Dans l'atelier : Mie Kongo

Mie Kongo est une artiste basée dans l'Illinois et lauréate de la bourse Joan Mitchell Fellowship en 2021. Nous l'avons interviewée sur son travail et ses processus d'atelier en mai 2022. Ce qui suit est une transcription éditée de cette conversation.

Mon travail se préoccupe principalement de la forme, de l'espace, de la composition, de l'équilibre et de la matérialité, et mes sculptures sont essentiellement des abstractions géométriques. En général, je commence une pièce de façon intuitive, puis je deviens plus délibérée une fois que je commence à voir la direction et à avoir plus de pensées et de sentiments que je veux communiquer à travers l'œuvre.

J'ai une "banque de fragments", qui est une collection de toutes sortes de fragments, de restes, de travaux en cours et de bricoles. Ma banque de fragments est constituée d'objets qui me plaisent mais qui n'ont pas encore été inclus dans une œuvre. Par exemple, il m'arrive de me rendre à l'atelier de meubles de mon ami pour récupérer des chutes de bois. Je choisis les morceaux de bois qui m'intéressent, en cherchant souvent spécifiquement des pièces bizarres. Je ne les utilise pas forcément tout de suite, mais je les garde sur mes étagères jusqu'à ce qu'une idée émerge. Lorsque je découpe un morceau de bois, je trouve souvent le morceau négatif aussi intéressant que le positif, et c'est ainsi que le morceau négatif devient le prochain point focal d'une œuvre.

Lorsque je travaille sur une pièce, j'essaie fréquemment de nombreuses combinaisons différentes de matériaux, de formes, de couleurs, etc. Au cours de ce processus, il se peut que je remarque quelque chose qui me plaît, mais qui ne fonctionne pas tout à fait avec l'œuvre, et qui devient alors une partie de la banque. Plus tard, je retire la pièce, et elle devient le début de quelque chose de nouveau. Je fais également attention aux formes accidentelles et aux combinaisons de matériaux, qui sont souvent créées lorsque je débarrasse ma table et mon plancher pour avoir plus d'espace de travail. Lorsque je nettoie, j'empile des matériaux sans réfléchir ; ces piles peuvent provoquer des idées, et j'essaie de ne pas les rater.

Après la conclusion d'une exposition, ou avant de commencer un nouveau groupe d'œuvres, je m'accorde ce que j'appelle un "temps de rassemblement" Je sors et je cherche de nouvelles idées, de nouveaux matériaux et de nouveaux fragments. Je fais des recherches sur les matériaux et j'expérimente dans mon atelier. Je lis des livres, des catalogues, des magazines, etc. et je regarde des instantanés du passé. Parfois, je navigue sans réfléchir sur Internet à la recherche d'inspiration ou je fais des dessins aléatoires dans Rhino qui seront potentiellement imprimés pour un travail futur. Ce temps est très important pour moi. En ce moment, je suis dans un "temps de rassemblement" alors que je travaille également sur plusieurs pièces non résolues et travaux en cours - des pièces qui n'ont pas pu être résolues par une date limite ou terminées avec certitude. Je trouve que parfois, faire une pause pendant un certain temps, puis revenir à la pièce, la retravailler sans la pression du temps, peut conduire à un résultat inattendu. En changeant une petite partie - la forme, la taille, la couleur ou la finition de la surface - ma pièce la moins appréciée peut soudainement se transformer en une pièce préférée, et j'apprécie énormément ce moment à chaque fois que cela se produit.

Mes influences artistiques et mes cadres de référence proviennent de nombreuses sources, notamment le minimalisme, divers types d'architecture, la poterie japonaise traditionnelle et mon éducation dans un temple bouddhiste. Je suis née au Japon et j'ai déménagé à Chicago il y a une trentaine d'années. Mon père, qui est décédé en 2020, était un prêtre bouddhiste, et j'ai grandi dans un temple. Pour être honnête, lorsque je grandissais, je n'appréciais pas vraiment l'environnement dans lequel je me trouvais. J'avais hâte de partir et de vivre quelque chose de complètement différent. Mais le fait de travailler l'argile et de fabriquer des objets en céramique aux États-Unis m'a donné l'occasion de regarder d'où je venais, et cela a changé la façon dont je me vois et dont je pense à moi-même, à mon pays et au monde. J'ai commencé à découvrir et à comprendre de plus en plus ce que mon éducation m'avait inculqué.

Au temple, j'étais entourée d'objets fabriqués avec soin et attention à partir de matériaux naturels, et j'ai appris à apprécier l'artisanat, à la fois en tant que processus et en tant que produit. Ce n'est pas pour rien que nous ressentons ce que nous ressentons lorsque nous nous trouvons dans un environnement rempli d'objets fabriqués avec un savoir-faire réfléchi, et c'est une expérience qui rend humble. Je trouve de nombreuses inspirations pour mon propre travail chaque fois que je rentre chez moi dans ce temple. Mon mari m'a dit que lorsqu'il a visité le temple il y a des années, il a vu les sources des objets que je fabrique - les formes, les proportions, les grilles, etc. Lorsqu'il a regardé la forme du toit du temple, il a pu voir la raison pour laquelle j'aime une courbe particulière et pourquoi je l'emploie à plusieurs reprises dans mon travail, consciemment ou inconsciemment.

J'utilise plusieurs matériaux dans mes sculptures, mais mon point focal est la porcelaine, et j'ai tendance à choisir des couleurs pour mes sculptures qui fonctionnent avec la couleur de la porcelaine, qui est blanche mais translucide et apparaît comme un blanc chaud en présence de lumière naturelle. Je choisis des couleurs autour d'elle pour donner une impression de légèreté parce que mes éléments en porcelaine sont en forme de boîte. En même temps, je considère la couleur comme un élément qui a pour effet de manipuler l'espace. Par exemple, j'utilise de la peinture acrylique en aérosol parce que la matité et la planéité de la peinture me plaisent. Elle crée une juxtaposition intéressante à côté de la profondeur translucide de la porcelaine. J'ai également expérimenté l'utilisation de la couleur pour obtenir un effet pictural à l'aide de pinceaux. Je veux maintenant que ma sculpture ait un aspect pictural qui offre une texture intéressante, un sens du mouvement, une profondeur et une planéité artificielles, la trace des mains. Je veux que les spectateurs regardent mon travail sans savoir immédiatement ce qu'ils regardent. J'espère que cette confusion initiale suscitera une demande de renseignements et incitera le public à rester et à regarder l'œuvre juste un peu plus longtemps.

Il m'arrive de réaliser une œuvre qui a une histoire derrière elle et qui lui donne son titre. L'une de ces œuvres récentes s'appelle Ponctuation. La ponctuation est une pièce de bois circulaire - dont j'ai peint les trois quarts en jaune avec des points vert clair, au pinceau - posée sur une pièce de bois de pommier trouvée, ainsi que sur une pièce de porcelaine cylindrique. Je l'ai accrochée au mur de mon atelier, et elle y est restée longtemps. Il y a eu de nombreux jours où je me suis assise sur une chaise et où j'ai regardé la pièce parce que je savais qu'elle avait besoin de quelque chose de plus.

Un jour, j'ai réalisé que la pièce circulaire me rappelait la lumière que ma famille avait l'habitude d'avoir dans la maison où j'ai grandi, au-dessus de la table à manger. Il s'agissait d'une lampe fluorescente circulaire avec un abat-jour en forme de boîte qui pendait du plafond, et il y avait une ficelle à tirer pour l'allumer et l'éteindre. Ce type de luminaire était couramment utilisé dans une pièce traditionnelle de tatami au Japon lorsque j'étais enfant, mais je crois qu'il est devenu obsolète aujourd'hui. Je me suis rendu compte de ce qui manquait à la pièce, et j'ai donc suspendu, à une ficelle de maçon, une sphère en bois que j'avais peinte en jaune avec des mouchetures blanches, roses et vertes.

J'ai réfléchi à l'action de tirer sur la ficelle, à la façon dont cette action délimite le temps et à la façon dont le son de la traction de la ficelle nous affecte psychologiquement. Après le coucher du soleil, nous tirons sur la ficelle pour allumer la lumière ; puis, après le dîner et nos activités nocturnes, nous tirons à nouveau sur la ficelle pour marquer la fin de la journée. L'action de tirer la ficelle revient à placer un signe de ponctuation dans notre vie quotidienne. En 2021, je ressentais quelque chose de très proche du mal du pays parce que je n'avais pas vu ma famille depuis presque deux ans à cause de la pandémie ; je pense que je me souvenais de ma maison au Japon pendant que je travaillais sur cette pièce.

Lorsque le semestre d'enseignement du printemps s'est terminé, j'ai commencé à améliorer mon atelier - nettoyer, réorganiser, construire de nouvelles étagères et une table, réparer les murs, etc. Je pense que ces améliorations m'aident à travailler plus confortablement et à créer plus d'espace mental. C'est comme un nouveau départ, dont je sens que j'ai besoin après avoir vécu la vie pandémique pendant plus de deux ans. Je suis prêt à changer d'environnement.

Il y a quelques nouvelles idées et expériences que j'ai hâte d'essayer cet été après mon retour de mon voyage tant attendu au Japon. Je suis en train de construire une plus grande table, par exemple, pour pouvoir rouler une plus grande plaque d'argile et construire à la main quelque chose de plus grand. Je réfléchis fréquemment aux nouveaux éléments que je pourrais introduire dans mes blocs de porcelaine, et j'ai eu envie de travailler l'argile plus souvent ces derniers temps. Je m'intéresse à l'incorporation d'éléments plats ou planaires pour créer des œuvres qui englobent l'espace. En ce moment, j'utilise le feutre de laine comme un matériau flexible qui fournit un élément linéaire, et je continue à chercher des matériaux que je peux utiliser comme éléments planaires dans ma sculpture.

Interview et montage par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail de Mie Kongo, consulte le site miekongo.com.