Dans l'atelier : Suchitra Mattai

Suchitra Mattai est une artiste d'origine indo-caribéenne basée à Los Angeles et titulaire d'une bourse Joan Mitchell Fellow en 2025. Nous l'avons interviewée sur son travail et sa pratique créative en mars 2026. Ce qui suit est extrait et édité à partir des réponses des artistes.

Je suis une fabricante frénétique et intuitive qui chérit la résolution de problèmes et l'expérimentation avec des matériaux et des processus en évolution. Ma pratique multimédia comprend des installations à base de fibres, des sculptures, des peintures mixtes et des collages. Je combine souvent des objets trouvés, en particulier des textiles, qui véhiculent des histoires émotives.

Mon travail crée un "espace futur" équitable où notre conscience collective est élargie pour inclure de nouvelles mythologies qui célèbrent et monumentalisent les expériences des femmes et des personnes de couleur. L'expérience de mes ancêtres et l'histoire du travail sous contrat en Guyane influencent une grande partie de ma pratique.

Des procédés tels que la couture, la broderie, le perlage et le crochet m'ont été enseignés par mes grands-mères et ma mère. J'espère honorer le travail et l'esprit créatif des femmes du passé en mettant en valeur les matériaux et les procédés "artisanaux".

J'ai créé une méthode de "tissage" de bandes de saris (vêtements portés par les femmes d'Asie du Sud) pour former un réseau de cordes afin de rassembler les femmes de la diaspora par-delà la topographie et le temps. Cela se voit dans des œuvres comme A Cosmic Awakening (2023), qui réfléchit au télescope Hubble et à ses possibilités, en imaginant un espace mythologique futur.

L'intuition, les explorations matérielles, l'imagination/visions et la recherche font partie de mon processus. Je veux apprendre quelque chose de nouveau à chaque fois que je réalise une œuvre. Mon processus change souvent en fonction de l'échelle de l'œuvre. Par exemple, en créant Becoming, pour mon installation extérieure We are Nomads. We are Dreamers at Socrates Sculpture Park, j'ai commencé par visiter le site et faire des recherches sur l'histoire du parc et de sa communauté.

Le Queens a été le lieu de communautés d'immigrants, dont la mienne. Ma famille et moi avons déménagé dans le New Jersey quand j'avais 12 ans. C'était la première fois que je me trouvais à proximité de plusieurs des centaines de membres de ma famille élargie qui vivaient dans le Queens. Mon oncle avait une épicerie que nous visitions, et cela me semblait étrangement familier, presque comme si j'étais de retour au marché de la famille de mon père à Georgetown, en Guyane. Nous avons assisté à des anniversaires, des mariages, des enterrements et un temple hindou. C'est dans cet esprit de communauté que j'ai créé mon projet pour le Socrates Sculpture Park. Ma famille a vécu près de l'océan Atlantique toute ma vie et mes ancêtres avaient traversé l'Atlantique en tant que travailleurs sous contrat en provenance de l'Inde. Je voulais créer une installation qui soit un monument aux cultures immigrées, qui reflète leurs corps et fasse un clin d'œil aux histoires collectives, en considérant que l'East River, en tant qu'affluent de l'océan Atlantique, est une présence puissante et un rappel des voyages migratoires des ancêtres.

L'œuvre que j'ai créée reflétait l'environnement, tout en honorant le travail des femmes. L'installation se compose de six "nacelles" architecturales futuristes ressemblant à d'anciens monolithes qui semblent avoir surgi de la terre. Des matériaux réfléchissants unissent l'œuvre au ciel et à l'environnement, tandis que des saris vintage tissés monumentalisent les corps et les vies des femmes de la diaspora sud-asiatique.

Une autre sculpture à grande échelle, Pappy's House (2024), est une réplique de la maison sur pilotis de mes grands-parents en Guyane, où j'ai passé du temps lorsque j'étais jeune enfant. Avec cette pièce, je pensais au dispositif mnémotechnique médiéval qui consiste à utiliser l'architecture conceptuelle comme moyen de se souvenir et de stocker des informations dans chaque "pièce."

Pour les œuvres plus petites, je me fie davantage à mon intuition et je laisse mon imagination et les matériaux me guider. Les objets trouvés m'attirent en raison de leurs histoires et auras implicites. Pour l'œuvre poesis, j'ai été immédiatement frappée par le buste de la jeune fille dans une boutique vintage et je l'ai transformé avec des tresses de sari, entremêlant des matériaux occidentaux et sud-asiatiques. Les histoires de femmes se recoupent dans de nombreuses cultures, et j'ai voulu mettre en évidence ces liens. Les tresses font référence aux cheveux et au rituel du tressage entre mères et filles. La poésis, au sens platonicien du terme, est un "accouchement", et la création artistique est également un "accouchement"

Mon atelier se trouve à Los Angeles. C'est un espace ensoleillé où je suis constamment inspirée par les gens qui marchent et les sons de la ville. Le grand palmier qui se trouve devant ma fenêtre me ramène en Guyane, où je suis né. Il y a quelques postes de travail où de multiples projets sont en cours.

J'ai été très occupée ! Mon œuvre Siren Song est actuellement exposée au Museum of Art Rio, à Rio de Janeiro, au Brésil, dans le cadre de la Biennale de Sao Paolo. J'ai également des œuvres dans une exposition de groupe au musée AKG de Buffalo intitulée Let Us Gather in a Flourishing Way, et dans une exposition au musée d'histoire de New York intitulée The New York Sari.

En ce moment, je travaille sur une commande du Fowler Museum de l'UCLA pour une exposition de trois personnes, organisée par Syona Puliady, qui sera inaugurée cet été. Mon travail pour l'exposition explore les possibilités d'intersection entre la fibre, l'architecture et les monuments. Je me prépare également pour un solo à venir au début de l'année 2027 chez Roberts Projects. L'exposition sera présentée pendant Frieze LA.

La création artistique est pour moi un processus spirituel, nourrissant et générateur. L'amour et le soutien de la famille, des amis, de la communauté et des étrangers me nourrissent et me permettent de continuer. Je veux que mon travail suscite des réactions émotionnelles et offre des liens avec les expériences vécues par les spectateurs.

Interview et montage par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail de Suchitra Mattai, consulte le site suchitramattaiart.com.