Dans le studio : Emilie Louise Gossiaux

Émilie Louise Gossiaux est une artiste multidisciplinaire basée à New York, et une Joan Mitchell Fellow 2024. Nous l'avons interviewée sur son travail et sa pratique créative en mars 2025. Ce qui suit est extrait et édité à partir d'une transcription de cette conversation.

Je suis principalement une sculptrice. Je fais des céramiques et des installations, et le dessin est une partie vraiment importante de ma pratique aussi. Le dessin a toujours été un point d'entrée pour moi, et un processus méditatif, où j'envisage une feuille de papier vierge que j'ai entre les mains. Je la ressens, et c'est là que les images commencent à venir. Je commence à visualiser ce que je vois dans mon esprit.

Finalement, ce croquis ou ce dessin se traduit par quelque chose de tridimensionnel - une sculpture, une installation ou un dessin plus grand. Je peux travailler sur la même image encore et encore et encore jusqu'à ce qu'elle devienne réelle.

Tout mon travail depuis cinq ans porte sur cette connexion profonde que j'ai avec London, mon chien-guide et compagnon animal, qui est un labrador anglais. J'ai eu London en 2013. Elle a pris sa retraite en tant que mon chien-guide au cours des trois dernières années. Nous sommes ensemble depuis plus d'une décennie, alors cela ressemble à la plus longue relation que j'ai eue avec un autre être.

Ce fort sentiment de connexion avec London a vraiment commencé à s'installer vers 2017 ou 2018. Cela peut prendre quelques années pour qu'un chien-guide et sa personne deviennent super liés l'un à l'autre. C'est une relation qui ne ressemble à aucune autre entre un animal et un humain, je pense. C'est plus fort qu'un animal de compagnie. Vraiment, c'est assez radical de penser à mettre autant de dépendance sur un animal, qui est aussi 100% dépendant de toi. Je décris cela comme une relation d'interdépendance, ce qui signifie que nous dépendons mutuellement les uns des autres. Prendre soin de quelqu'un à ce point et lui faire risquer sa vie pour moi, c'est tout simplement magnifique. C'est vraiment puissant.

Pendant la pandémie de COVID-19, London et moi étions tous les deux coincés à la maison et essayions en quelque sorte de comprendre les choses, puisque London ne travaillait pas vraiment pendant cette période en tant que chien-guide. Nous étions tout le temps ensemble à la maison. Je ne pouvais pas vraiment sortir seule. C'est à ce moment-là que j'ai commencé à réfléchir non seulement à ma relation avec London, mais aussi aux autres animaux et aux autres parties de la nature et de l'environnement qui sont si vitales et importantes pour nous en tant qu'êtres humains, et à la responsabilité que nous avons envers la nature et les espèces non humaines. Cette relation d'interdépendance que j'explore à travers London est vraie pour le reste du monde - l'humanité et le monde non humain également.

Je pensais aux hiérarchies qui existent entre les humains et les animaux, mais aussi entre les humains et les personnes handicapées. J'ai commencé à me demander comment je pouvais décentrer les humains Mon désir est de créer un monde anti-anthropocentrique où les humains et les animaux sont capables de coexister entre les espèces, mais aussi entre les sexes, les handicaps et les races. J'ai l'impression que beaucoup de gens considèrent cela comme acquis.

En travaillant avec London, qui a été un collaborateur de longue date et une partie importante de ma vie, je veux que mon public retienne cette plus grande importance que les animaux peuvent jouer dans nos vies, et aussi comment la nature et cette idée d'interdépendance sont si vitales pour notre existence.

En 2023, j'ai fait une exposition solo Other-Worlding au Queens Museum qui explorait ce thème. Cela a commencé par une proposition, une idée, qui trouve son origine dans mon dessin London Midsummer, que j'ai dessiné en 2022. Il y avait trois représentations de London, debout dans un champ entouré d'arbres avec un mât de mai géant que j'ai modélisé pour qu'il ressemble à ma canne blanche. Elle se tient droite sur ses pattes arrière et s'accroche à ses laisses de chien, qui sont ces rubans rouges attachés au sommet de l'arbre de mai. Elle danse et saute autour de l'arbre.

Lorsque j'ai fait ce dessin, j'ai senti que je devais explorer davantage cette idée de libération animale, de joie et d'autonomie de l'incapacité et trouver comment en faire une installation. La galerie où se tenait l'exposition au Queens Museum est un grand espace, et en travaillant à cette échelle, c'est devenu un processus de construction d'un monde, parce que j'ai l'impression que mes croquis peuvent être vraiment fantastiques et imaginatifs et très oniriques ou surréalistes. Je voulais que l'installation soit immersive et que mon public puisse entrer dans ce monde que j'ai créé où des chiens dansent debout sur leurs pattes arrière au milieu d'un champ et où il y a un mât de cocagne géant en canne blanche. Je voulais créer un espace où cela pouvait exister.

Lorsque je planifie une exposition ou une installation, je la conçois comme une expérience et je pense à la chorégraphie des sculptures, ainsi qu'à celle de mon public. Je pense à la façon dont les sculptures interagissent les unes avec les autres dans l'espace, et à la façon dont le public - leurs corps - se déplacent autour d'elles, comme dans une danse.

La collaboration avec le personnel du Queens Museum a été très utile. Ils m'ont fait une maquette de l'espace de la galerie pour que je puisse sentir l'espace avec mes mains et tout planifier, comme l'endroit où placer le piédestal circulaire et les arbres.

Pour cette installation particulière, j'ai donné à chacun des trois londoniens des gestes et des mouvements corporels différents. L'espace de la galerie ayant deux entrées, j'ai imaginé que les gens passaient par l'une d'entre elles. Lorsqu'ils entrent pour la première fois dans l'espace, la première sculpture de London qu'ils rencontrent la représente en pleine danse, la tête tournée vers l'épaule pour regarder les spectateurs. J'ai imaginé que mon public était en quelque sorte transporté et guidé à travers l'espace par cette seule London qui établit un contact visuel avec les spectateurs et les invite à entrer.

Je voulais capturer ce genre d'expérience mystifiante lorsqu'un animal établit un contact visuel avec toi, être reconnu ou remarqué par quelque chose qui n'est pas toi ou quelque chose avec lequel tu n'aurais normalement pas pu communiquer. Il se passe quelque chose de vraiment puissant dans ce type d'expérience, et je voulais donc que le public soit captivé par ce seul regard, et qu'il vienne ensuite marcher autour du piédestal circulaire et suivre les mouvements des trois chiens.

Alors qu'ils s'enfoncent dans l'espace, ils tombent sur les arbres que j'ai installés sur les murs - j'imagine donc le public continuer à remarquer de plus en plus de détails dans les textures, les couleurs et l'échelle de tout ce qu'il y a. En se déplaçant autour du piédestal circulaire, ils tombent sur mes dessins et font le lien, ils se rendent compte que ce sont les dessins qui ont tout déclenché et qui relient toutes les œuvres entre elles.

Parmi mes autres travaux récents, j'ai créé un personnage appelé Doggirl, qui est un animal hybride : moi et mon corps hybridés avec le corps d'un chien - plus précisément avec London. C'est ainsi que je me vois et que j'imagine que le monde extérieur me voit, comme une fille qui dépend d'un chien. Mais j'ai l'impression qu'entre London et moi, la façon dont nous dépendons l'une de l'autre nous rend plus fortes quand nous sommes entières ou quand nous travaillons et collaborons ensemble.

J'ai aussi un autre personnage, Alligatorgirl, qui est une identité avec laquelle j'aime jouer et qui est plus directement critique de l'Anthropocène. Ce personnage est issu de ma propre identité, du fait que je suis originaire de la Nouvelle-Orléans et du Sud, et que les alligators ont toujours fait partie de ma vie. En grandissant en face d'un canal et près du Mississippi, je voyais constamment des alligators flotter autour de moi, juste en train de traîner. Je ne les voyais pas vraiment comme une menace, même s'ils sont ou ont été un prédateur de premier ordre.

Je me vois maintenant liée aux alligators et à la menace du réchauffement climatique, un phénomène dans lequel les humains jouent un rôle énorme. Alligatorgirl est née après l'ouragan Ida, qui a détruit une grande partie de la région d'où je viens, dans le sud de la Louisiane, et qui a également touché les gens de l'endroit où je vis maintenant, à New York. Je me suis sentie très proche de chez moi, et j'ai l'impression que la menace est de plus en plus grande pour tout le long de la côte Est.

Je pense aux alligators et à la façon dont leur monde se rapproche du monde humain, parce que leurs maisons, les zones humides, sont également menacées, et que les zones humides servent de barrière naturelle contre les ouragans et les inondations. C'est vraiment déchirant pour moi de lire des cas où les zones humides, qui constituent une partie si importante de notre environnement naturel, se détériorent si rapidement à cause de l'expansion des humains dans ces zones.

J'ai donc créé Alligatorgirl en réponse directe à l'anthropocène et au patriarcat, et je la vois comme une icône féministe ou un symbole pour moi aussi, parce que j'ai lu des histoires où des hommes faisaient des choses vraiment stupides avec des alligators - nager dans l'eau avec eux, essayer de sauter par-dessus eux, s'approcher très près d'eux. Et puis ils se font manger par un alligator, et une partie de moi se dit, eh bien, tu l'as mérité. À quoi t'attendais-tu ? Et puis j'ai l'impression qu'il y a aussi une injustice dans cette histoire, où ils s'en prennent à l'alligator.

Je travaille à la maison depuis un an et demi. Je fais beaucoup de dessins et je réalise une grande partie de mes sculptures en argile ici. J'ai installé quatre tables d'atelier et j'aime aussi beaucoup travailler dans mon lit. Mon partenaire, Kirby, m'a beaucoup aidée à aménager mon espace de travail dans l'appartement que nous partageons. En tant que personne handicapée, il m'a été très utile de pouvoir travailler à l'heure qui me convient. Et c'est aussi très bien de pouvoir travailler à la maison parce que je peux m'occuper de London, qui est en quelque sorte en soins palliatifs en ce moment. Je me sens donc bien de pouvoir passer ce temps avec elle et aussi de passer beaucoup de temps dans le studio.

Sur le plan du processus, mes dessins et mes sculptures en argile vont de pair, parce que dans les deux cas, je pars de rien et je résous en quelque sorte des problèmes. Avec les dessins, j'ai mon outil, qui n'est qu'un stylo, puis j'ai mon papier devant moi, et je dois décider où je vais faire ma première marque À partir de là, les choses évoluent et ne cessent de se développer, car je cherche comment faire tenir cette image sur une feuille de papier.

Lorsque je sculpte avec de l'argile, il s'agit également d'un processus de construction : à quel moment dois-je commencer avec ce corps d'argile dans mes mains ? J'aime aussi beaucoup peindre mes sculptures en argile, car j'ai suivi une formation de peintre à l'origine, et j'ai toujours une mémoire très forte de la couleur, de la façon de mélanger les couleurs, du type de peinture qui fonctionne le mieux avec le type d'objet que je suis en train de créer. Toutes mes céramiques sont peintes soit avec de la peinture à l'huile, soit avec de la peinture acrylique. Je n'utilise jamais de glacis.

En ce moment, je prépare mon exposition personnelle à la David Peter Francis Gallery dans le Lower East Side de Manhattan, qui ouvrira le 8 mai, et j'ai donc fait beaucoup de nouveaux grands dessins et de petites sculptures en céramique. Ce sur quoi je me suis concentrée avec ce nouveau corpus d'œuvres, c'est l'idée de l'après-vie, de la mort, et à la fois la tristesse et la joie de célébrer une vie. J'ai beaucoup réfléchi à ce sujet parce que London arrive à la fin de sa vie, et je veux m'assurer qu'elle ait la meilleure vie possible et vraiment célébrer et honorer l'héritage qu'elle m'a laissé. Étant originaire de la Nouvelle-Orléans, la fin de vie a toujours été une célébration. J'ai vu beaucoup de défilés avec des fanfares et un cercueil décoré pour célébrer la vie de cette personne et le début de l'après-vie dans un nouveau monde.

L'imagerie qui me vient souvent ces derniers temps, c'est celle des lits - je pense que les lits sont des endroits très polyvalents. Pour moi, le lit est l'endroit où se déroule une grande partie du processus créatif. C'est l'endroit où je peux rêver, et une grande partie de mon travail est inspirée par les rêves et les fantasmes, et c'est aussi un endroit où London et moi nous blottissons l'un contre l'autre. C'est là que je dessine, et c'est un endroit où je me repose. C'est un endroit où je guéris pour me régénérer. Je pense au lit du malade et au lit de la mort.

Personnellement, je ne crois pas forcément en une religion, mais je crois en un monde des esprits, et je pense aux rêves comme à un espace où l'on peut interagir avec les esprits ou les voir - où l'on peut se réunir. Je vois beaucoup London dans mes rêves, et j'ai donc l'impression que c'est un espace où nous pourrons continuer à exister ensemble dans l'au-delà.

Un ensemble d'œuvres que j'ai récemment créées sera exposé à la CASTLE Gallery de Los Angeles, du 29 mars au 24 mai. Ce travail se concentre également sur London et sa vie après la mort, en pensant à d'autres pratiques spirituelles pré-chrétiennes ou pré-monothéistes. L'exposition s'intitule Votives, et je pense aux sculptures votives et à la façon dont elles sont une incarnation physique de la personne qui est adorée, un peu comme un autel.

Les papillons sont une autre image qui revient dans ce nouveau corpus de travail. J'ai des sculptures en cours de réalisation qui représentent London avec des ailes de papillon dans le dos. Cette œuvre fera également partie de mon exposition à la David Peter Francis Gallery. Je pense au papillon comme à cette transformation ou métamorphose du corps corporel en un ange plus spirituel, un corps céleste. J'imagine une vie après la mort pour elle comme une transformation - devenir quelque chose de nouveau plutôt qu'une fin.

Interview et montage par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail d'Emilie Louise Gossiaux, consulte le site emiliegossiaux.com.