Dans l'atelier : Ronny Quevedo

Ronny Quevedo est un artiste basé à New York et lauréat de la bourse Joan Mitchell Fellowship en 2021. Nous l'avons interviewé sur son travail et les processus de son atelier en mai 2022. Ce qui suit est une transcription éditée de cette conversation.

Dans mon travail, j'ai tendance à penser à des espaces dans lesquels je suis allé ou à des espaces qui sont en train d'être réimaginés. Ils varient, mais restent souvent dans la gamme des terrains de jeu, des champs abstraits ou des dessins de constellations. La topographie et la cartographie occupent une grande place dans mon travail - la façon dont nous cartographions notre passé et notre présent et, en particulier, la cartographie des espaces de jeu. Je pense à des diagrammes sportifs qui fonctionnent dans un gymnase, mais aussi à des jeux qui se déroulent sur un terrain ou dans une arène et qui nécessitent un plus grand espace physique pour jouer, comme le soccer ou le football.

Ces terrains, ou les terrains qui sont réimaginés, ont tendance à être parallèles à cette notion de mouvement d'un endroit à un autre. Je pense à la maison et aux espaces étrangers - des sites qui font l'objet de négociations constantes. Il s'agit de savoir comment nous nous acclimatons et comment nous fonctionnons et naviguons dans des espaces qui sont nouveaux pour nous. C'est une question d'inventivité et de réimagination.

Je me suis concentrée sur les terrains de jeu - en pensant aux ligues de football en salle en particulier, en lien avec New York, et le monde en général. J'ai également exploré l'espace, en pensant aux constellations et aux étoiles. Parfois, je dessine des endroits où je suis allé, où j'ai joué, opéré ou grandi, et dans d'autres cas, il s'agit presque d'une imagination collective de ce à quoi nous pensons que le cosmos ressemble, ou de ce à quoi nous imaginons l'espace extra-atmosphérique. L'idée de regarder un champ de haut en bas - la vue aérienne - est vraiment essentielle pour moi. Je pense que c'est probablement la meilleure façon de créer un sentiment de rassemblement ; cela construit un espace dans lequel nous pouvons tous nous projeter.

Dans le passé, une grande partie de mon travail a été réalisée à l'aide de techniques mixtes. Je réalise certains de mes dessins en découpant des feuilles de papier contact en bandes, en les mettant à l'échelle comme on appliquerait des planches de bois sur le sol. Les dessins sont en quelque sorte des schémas d'espaces qui pourraient exister. Les petits morceaux de papier contact qui ressemblent à du placage de bois sont appliqués un par un sur la surface d'un panneau ou d'une feuille de papier. Ce type de fragmentation est aussi une nouvelle visualisation de l'espace informée par le processus.

Un autre élément que j'incorpore à l'œuvre est un processus de transfert - le transfert d'un matériau en cire sur différentes surfaces. Ce genre de va-et-vient fait avancer l'idée de résistance - en mettant en évidence ce qui est transféré et ce qui ne l'est pas d'un dessin ou d'une copie à l'autre. Cette méthode de travail informe grandement mon nouveau travail d'atelier.

J'essaie d'être aussi consciente que possible de ce que les matériaux que je choisis sont censés imprégner ou représenter. Récemment, j'ai commencé à me concentrer sur l'utilisation de la mousseline comme matériau, parce qu'elle est liée à l'histoire de ma mère en tant que couturière. J'utilise ce tissu préparatoire utilisé en confection pour peindre. Un processus de réflexion similaire m'a poussée à incorporer du papier ciré dans mes compositions. Le papier ciré est également utilisé dans la confection de vêtements et, à travers mes procédés, j'essaie de le transformer et de l'élever au rang de matériau d'art - la base d'une peinture ou d'une œuvre sur papier.

L'idée de choisir ces matériaux est de garder à l'esprit les histoires de la classe ouvrière, l'histoire de mes parents. Mon père est footballeur, ma mère est couturière. Je garde donc, d'une certaine façon, leur héritage, en incorporant ces objets et cette imagerie dans mon art.

Lorsque je crée une œuvre, je veux que le matériau soit au premier plan et au centre, qu'il soit facilement visible. J'espère que le fait de réaliser qu'il s'agit d'une mousseline, d'un transfert de cire ou d'un papier à vêtement évoque un certain type de travail lié à une classe particulière. Pour moi, il s'agit d'un concept très important, qui pourrait rester gravé dans la mémoire des spectateurs, sachant que cette œuvre est censée représenter l'histoire du travail.

Mon travail actuel prend le globe terrestre comme point de départ. Je réfléchis aux mesures et à cette notion de neutralité à laquelle nous adhérons tous, et à laquelle nous souscrivons, lorsque nous pensons à des espaces étrangers ou même à des terres étrangères. L'œuvre est indiquée par des lignes latitudinales et longitudinales dont la taille varie. Ces pièces ont beaucoup à voir avec la décomposition d'une grille circulaire et la réflexion sur la façon dont ces lignes fonctionnent de manière littérale et métaphorique. En même temps, ces compositions portent aussi sur la façon dont je peux transformer des concepts que je tiens pour acquis et en faire quelque chose de nouveau et de réimaginé.

Ces œuvres intègrent également du papier à motifs provenant de la confection. Par rapport à ce matériau, je pense au corps - aux notions d'identité qui sont très fluides et constamment en mouvement. Le papier à motifs est traditionnellement utilisé pour cartographier le corps, un peu comme la latitude et la longitude sont utilisées pour tracer le globe. Ensemble, ces modes alternatifs de cartographie soulèvent des questions sur la façon dont nous pouvons envisager de nouveaux espaces et de nouvelles identités. Ce groupe d'œuvres est destiné à être présenté lors de mon exposition personnelle en septembre chez Alexander Gray à New York.

J'ai invoqué le corps dans des travaux antérieurs en collaborant avec des gens, en particulier avec des danseurs ou des chorégraphes, pour réaliser des performances avec des sculptures que je fais ou des dessins sur des terrains. La relation avec le corps est toujours présente, car souvent, lorsque nous pensons à ces terrains de jeu, nous imaginons les corps des joueurs se déplaçant dans cet espace. Cette relation directe avec le corps, et même la fragmentation du corps, est entrée en jeu plus récemment dans ce nouveau corpus de travail en raison de la nature de la fabrication des vêtements. Il existe certaines corrélations entre le mouvement du jeu et l'idée du corps représenté par les vêtements.

Je viens de terminer une nouvelle œuvre publique pour le nouveau terminal Delta de l'aéroport LaGuardia, qui a été commandée par le Queens Museum of Art en partenariat avec Delta Airlines et l'autorité portuaire de New York. Il s'agit d'une très grande installation publique permanente spécifique au site qui a été dévoilée en juin. Cette œuvre, intitulée Pacha Cosmopolitanism Overtime, est un plancher de gymnase qui fonctionne comme une sorte de cartographie de ces limites et frontières qui sont constamment en mouvement. L'œuvre met en avant l'idée de transport - de voyage - qui est la clé de tant d'identités. C'est un hommage aux communautés de migrants qui vivent à New York et aux ligues de football en salle qui ont marqué mon enfance, et para mi viejo.

L'œuvre est une série de lignes fragmentées qui proviennent du sol du gymnase et du terrain de football. Elles sont ensuite peintes sur une série de panneaux fabriqués à partir du plancher du gymnase. L'œuvre entière mesure environ 45 pieds sur 15 ; elle s'étend sur les trois étages du nouveau terminal. Les gens la verront de différents points de vue. Un autre élément est la feuille d'argent et d'or qui est appliquée sur les panneaux, de sorte que l'œuvre est une réponse non seulement à l'architecture, mais aussi à l'heure de la journée. Tout au long de la journée, l'œuvre change en fonction de la réflexion de ces différents matériaux.

Je suis très enthousiaste à propos de cette pièce, parce que, d'une certaine façon, beaucoup des dessins que j'ai faits dans le passé - les diagrammes des champs, les planches de bois sur le sol, par exemple - sont des schémas. J'en étais vraiment satisfait en tant que dessins, mais ils étaient aussi destinés à être quelque chose que je pourrais construire à l'avenir et mettre à l'échelle.

Aujourd'hui, dix ans plus tard, je vois cette chose qui n'était à l'origine qu'un dessin être entièrement construite et fabriquée pour cette pièce à l'aéroport, ce qui est formidable. J'ai vraiment hâte que les gens voient cette pièce, parce que je pense que c'est une œuvre très vivante qui parle de possibilité et de transformation.

Interview et montage par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail de Ronny Quevedo, consulte le site ronnyquevedo.info.