Dans le studio : Awilda Sterling

Awilda Sterling est une artiste portoricaine multidisciplinaire et 2022 Joan Mitchell Fellow. Nous l'avons interviewée sur son travail et sa pratique créative en mars 2023. Ce qui suit est une transcription éditée de cette conversation.

Je travaille avec des installations spécifiques au site, et je chorégraphie mon corps autour et à l'intérieur de l'espace. J'ai reçu une formation de peintre à l'université de Porto Rico, dans les années soixante. J'ai obtenu mon diplôme de maîtrise en beaux-arts à l'Institut Pratt, où j'ai travaillé de 1977 à 1979.

Il y a eu tellement d'évolutions et d'éruptions artistiques dans les années soixante-dix. New York était pleine de nombreuses impulsions et idées, et c'était une époque où l'art de la performance commençait à surgir. Toutes les explorations qui se produisaient dans la ville - différents thèmes, intégration de différents genres, différentes techniques comme la peinture corporelle, la musique, l'architecture - j'étais comme une éponge qui s'imprégnait de tout cela. En plus de ma peinture, j'ai commencé à pratiquer la danse contemporaine et la danse expérimentale lorsque j'étais à New York.

En grandissant, ma famille était en quelque sorte une famille transdisciplinaire. C'était une famille immense et chacun avait sa propre façon de penser à la famille, et de penser à la façon de vivre la vie. Nous étions très curieux, en ce qui concerne la musique, la nourriture, la couture, les différents métiers et vocations. C'était donc un monde de différences et d'interconnexions à la fois. Je pense que c'est ce qui m'a amenée à être vraiment consciente de ce qui m'entoure, dans tous les sens du terme.

Lorsque j'ai terminé ma maîtrise et que je suis retournée à Porto Rico, j'ai commencé à faire des expériences. Mais c'était très difficile pour le public portoricain, parce que Porto Rico est encore un pays très conservateur. Et les femmes, en particulier les femmes noires dans les arts, n'étaient pas très bien accueillies. J'étais rare, pourrait-on dire. Mais je n'ai pas eu l'impression d'être rejetée ni embrassée. J'ai simplement continué à faire ce que je faisais. J'ai vraiment commencé à intégrer mon corps dans l'espace tridimensionnel et à intégrer mon corps dans la peinture, en m'inspirant de mon expérience de la danse expérimentale.

Donc pendant tout ce temps, tout se mélangeait sans que je m'en aperçoive ou que j'en fasse une pratique volontairement. J'ai commencé à faire ces expérimentations, et ce que j'ai vu, c'est que c'est devenu une seule pratique avec de nombreuses traces. Il y avait l'espace dimensionnel, les actions de peinture et le corps qui exécutait les concepts.

Dès le début de ma formation à l'Université de Porto Rico, j'ai été très intéressée par l'expressionnisme, en particulier l'expressionnisme abstrait. Les peintures des expressionnistes allemands m'ont beaucoup frappé, ainsi que tout le mouvement de l'art moderne, avec Cézanne, Renoir, les impressionnistes. En les étudiant, ce que je pensais de l'impressionnisme, c'était l'effet de la couleur, plus que les peintures en elles-mêmes.

J'ai trouvé que la couleur était l'élément le plus important. Et c'est aussi lié à l'environnement dans lequel j'ai grandi. Nous avons perdu beaucoup de la luxuriance de notre nature à cause du changement climatique, à cause du développement urbain qui a fait disparaître la plupart de nos forêts - c'est ce qui se passe partout dans le monde, n'est-ce pas ? J'ai été très, très impressionnée par les couleurs des fleurs, des fruits et des oiseaux ici à Porto Rico.

Ces impressions de lumière que j'avais de l'environnement ont également affecté les choix que j'ai faits pour mes peintures. Ainsi, mes peintures ont toujours été très riches en couleurs. La palette était presque composée de couleurs primaires et secondaires. Le fait de travailler à grande échelle me donnait plus d'espace pour gérer les mélanges de peintures.

J'ai été professeur à l'École des arts visuels de Porto Rico pendant près de 20 ans, et la plupart des cours qui m'étaient confiés étaient des cours de base. Je devais enseigner les couleurs, et pas seulement savoir comment les utiliser dans ma peinture. Je devais enseigner à mes étudiants comment utiliser les couleurs, comment les apprécier et quelles possibilités elles leur offraient dans différents thèmes, dans les différentes idées qui leur venaient à l'esprit.

Les autres cours que j'enseignais étaient des cours de dessin de base. Et surtout dans ces années-là, j'ai dû vraiment comprendre l'importance de la gamme tonale, parce qu'elle donne trois dimensions à l'espace plat. Et puis aussi le dessin de silhouette - comprendre l'architecture du corps. J'ai constamment donné ces cours. J'avais l'habitude d'aller avec mes étudiants dans l'immense et merveilleuse bibliothèque que nous avons ici à Porto Rico et chaque étudiant était invité à choisir les éléments ou les artistes qu'il aimait le plus afin de pouvoir les étudier. Je leur disais toujours : "Ne les copiez pas. Lisez à leur sujet. Comprends ce qui t'attire le plus dans ce tableau ou chez ce peintre, afin de pouvoir vraiment parler avec l'artiste et voir ce que tu peux faire."

Je pense que c'était plus excitant pour moi que pour eux. Et depuis que j'ai terminé cette carrière, chaque fois que je rencontre l'un de mes anciens élèves, ils sont tellement excités de me voir et ils me remercient pour ce qu'ils ont appris de moi. Je leur réponds toujours qu'ils ont aussi été mes professeurs, parce que j'ai dû me préparer à leur enseigner.

Maintenant que j'ai le temps de réfléchir à ma carrière, ce sont les éléments sur lesquels je m'appuie pour comprendre ce que je fais, et pour vraiment développer un langage qui me permet d'exprimer l'endroit où je me trouve en ce moment. Ce langage est plus abondant en espagnol, bien sûr, parce que c'est ma première langue, mais je lis aussi beaucoup en anglais, donc j'utilise les deux.

Et donc, ma série Blindfolded (Les yeux bandés ) réunit tout cela. C'était un accident, pour ainsi dire. La première expérience a eu lieu en février 2020 dans une galerie alternative appelée El cuadrado gris / The Gray Square. C'est dans une maison à deux étages à San Juan qui date du début du 20e siècle et ils ont transformé le sous-sol en galerie. Quand j'ai commencé à expérimenter là-bas, à un moment donné, il s'est passé quelque chose où je me suis dit : "Je ne savais pas comment gérer cette situation... Eh bien, je vais me bander les yeux." Et comme je suis un expérimentateur, tout le monde a dit . "D'accord, voyons ce que ça donne."

J'ai fermé les yeux et j'ai mis le bandeau. Ce qui en a résulté, c'est que j'avais une sensibilité supplémentaire. En continuant cette série, j'ai développé beaucoup de sensibilité dans mes mains. Je me promène avec le bandeau sur les yeux, je sens l'espace pour voir où sont les angles, s'il y a une marche, comment je peux m'étendre d'un côté à l'autre. Cela me donne une idée de l'espace dont je dispose.

Et puis pour les couleurs, je demande à quelqu'un de les disposer sur le sol, parce que j'ai besoin de m'orienter. Je travaille avec d'anciens élèves à moi, donc ils me connaissent et j'ai beaucoup de confiance en eux. Elle ou il place les couleurs, généralement des bâtons d'huile, sur le sol selon une palette que j'ai déjà vue.

Je pars donc à la recherche du support et je commence à dessiner, à aller dans des endroits. Je m'accompagne de musique, généralement du jazz instrumental de différentes époques, afin que chaque son me donne une trace spécifique à travailler. Je joue avec des traits plus forts, avec le pointillisme. Par exemple, si la musique fait "Bap, bap, bap, bap, bap, bap, bap, bap", alors je fais la même chose sur la surface.

Quand j'enlève le bandeau et que je viens voir l'œuvre, c'est toujours magnifique, parce que si je réfléchis, si je fais un croquis, je ne ferais pas ce que je fais avec le bandeau. Avec, j'ai un sens supplémentaire, plus que les cinq sens, le toucher des surfaces, les pulsations de la musique. Je me contente d'y aller, et le public devient une partie de mon domaine.

Si quelqu'un me demandait : "Qu'avez-vous essayé de faire ici ? Qu'est-ce que cela signifie ?" Je réponds toujours : "Qu'est-ce que tu en as retiré ?" Et cela ouvre toujours une merveilleuse conversation. Les liens sont là. Je ne dis donc jamais aux gens de quoi parle l'œuvre. Je pense que mon corps est le texte. Ils peuvent lire ce qui se passe. Et ça marche toujours. J'en suis très heureuse, quand la personne se sent libre et en confiance pour parler de mon travail avec respect.

Interview et rédaction par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail d'Awilda Sterling , clique ici.