Dans le studio : Dawn Cerny

Dawn Cerny est une artiste basée à Seattle et titulaire de la bourse Joan Mitchell 2022. Nous l'avons interviewée sur son travail et sa pratique créative en avril 2023. Ce qui suit est une transcription éditée de cette conversation.

Dans le studio, je me demande ce que peut faire un objet expressif singulier Comment puis-je m'entraîner à lutter contre les sensations de ce que je sais au milieu de la boue de ce que je ne sais pas ? Parce que j'ai un parti pris philosophique, le désir est de s'asseoir sans savoir, ce qui n'est pas une chose facile à contenir dans un elevator pitch. Et je le sais parce qu'il y a 24 heures, j'ai essayé d'expliquer mon travail à un homme sur un vol entre l'Islande et Seattle. Cela s'est terminé par une curiosité assez polie.

Je devrais dire que je fais un travail sur la frustration qu'il y a à préparer des déjeuners scolaires sans noix, mais métaphysique et burlesque.

Je m'intéresse vraiment à ce qui est en jeu dans une sculpture et à la façon dont la surface peut devenir un faire-valoir pour ce qui se passe en dessous. Je me méfie beaucoup des choses qui sont serrées et connues, et je gravite autour des choses qui sont inconfortables, peu familières et qui dépassent le langage. Je cherche des moyens d'avoir une relation presque récursive avec les médiums afin d'améliorer à la fois mon ignorance et ma connaissance. Mon ami Derek Franklin a inventé cette notion de "vertu de la médiocrité", et je l'ai volée et appliquée à tous les aspects de ma vie - de la façon dont j'utilise les matériaux à l'heure du dîner.

En même temps, j'admets avoir une véritable soif de rigueur dans mon propre travail, de rigueur dans ma façon de lire et de penser, de rigueur dans mon intuition aussi. Et même si une grande partie du langage que j'utilise concerne l'ignorance, et que j'utilise le terme "intuition" ou que je me sers de ma vie de mère pour façonner la façon dont je pense aux obstructions ou aux interruptions, je pense que la façon dont j'arrive à ces choses est comme la rigueur de l'aïkido - utiliser vos circonstances à votre avantage, même s'il s'agit clairement d'un désastre.

De cette façon, je pense que je travaille, à un rythme lent, à construire une représentation pour les personnes qui vivent et travaillent entre les deux - ce qui signifie qu'elles ne sont pas toujours dans le studio, qu'elles ont des emplois à temps partiel, qu'elles s'occupent de personnes à différents titres, ou qu'elles sont aux prises avec un gâteau superposé de catastrophes et qu'elles s'efforcent vraiment de prêter attention à ces dernières en tant que contenu. C'est ce qui est en jeu dans ce travail. Je prends au moins mon temps sur cette terre pour construire une représentation de la femme, de la mère, de la fille, de l'épouse, de l'amie, de l'ennemie. Et construire un archétype qui est plus grand que ce que nous avons connu auparavant - pas seulement de ce qu'une femme peut être, mais de ce qu'une personne peut être.

J'utilise beaucoup de matériaux qui parlent de l'amateur qui essaie de comprendre quelque chose - des matériaux qui sont relativement accessibles, chez Michael's ou dans une quincaillerie, ce qui souligne l'urgence de comprendre quelque chose dans l'économie du temps, de l'espace et des ressources dont je dispose, qui n'est pas une économie de luxe. Et je me pose beaucoup de questions sur la façon dont on utilise les matériaux ou l'échelle pour modifier la façon dont les gens perçoivent la valeur et l'utilité, par rapport à quelque chose de permanent par rapport à quelque chose de fragile, quelque chose qui se détériore avec le temps par rapport à quelque chose qui sera encore là quand nous aurons tous disparu.

Il y a un tour de passe-passe formel dans mon choix de couleurs. J'utilise une surface monochrome dans un grand nombre de mes sculptures parce que les formes sont parfois si fragiles que la couleur est une façon de dire : " Je porte un uniforme. Ce n'est pas grave. Prends-moi au sérieux." Je pense aux femmes avec le fond de teint qu'elles utilisent pour couvrir leur visage. Il s'agit de garder le cap pour que tu puisses être perçue comme sérieuse.

Cela rejoint également mon premier amour, qui est le théâtre. Le théâtre m'a appris à être une personne et m'a enseigné l'empathie, l'écoute, la voix et la transformation. Il m'a montré comment quelque chose, à travers le temps, les illusions et les tours de passe-passe - le décor, les lumières - peut faire ressentir les gens, les transformer ou les faire réfléchir.

J'utilise les méthodes et les outils du théâtre dans ma propre pratique de la sculpture, en ce sens que je ne pense pas qu'une sculpture soit simplement une icône. Je travaille avec l'idée qu'une sculpture peut être un décor, un accessoire ou un acteur. Je parle beaucoup d'un ensemble d'actions ou d'une taxonomie de gestes - un affaissement, une pointe, un coup ou un balancement - et j'utilise cette taxonomie de verbes et de sensations dans mes sculptures. Et puis bien sûr, dans les expositions, je suis très intéressée par le potentiel d'improvisation pour que de nouveaux ensembles de verbes et de sensations se développent entre les œuvres, l'espace et le public.

En 2017, j'ai travaillé sur un projet de sculpture collaborative à la Henry Art Gallery avec le collectif de construction Kraft Duntz. Mes sculptures se trouvaient dans ce projet à grande échelle, mais ensuite, au milieu de ce projet, j'ai pris toutes les transcriptions de tous les textes et de tous les courriels que nous avons écrits pendant que nous mettions en place cette exposition. C'est au moment où Trump venait d'être élu, et il y avait toutes les complications liées au fait de monter une exposition dans un musée et d'essayer de tresser à la française toutes ces différentes préoccupations et contraintes. J'ai donc pris les textes et j'ai fini par en faire une pièce de théâtre que j'ai ensuite fait jouer par des comédiens dans le musée également. Encore une fois, il y a cette relation récursive avec les préoccupations formelles que j'ai en tant que sculpteur, et ensuite un mouvement de va-et-vient entre les aspects pratiques de la façon dont les choses sont faites ou le contexte de quelque chose qui est fait ou la relation que l'on a avec lui.

Pour moi, la maison est aussi un lieu intrinsèquement théâtral. Il y a le dîner de Thanksgiving, les oncles racistes et même ma propre fureur face aux lacunes de ma famille ou au fait que je n'obtienne pas ce que je veux. C'est comme Tchekhov - c'est drôle, c'est triste, c'est tout. Et la maison est l'endroit le plus idéal pour vivre avec l'art parce que l'échelle est tellement plus en rapport avec votre corps et vous êtes désiré là et vous pouvez vivre avec tellement que vous pouvez aussi l'ignorer, ce que je pense aussi être une perspective vraiment excitante.

Dans le théâtre de ma propre maison - je vis dans un tout petit bungalow avec mon fils et mon mari - j'ai commencé à construire spécifiquement en fonction des contraintes de la Subaru Forester que j'utilise pour transporter mon travail. J'utilise donc ma maison et les limites de mon studio, qui n'a qu'un plafond de sept pieds de haut parce que je suis dans un sous-sol, comme un moyen vraiment pervers de fixer des contraintes qui façonnent l'échelle de mon travail.

Je m'intéresse vraiment à la façon dont l'échelle d'une chose peut amener les gens à supposer quelque chose sur son utilisation ou sa valeur dans leur vie quotidienne. Je plaisante sur le fait que la sculpture se situe toujours entre la cathédrale et la tasse de café, car il s'agit de deux mythologies matérielles et temporelles très différentes. L'une est invisible et l'autre vous met à genoux.

Il y a de nombreuses années, j'ai exposé une grande sculpture avec ce genre de niveaux en forme d'étagères. C'était au tout début de la Night Gallery à Los Angeles, et je me souviens que pendant le vernissage, les gens posaient leurs bières sur ma sculpture. J'étais en quelque sorte ravi par l'idée d'une collaboration ambivalente. Et je réalise que c'est un truc assez féminin, d'être du genre : "Ma sculpture vous dessert, elle vous gêne, mais peut-être que je peux tenir vos clés." Mais j'ai été charmée par la façon dont l'échelle d'un meuble pouvait inviter les gens à utiliser ces endroits, ces surfaces, pour y poser des choses, puis la sculpture utiliserait, en retour, la poétique des objets et des gestes sans but comme partie intégrante de la sculpture. Il y a des crochets, des récipients, des étagères, des trous et des attaches qui suggèrent une invitation à tenir ou à exposer.

L'échelle de mon travail a changé au cours des dernières années. Lorsque j'ai eu un cancer du sein, en 2021, j'ai dû respecter la réalité d'avoir différentes limitations physiques. Dans mon esprit de sculpteur, cela signifiait : " Bon, eh bien, je suppose que je vais devoir passer au travail sur table ", parce que c'était l'échelle que je pouvais physiquement exécuter. Je crois beaucoup à la valeur de l'expérience subjective dans la formation d'une œuvre, et à l'utilisation des conditions de ma propre vie quotidienne pour opérer un changement significatif, bien qu'arbitraire. Il y a quelque chose de vraiment poignant, ne serait-ce que pour moi-même, dans le fait d'accepter ces conditions et d'aller de l'avant.

J'ai donc commencé à faire ces sculptures sur table pendant mon traitement. Et j'aime beaucoup l'idée que la sculpture de table soit la seule sculpture que la plupart des gens puissent se permettre d'installer physiquement chez eux. La sculpture à petite échelle ou à l'échelle de la table peut être une proposition pour regarder et expérimenter ce qu'une sculpture peut faire dans un espace avec la lumière ambiante au cours de la journée, en interagissant à l'intérieur de la maison.

Depuis un an environ, je travaille avec Robin Wright de RITE EDITIONS à San Francisco pour produire une édition unique de sculptures de table modulaires. Il s'agit d'un coquetier en verre que j'ai fabriqué avec un artiste verrier sur la base d'un prototype que j'avais conçu il y a quelques années à Pilchuck, une école de verre expérimentale créée ici dans le nord-ouest du Pacifique par Dale Chihuly. Il y a donc ce coquetier, puis j'ai construit une sculpture en bois dans laquelle le coquetier est placé. C'est donc une scène, et la scène est habitée par le coquetier. À partir de là, j'ai conçu cette sculpture avec des pièces pour que les gens puissent la construire de la manière qui correspond à leur mode de vie. Elle est donc livrée avec ces chevilles en bois, ces crochets en fil de fer et ces clips, et il y a des fentes. Il y a toutes ces invitations à y coller des stylos, des morceaux de papier, des tickets de parking ou des photos de nièces. Et il y a aussi ces textiles de différentes couleurs sur lesquels la chose peut s'asseoir. Douze de ces sculptures en boîte ont été envoyées à des conservateurs, des amis ou des personnes que j'admirais - poètes, philosophes, artistes, écrivains - qui ont tous accepté de recevoir une sculpture. C'était un cadeau avec lequel ils étaient invités à vivre.

Au cours des six mois suivants, leur travail consistait à photographier la sculpture de table et à m'envoyer des photos. Puis, à la fin des six mois, écrire une sorte de texte. Cela peut être n'importe quoi - une histoire fictive, ou une liste, ou même simplement "Je n'ai jamais eu le temps de sortir ça de la boîte. Je n'ai rien fait, ma vie était en plein chaos." L'idée était donc d'utiliser ces expériences subjectives avec cette sculpture surdouée comme une invitation à l'improvisation et à la collaboration, ce qui peut aussi être très inconfortable. Nous sommes en train de réaliser un livre à partir de ce matériel recueilli auprès des participants. Un nombre limité de sculptures est en vente à un prix ridiculement raisonnable. Comme il s'agit de sculptures de table, les gens ne savent pas quoi en faire. C'est pourquoi je fais maintenant des vidéos de publireportage pour montrer ce qu'il y a dedans et comment ça marche.

Comme mon corps se rétablit, je me suis contentée de travailler sur des sculptures à petite échelle, mais ce printemps, je travaille lentement sur des œuvres de grande taille dans ma cour arrière. Après des années de travail assidu à l'échelle et à l'économie de mon paysage domestique, j'ai commencé à me demander ce qui arriverait à mon travail si je traduisais le domestique transitoire en quelque chose de grand et de public, construit pour durer. Une sculpture publique peut-elle faire ce "oui, et" qu'on enseigne dans les cours d'improvisation ? Est-ce que je parle d'un terrain de jeu ? Je te tiendrai au courant de ce que je découvrirai.

Interview et montage par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail de Dawn Cerny , clique ici.