a une série que je fais où j'apporte un petit jouet Winnebago avec moi, je le place à différents endroits et je le filme avec mon appareil photo à partir du sol. Il s'agit d'autoportraits réalisés à différents endroits, selon que nous avons été relogés ou que je suis simplement en visite dans un endroit comme Toronto ou le Québec. Il s'agit en quelque sorte d'un selfie.

J'utilise aussi le papier de grand livre et le Winnebago dans des collages. Dans beaucoup de ces œuvres, le Winnebago est représenté sur le côté, et cela représente en quelque sorte le fait de se déplacer vers l'est ou vers l'ouest. Je travaille aussi actuellement sur des collages Winnebago vus de face, et j'ai l'impression qu'il s'agit davantage d'autoportraits de mes voyages et qu'ils intègrent ma propre histoire.

J'essaie toujours de m'éloigner de l'idée de ce parapluie qu'est l'"art autochtone", parce que nous avons tous une esthétique distincte. Et j'essaie d'ancrer mon travail dans le développement d'œuvres d'art basées sur l'esthétique Ho Chunk, plutôt que de m'en détourner. Je fais donc beaucoup de recherches sur cette culture visuelle, et c'est dans les boîtes et les réserves des musées qu'on la trouve. Je dois aller dans les archives qui contiennent nos articles et objets culturels. Ce sont aussi des artistes Ho Chunk sans nom qui ont créé leurs œuvres d'art en utilisant des matériaux bruts ou des peaux de cerf transformées pour fabriquer des mocassins. Il y a donc ces différentes choses dans lesquelles j'essaie de rester enracinée.

Visuellement, j'essaie de les représenter le plus fidèlement possible. Je comprends que la survie de cette culture est plus importante que la contribution au "monde de l'art", quel qu'il soit. J'essaie toujours de m'ancrer dans les valeurs qui définissent l'art Ho Chunk, et il y a un aspect contemporain parce que je suis un homme indigène moderne, vivant et respirant.

Il y a un aspect performatif dans la façon dont les gens regardent l'art. Je me rends compte que de nos jours, les gens veulent la transfusion instantanée d'une image, plutôt que de passer du temps avec l'œuvre d'art. J'essaie de truffer mon travail de références historiques pour que les gens puissent passer du temps à remettre en question nos propres motivations et présomptions, parce qu'on nous apprend beaucoup de choses. Alors quand je vois les gens revenir à l'œuvre d'art, c'est ce que j'espère, qu'elle ait un effet sous-jacent sur eux. Ils pourraient vouloir en savoir plus sur ce qui les a interpellés.

En fin de compte, j'essaie d'amener les gens à s'interroger et à en apprendre davantage non seulement sur leur perspective culturelle, mais aussi sur l'histoire. Je ne parle pas seulement de mon histoire. C'est l'histoire des États-Unis. C'est l'histoire régionale. C'est l'histoire de l'État. C'est l'histoire locale. L'histoire indigène. Je sais que cela peut être un peu intimidant, mais j'essaie toujours d'inciter les gens à poser des questions et à s'instruire.

J'ai une exposition solo qui s'ouvre à Brookings, dans le Dakota du Sud. C'est l'un des premiers solos depuis la pandémie. J'ai deux autres expositions solo à l'automne, alors j'ai réservé mon été à la création de nouvelles œuvres. Je suis reconnaissante pour cela et pour les occasions que j'ai de me produire. C'est une bonne chose que le récit de Ho Chunk soit diffusé. Je suis reconnaissante que plus de gens soient ouverts à l'idée d'en apprendre davantage non seulement sur moi en tant qu'artiste, mais aussi sur mon peuple et ma culture, qui sont les fondements de mon travail.

Interview et montage par Jenny Gill. Suis le travail d'Henry Payer Jr sur Instagram.