Dans l'atelier : Raúl de Nieves

Raúl de Nieves est un artiste basé à Brooklyn et l'un des bénéficiaires de la bourse Joan Mitchell Fellowshipen 2021 . Nous l'avons interviewé sur son travail et ses processus d'atelier en juin 2022. Ce qui suit est une transcription éditée de cette conversation.

Lorsque j'ai commencé à faire de l'art, je me concentrais principalement sur le travail en 2D. Il y avait un sujet que je peignais assez souvent, à savoir une image de Saint-Georges et du dragon, que je trouvais être un motif vraiment génial à prendre. Lorsque cette image m'a été présentée, j'étais à San Francisco. Je venais d'y emménager et j'avais posé ma candidature au CCA. J'avais 19 ans, et je pense qu'il y avait une forme de désespoir parce que je me disais, oh mon dieu, cette école va me coûter quelque chose comme 220 000 dollars. En tant que jeune homme de 19 ans, je me demandais à quoi cela pouvait bien ressembler J'y pense encore aujourd'hui et je ne comprends pas. J'ai donc décidé de ne pas aller à l'école et je me suis dit qu'il fallait que je trouve mon propre guide. Pour une raison ou une autre, cette image est devenue mon professeur.

L'histoire raconte qu'il y a un dragon qui se trouve à côté d'un étang près d'une ville. Et maintenant, ce dragon doit avoir une sorte de conversation avec le reste de la ville, parce que la ville a besoin de l'eau pour survivre. Le dragon est dépeint comme un démon ou comme quelqu'un qui crée des problèmes. La ville commence donc à le nourrir de tout ce qu'elle peut pour obtenir une goutte d'eau, jusqu'à ce qu'elle commence à manquer de nourriture pour ses propres besoins.

La peur est, je pense, le pivot de ce personnage - les gens avaient peur de ce monstre dragon démoniaque. Saint-Georges décide donc de vaincre cette peur. Et une fois qu'il y est allé, il s'est rendu compte qu'il ne s'agissait pas d'un dragon, mais littéralement d'un serpent. Il ramène le serpent à la ville et dit : "Voilà ce dont nous avons toujours eu peur." Personne ne savait à quoi ressemblait ce dragon.

J'avais l'impression que l'histoire qui était racontée à travers ce personnage comportait tellement de facettes de compréhension. Évidemment, il vient d'un milieu religieux, mais quand je pense aux œuvres réalisées dans les temps passés jusqu'à aujourd'hui, il y a un sens de la spiritualité auquel je trouve toujours une connexion. Cette image m'a donc permis de sentir que je pouvais devenir chacun des personnages représentés dans cette œuvre. Pour moi, cette histoire résonne vraiment comme une façon de se concentrer sur la recherche de ce qui nous fait peur afin de le vaincre et d'en tirer des leçons. Devenir l'ami de ces peurs pour que tu puisses vraiment être cette force intérieure pour toi-même.

Lorsque j'ai déménagé à New York, j'ai commencé à développer davantage une pratique d'atelier, et j'ai vraiment commencé à expérimenter avec des matériaux. J'ai soudain pris conscience des choses que je reconnaissais dans mon éducation, à savoir ce motif artisanal. La notion de mains et la façon dont on me rappelait comment le travail était fait au Mexique m'ont vraiment fait penser à des choses que je voulais étudier.

La perle est devenue un matériau très important dans mon travail, que j'utilise encore souvent. J'ai accumulé des perles pendant un certain temps, en essayant de comprendre comment l'accumulation construit vraiment une nouvelle façon de comprendre le temps et le processus. L'habillement est un aspect important de ma pratique, parce que j'ai l'impression qu'il vous donne vraiment une idée de qui vous êtes - la façon dont nous nous présentons aux foules, et à nous-mêmes, aussi. Je réfléchis à ce qui nous donne la force intérieure d'être cette personne que nous pensons être, ou que vous voulez devenir. J'ai commencé à utiliser des objets personnels, comme mes chaussures, pour dérouler ces moments de ma vie, à travers l'idée de l'adoration - comme prendre cette chaussure et l'accumuler avec ce matériau artisanal, la perle, pour que je puisse d'une certaine manière comprendre comment les choses changent lentement.

Lorsque je travaille dans mon atelier, je pense constamment à la façon dont ces objets peuvent réellement avoir un mouvement et une activation. Ces chaussures que je portais autrefois sont maintenant ces formations abstraites, presque naturelles, du temps. Beaucoup de gens disent que mon travail leur rappelle les récifs coralliens ou les bactéries qui poussent sur un objet.

Les matériaux que j'ai choisis ont tendance à être des choses facilement disponibles - en fait, juste ce qui se trouve devant moi. Et j'essaie de trouver un moyen de modifier sa relation avec ce que nous comprenons qu'il fait. Par exemple, faire un faux vitrail avec du papier et du ruban adhésif était un peu comme une fantaisie. C'est quelque chose qui vient d'une façon traditionnelle de voir les œuvres d'art représentées, comme le vitrail, mais évidemment avoir la qualité de production pour souffler le verre et couper le verre et utiliser l'acier nécessite vraiment une pratique d'atelier plus importante. Je pense donc que la façade et cette idée de faire semblant ont toujours été un autre aspect de ma façon de créer. Elle soutient son architecture et crée l'illusion. Pour moi, c'était une autre façon de réaliser que nous avons cet aspect en nous pour simplement regarder autour de nous et trouver ce qui est devant nous pour le réintroduire dans un nouveau langage.

Ma dernière exposition, Carnage Composition, qui s'est tenue à la Company Gallery en mai, porte sur cette idée de ce que j'appelle le livre d'heures. Il s'agit des heures que nous passons à essayer de réaliser ce qui se passe dans notre environnement et dans notre tête et à essayer de manifester cette notion abstraite. Dans l'exposition, il y a de la sculpture, des costumes, de la peinture, des installations, et il y a aussi une qualité performative, parce que je pense qu'en faisant l'expérience de ces expositions, on commence à réaliser que ces objets ont un lien avec le corps. Tu veux réfléchir à la façon dont ils ont été activés et à la raison pour laquelle ils sont immobiles.

La sculpture principale de l'exposition Carnage Composition s'intitule The Death of Every Days, et il s'agit d'un être humain/serpent en contraction avec cette architecture de fer. Cette œuvre a vraiment modifié ma façon de penser. Je pense que cela revient à l'idée qu'une source extérieure t'aide à réaliser une image plus grande. L'œuvre en métal a été conçue à partir d'une idée, mais j'ai cherché un fabricant pour m'aider à la mettre en place. C'est l'une des choses que la Joan Mitchell Fellowship m'a permis de faire, parce que je sais que j'ai autant d'argent pour expérimenter et améliorer ma pratique. Par exemple, tout n'a pas besoin d'être fait avec du papier et du ruban adhésif. C'est une bourse, et c'est un moyen de développer de nouvelles idées, mais aussi d'établir de nouvelles relations au-delà des projets en cours. Par exemple, maintenant, moi et l'ouvrier métallurgiste, on se dit : "Quand est-ce qu'on peut commencer un nouveau projet ?"

Je pense que ce travail a vraiment cet aspect d'où j'ai commencé et où je vais. Cette idée de construire à partir d'une chaussure pour ensuite créer une sculpture presque grandeur nature. Elle est toujours faite de perles, donc le noyau est ce matériau presque fragile, mais maintenant elle est suspendue à travers ces poutres d'acier qui créent cette nouvelle narration. C'est comme le mariage de deux choses qui ne devraient peut-être pas être ensemble, mais qui ont maintenant un sens.

Je pense que cette pièce parle d'évolution. J'ai travaillé dessus pendant presque deux ans et elle a eu une première itération. Elle était censée faire partie d'une exposition à l'ICA de Boston, où j'ai réalisé une série de sculptures qui ressemblent toutes à la métamorphose d'un cheval et d'un humain. Cette sculpture spécifique était la dernière sur laquelle je travaillais, et je savais que j'étais extrêmement ambitieuse avec sa taille et son poids. Elle n'a pas fait partie de l'exposition parce qu'elle a subi un accident pendant le transport entre l'atelier et le musée. Il s'est fissuré. Une fois qu'il a eu une fissure, je me suis dit, d'accord, mettons ce truc de côté et j'y penserai plus tard.

Alors pendant un certain temps, il est resté au fond de mon atelier, à prendre de la place. Mais c'était comme lorsqu'un accident ou une erreur se produit, tu apprends tellement de ces expériences, parce que c'est le moment où tu te dis : "qu'est-ce qui est arrivé à ceci qui me donne maintenant l'occasion de penser à la façon dont je peux réparer ce problème, ou en tirer des leçons ?" Pour moi, il ne s'agissait pas de réparer cette sculpture. Il s'agissait de voir ce qui se passerait si je la démontais entièrement. Cela m'a donc permis de comprendre cette évolution d'elle-même. Et je pense que c'est pour ça que même le titre, The Death of Every Days, c'est presque comme si, dans une action quotidienne, on apprenait quelque chose de nouveau, et parfois les choses résonnent plus longtemps que d'autres, mais ça te donne cette idée de t'en souvenir.

Je pense que les moments les plus difficiles que nous avons vécus sont ceux où nous avons le plus appris sur qui nous sommes en tant que personnes. On apprend à se connaître parfois davantage à travers les erreurs que l'on commet, parce qu'on ne veut pas revenir sans cesse à la même erreur, on veut aller de l'avant. Et je pense que c'est quelque chose que ma pratique artistique m'a toujours donné - cette relation de voir une image réelle de moi-même dans l'œuvre. C'est une prise de conscience constante d'apprendre quelque chose ici. Je pense donc que cette œuvre résume vraiment ce que je ressentais à travers cette nouvelle façon d'expérimenter la vie au cours des deux dernières années, avec COVID qui nous montre que les choses doivent changer. Que nous devons évoluer en tant qu'humains et trouver un nouveau plan.

Lorsque je fabrique des objets, j'essaie de construire un récit d'une manière ou d'une autre, mais sans que ce soit une chose concrète où les gens doivent voir exactement ce que je fais. Je pense que dans ma pratique, les gens font constamment référence à l'idée que ma culture se reflète dans mon travail. George, il y a ce motif presque religieux qui s'y rattache. Je pense que c'est parce que je suis liée à ces motifs d'utilisation de ces modes de pensée traditionnels et de création d'espaces sacrés à la fin.

La galerie est une expérience pour le spectateur. Elle te permet de voir ou de penser, peut-être, ce qui se passe dans l'esprit des artistes. Mais même à travers ton expérience de ces situations, c'est presque comme si tu étais aussi autorisé à raconter ta propre histoire de ce qui se passe. Quand je reviens en arrière et que je pense à St George, l'idée historique est très présente, mais j'ai pu raconter l'histoire dans un langage différent. Je pense donc que c'est quelque chose de très important pour moi de continuer à permettre aux autres de se connecter aux choses à leur manière, et de se trouver eux-mêmes dans n'importe quel aspect.

Interview et montage par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail de Raul de Nieves , clique ici.