Dans l'atelier : Rose B. Simpson

Rose B. Simpson est une artiste du Nouveau-Mexique et l'une des lauréates de la bourse Joan Mitchell Fellowship en 2021. Nous l'avons interviewée sur son travail et sa pratique d'atelier en juin 2022. Ce qui suit est une transcription éditée de cette conversation.

Mon travail est une recherche sur un espace très personnel, sur ma relation au processus et à un voyage spirituel ou psychologique. Les objets sont le résultat ou le sous-produit de cette investigation. C'est ce qui résulte du voyage. Ces choses sont en quelque sorte le sillage de celui-ci, qui peut idéalement aller dans le monde et aider d'autres personnes, peut-être, dans leur propre investigation, leur propre voyage.

Je suis très attachée à l'argile parce que la façon dont elle enregistre les émotions est beaucoup plus immédiate, je pense, que d'autres formes ou matériaux. Je travaille aussi avec le métal, les voitures et le bois, et ce sont des relations très différentes. Le métal est tellement architectural et, d'une certaine façon, cérébral. Et le bois est un processus d'extraction, donc tu meules et tu sculptes. L'argile, c'est avant tout une question de sentiment, il s'agit donc de construire et d'investir quelque chose d'une signification et d'une forme. Il s'agit de se développer plutôt que de s'effacer pour devenir. Et elle enregistre instantanément ton état émotionnel. Les molécules d'eau de l'argile elle-même entendent ton intention bien plus qu'un matériau plus dense comme le métal.

Lorsque je travaillais avec le bois l'année dernière, je pensais beaucoup à la gratitude pour les ressources qui donnent leur vie pour que nous puissions faire ce que nous faisons tous les jours, comme les plantes et les animaux qui meurent pour nous nourrir. Mais aussi, le bois est tellement cet être et tu es en relation directe avec son corps, son être, et il y a cette humilité et cette gratitude constantes dans lesquelles tu dois être, ce qui, je pense, est un tout autre état.

L'argile est comme le corps de notre mère. Et quand tu travailles avec elle, ce n'est pas la fin. Tu prends l'argile de la terre, tu construis avec elle et tu la fais cuire. Elle est vitrifiée, c'est donc une roche, et elle s'effritera à nouveau pour être réutilisée. C'est toujours une partie de cette vague d'être, donc c'est toujours éphémère d'une certaine façon.

Je travaille avec le récipient. Qu'il s'agisse d'une voiture ou d'une figure abstraite, c'est un vaisseau pour l'intention. Je pense que les figures humaines, en tant que type de vaisseau pour l'intention, obtiennent la plus grande réponse empathique parce que nous nous voyons dans la figure et que nous sommes tous en relation.

J'ai beaucoup réfléchi à l'idée de l'inanimé et de l'animé. Je crois vraiment que lorsque nous considérons quelque chose comme inanimé et ne contenant pas de vie en lui, nous l'objectivons. Et lorsque nous l'objectivons, nous pouvons l'utiliser et l'extraire. Ainsi, en donnant de la vie à quelque chose, en lui donnant de l'animation, dans un sens, il a un sens et vous devez l'affronter et l'écouter sans le juger. Je pense que la meilleure façon de le faire, c'est avec la figure humaine, parce que nous sommes plus doués pour ça. Et si elle est suffisamment abstraite, alors nous pouvons la voir comme nous-mêmes et comme un aspect émotionnel de nous-mêmes, ce qui rend encore plus facile d'avoir une réponse empathique de sa part. C'est un équilibre difficile à trouver. S'il est trop spécifique, nous pouvons l'"autre", n'est-ce pas ? Et s'il est trop abstrait, il ne suscitera pas nécessairement de réaction empathique.

J'espère qu'il représente un aspect spirituel ou psychologique de nous-mêmes ou quelque chose à quoi nous aspirons ou que nous recherchons en nous-mêmes. Lorsque je cherche ces endroits en moi, je les trouve, je les illustre. Parce que nous ne faisons qu'un, nous voyons une partie de nous-mêmes dans l'autre. C'est un peu l'idée. Si je peux identifier cette partie de moi-même, je le fais au nom de tous, et les autres qui le voient peuvent s'y reconnaître et grandir aussi.

Je suis sur le point de me rendre à Williamstown, dans le Massachusetts, pour installer 12 figures de neuf pieds de haut à un endroit appelé Field Farm. J'ai fabriqué les originaux en bois et ils ont été coulés avec du ciment coloré, ce qui est la première fois de ma vie que je collabore ou que quelqu'un d'autre reproduit en quelque sorte mon travail. C'était une toute autre façon de travailler où ma main n'est pas nécessairement impliquée parce que j'ai sculpté les personnages avec une tronçonneuse, donc ils sont différents de mes êtres d'argile. Nous allons installer les 12 figurines sur le terrain. À cet endroit précis se trouve la bande Stockbridge-Munsee des Mohicans qui a été déplacée dans le Wisconsin, et nous allons nous procurer de l'argile locale dans la région pour l'apporter à leur communauté et nous allons fabriquer des perles pour les sculptures, de sorte qu'ils auront ces colliers de perles faits à la main.

Ces figures représentent l'ascendance et la relation des peuples ancestraux avec le lieu, comme un rappel de cela et comme une animation de l'histoire, de la mémoire, de la responsabilité. Cette pièce va voyager, et j'espère établir des relations avec les différentes communautés dans lesquelles ces pièces voyagent, et elles recevront de nouveaux colliers. Il y aura donc ces chapitres, dans un sens, de l'histoire et du lieu. J'ai beaucoup grandi en faisant cette pièce, parce qu'il s'agit d'une collaboration avec les fabricants et avec différentes tribus et différents lieux. Et c'est monumental.

J'ai aussi une grande exposition au Fabric Workshop and Museum qui aura lieu à l'automne et c'est vraiment, vraiment excitant. Nous sommes en train de construire une maison de rêve. Il s'agit donc d'une série d'espaces. Certains sont accessibles au public, d'autres non, et ils représentent visuellement des parties de mon voyage et de mes investigations internes. C'est vraiment, vraiment excitant parce que j'ai l'impression qu'en marchant dans ces espaces, les gens vont comprendre mon processus bien plus que les mots ne peuvent l'expliquer, et j'espère qu'ils pourront être guidés vers de nouvelles parties de leur propre psyché grâce à cette expérience. Nous construisons des meubles, nous fabriquons des oreillers, nous faisons toutes sortes de choses cool que je n'ai pas l'occasion de faire en général. Nous faisons de la poterie - l'une des pièces est comme une cuisine, il y aura donc de jolies tasses, des bols et d'autres choses.

J'ai aussi une exposition solo à l'ICA de Boston en août, alors je me suis préparée pour ça. Ils présentent des œuvres des cinq dernières années. Je travaille de différentes manières, alors c'est cool de voir tout le travail ensemble et de réfléchir à la façon dont je peux mettre en valeur les différents styles de mon travail et aussi la recherche constante que j'ai.

Il y a un morceau où je réfléchissais à la guidance et à l'endroit où tu la trouves. J'utilise souvent l'imagerie des étoiles, pour dire que nous sommes guidés, que nous avons la foi et que nous sommes guidés. Et puis j'utilise ce X, qui représente la protection. Nous sommes donc protégés et guidés.

Ensuite, ce sont ces figures qui s'enlacent comme un cheval. Ce sont deux pièces qui n'ont pas de pieds, alors elles sont en équilibre sur ces deux points. Ils ont l'air bizarre en ce moment, comme s'ils étaient en train de se disputer, mais en fait, ils s'emboîtent sur leur cou et s'appuient l'un sur l'autre. Ils sont guidés par leur cœur. C'est ce qu'on appelle "Brace"

Il y a une figure à laquelle j'attache beaucoup de pots. Elle aura environ 24 pots accrochés à elle. Pendant que je travaille, je pince d'autres pots et je les jette dans le four, puis ils seront attachés à elle.

J'ai aussi quelques projets de voitures sur lesquels je travaille. C'est amusant. J'ai une voiture d'exposition, Maria, c'est une Chevy El Camino de 1985 que j'ai commencé à fabriquer en 2012. Je suis allé à l'école de science automobile et de carrosserie dans notre ville, qui est essentiellement une école de low-rider. Et j'ai acheté l'El Camino pour une pièce de performance que j'ai réalisée au Denver Art Museum alors que j'y étais résidente. L'idée était de construire un objet de pouvoir qui déconstruisait en quelque sorte les rôles de genre et devenait une source de force et de pouvoir pour les artistes dans ces espaces. Cela renvoie donc à l'idée d'un vaisseau, à ma longue relation et à ma codépendance à l'égard des véhicules.

Ma ville, Española, est la capitale mondiale du low-rider. Il y a plus de voitures customisées par habitant que dans le comté d'Orange ou à Vegas. J'ai acheté ma première voiture à l'âge de 12 ans. Les voitures ont été très importantes pour moi dans ma vie en tant qu'outil psychologique et manifestation de mes propres capacités et de mon indépendance. Comprendre un moteur et son fonctionnement est très valorisant. Je pense que c'est lié aux hommes, aux relations avec les hommes et au fait de pouvoir réparer sa propre voiture. Comme "je n'ai besoin de personne, je peux le faire moi-même"

Les performances que j'ai réalisées, je les appelle des transformations parce que vous mettez cette parure et transformez votre identité et vous entrez dans un espace avec une conscience d'être différente. La voiture en faisait également partie. C'était une méthode ou un outil, un moyen d'atteindre cette sorte d'état d'autonomie ou de transformation à l'intérieur de soi. Cela vient du fait que j'ai grandi dans une ville où la ligne de croisière était si importante - vous traversiez la ville en croisière et vous aviez un sentiment de force, de pouvoir et d'identité qui vous éclairait. Et une vibration plus élevée.

J'ai nommé Maria en l'honneur de Maria Martinez, qui était une personne très importante dans notre communauté Tewa. Elle venait d'une autre tribu Tewa, San Ildefonso, qui se trouve directement au sud de notre tribu. Elle et son partenaire ont été parmi les premiers à développer un certain style de poterie, qui était noir sur noir. Elle polissait ses poteries d'argile rouge avec de la pierre et de la graisse jusqu'à ce qu'elles soient super brillantes, puis ils peignaient un engobe par-dessus pour créer une sorte de mat. Ensuite, la poterie était cuite dans une réduction de carbone profonde pour devenir noire, d'un noir très riche.

Ce style est devenu incroyablement important dans ce domaine. Le style de ma tribu est un peu différent. Nous faisons du noir sur noir, mais avec une sorte d'incision profonde de Santa Clara Pueblo. Mais à cause de la nature de la voiture et de la planéité de la surface, je l'ai peinte avec le style Maria Martinez, noir sur noir, et je l'ai appelée Maria.

Maria est une El Camino, et elle a un corps A GM, qui est un fleuron de la culture low-rider chicano. Nous sommes dans cette longue conversation sur la colonisation et la cohabitation - partager l'espace et apprendre à vivre ensemble avec la population hispanique de cette région. Je suis originaire de Santa Clara Pueblo, mais j'ai aussi grandi dans la culture hispanique et low-rider d'Española. C'est une esthétique que j'admire et dans laquelle j'ai trouvé de la force à l'adolescence. Et c'est pourquoi j'ai construit cette voiture pour discuter du lieu, de l'autonomisation, de l'esthétique et de ce à quoi cela ressemble en tant que vaisseau. C'est un camion ; nous l'avons utilisé pour récolter les champs. Et je continue à apprendre d'elle. Elle continue à m'enseigner.

En un sens, Maria n'est jamais finie. Je viens de remplacer son carburateur il y a quelques semaines et elle vient de tomber en panne, alors je pense qu'elle a besoin d'un nouvel embrayage et d'une nouvelle transmission. J'ai mis un gros moteur dans sa voiture - elle a un 350 de 410 chevaux et une transmission Tremec de course de dragsters. Ce n'est donc pas vraiment une low-rider, c'est en fait une street rod. Elle est vraiment rapide et bruyante. Elle fait le bruit d'un avion et elle n'est pas heureuse tant qu'elle ne roule pas à 110 miles à l'heure. C'est pour ça qu'elle tombe toujours en panne, parce qu'elle ne veut pas rester là à surchauffer. Elle veut parcourir le monde à toute allure.

Ma fille n'aime pas monter dedans parce qu'elle en a marre de tomber en panne. Un jour, nous étions en train de rouler et Maria était en surchauffe, alors nous étions sur le bord de la route en train d'attendre qu'elle se refroidisse, et ma fille m'a dit : "Maman, comment se fait-il que nous n'ayons pas de voiture rebondissante ? Ils vont tout doucement et puis ils s'amusent. Ils ne dépassent pas tout le monde. Ils vont super lentement sur deux roues. C'est ce que je veux." Je l'ai regardée et je lui ai dit : "C'est ça, petite !"

Je travaille donc sur un nouveau projet de voiture, une Buick Riviera de 64 qui sera équipée d'un système hydraulique. Je suis très enthousiaste à l'idée que cette voiture ait un intérieur très détaillé et que je ne me préoccupe pas de l'extérieur. Elle a cette incroyable patine du temps que je pense laisser, parce que c'est une collaboration avec l'atmosphère. Mais à l'intérieur, je veux coudre une constellation de cuir entière sur le plafond et les sièges, et tout sera incroyablement détaillé et fabuleux. Il s'agit de se concentrer sur l'intérieur et moins sur ce que tout le monde pense de toi à l'extérieur.

J'ai aussi une El Camino de 69, qui est surélevée, donc elle a ces pneus swamper qui font un mètre de haut, ils sont énormes. Elle a un moteur à six cylindres en ligne, un 292, donc elle aura beaucoup de couple à bas régime. Je dois juste trouver la transmission qui conviendra aux quatre roues motrices, parce qu'avec les quatre roues motrices, tu peux l'emmener dans les montagnes. Et j'ai vraiment hâte que cette voiture soit robuste, parce que Maria est si parfaite que tu ne peux pas l'égratigner et que tu dois en quelque sorte la bichonner tout le temps. Je l'appelle Mad Maxine et elle sera complètement dans le style Mad Max. C'est mon mobile de l'apocalypse, comme le tueur de zombies.

Tu dois donc couvrir tous tes besoins. Tu as une low rider, une street rod, une rat rod - tu ne sais jamais ce que tu peux ressentir ce jour-là. Cela nous ramène à l'esthétique relationnelle et à la transformation de nos décisions esthétiques au quotidien. C'est comme lorsque tu te réveilles le matin et que tu choisis la chemise que tu vas porter. Chaque décision esthétique peut être une méthode d'amour de soi ou de prise de conscience. Et lorsque nous avons plus de pouvoir dans ce choix, comme "ok, c'est ce que je veux être, c'est ce que je veux ressentir", alors vous devenez plus autonomes.

Cela nous ramène à l'esthétique indigène. Il n'y a pas de séparation entre l'art et la vie, ni entre l'esprit et l'art, ni entre la spiritualité et les systèmes de croyances religieuses. Toutes ces choses sont liées. Je me place dans une perspective où, bien sûr, tout est lié. Chaque chose que tu fais est une prière. Et si tu en es plus conscient, tu auras plus de pouvoir dans la prière que tu apportes à ta vie.

Interview et montage par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail de Rose B. Simpson, consulte le site rosebsimpson.com.