Dans l'atelier : Luis Tapia

Luis Tapia est un sculpteur chicano et l'un des bénéficiaires de la bourse Joan Mitchell Fellowshipen 2021. Nous l'avons interviewé sur son travail et sa pratique créative en juillet 2022. Ce qui suit est une transcription éditée de cette conversation.

Principalement, je me considère comme un sculpteur sur bois. Je m'appuie sur une base traditionnelle d'art hispanique dans le nord du Nouveau-Mexique, une tradition qui remonte à plusieurs centaines d'années. J'ai commencé par un format religieux, mais au fil du temps, j'ai développé des commentaires sociaux et politiques dans mon travail, tout en restant dans la tradition du passé.

Je fais beaucoup de recherches pour chacune de mes œuvres, quelle qu'elle soit. Quand j'étais plus jeune, je faisais des recherches sur la ligne religieuse. Je me suis rendu compte que beaucoup des saints que je faisais à l'époque étaient basés sur des situations politiques et des commentaires sociaux de leur époque. J'ai donc commencé à me demander pourquoi je n'actualiserais pas les choses, pourquoi je n'intégrerais pas ces situations à celles que nous vivons aujourd'hui, en me basant sur ce qui s'est passé dans le passé. Et maintenant, j'ai poussé l'idée un peu plus loin.

Tout récemment, j'ai réalisé une pièce intitulée Flight into the USA. Elle est basée sur la scène chrétienne catholique de Marie et Joseph fuyant en Égypte. J'ai donc réalisé cette pièce, qui met en scène trois personnes, et il est intéressant de noter qu'elles s'appellent Jesus, Maria et José, c'est-à-dire Jésus, Marie et Joseph. Ils traversent le Rio Grande, enfoncés jusqu'aux genoux dans la rivière. Ils sont donc aussi en train de fuir. Ils fuient leur pays pour se protéger, pour essayer de trouver un meilleur endroit où vivre, pour essayer de faire quelque chose de leur vie qu'ils n'ont pas pu faire là d'où ils venaient.

Il y a un million d'idées qui me passent par la tête en permanence. Tu vas dans la rue et quelque chose va te passer par la tête, ou si tu vois quelqu'un ou quelque chose, tu as une réaction. Alors ces choses s'accumulent dans mon esprit. Finalement, je commence à penser à une possibilité, à un chemin, pour développer cette image qui est dans ma tête. Comme je suis sculpteur, je travaille avec du bois. Je commence donc par une image, une image de base. Avec ce début, ça devient une conversation. Je ne sais pas vraiment comment la pièce va se terminer. Je ne sais pas comment le milieu va être à ce moment-là.

Quand je commence à travailler, je commence à développer cette relation avec la pièce. J'essaie de découvrir qui est cette personne. Je peux avoir l'idée de faire une pièce sur l'immigration, mais qui est cette personne ? Est-ce José ? A-t-il une moustache ? Est-il vieux ? Est-il jeune ? Qui est-il ? Quel est son signe ? Au fur et à mesure que je travaille sur l'œuvre, ce qui peut prendre jusqu'à trois mois, je développe cette relation pour finaliser ce processus.

J'aime aussi mettre beaucoup d'humour dans mon travail. Je pense que l'humour, c'est inattendu dans l'art en quelque sorte. Les gens ne s'attendent pas à sourire ou à rire. L'art est beau et les gens s'y plongent profondément, c'est sincère et c'est mental. Cela vous emmène aussi mentalement dans des zones plus profondes, mais quand il y a un peu d'humour, cela ouvre votre cœur un peu plus. J'aime exprimer cela. Personnellement, j'aime me considérer comme un gars plein d'humour. J'aime rire. J'aime sourire. Même si nous sommes confrontés à beaucoup de problèmes dans ce monde aujourd'hui, qui essaient de m'enlever ça, mais j'essaie toujours de garder le dessus sur ça.

Il y a une pièce que je viens de terminer, il y a peut-être trois semaines, où l'humour ressort, mais c'est aussi une pièce tragique. Elle s'intitule "Hommage à une bonne bouteille de tequila avec un chaser de bière" Il faudrait que tu le regardes et que tu vois ce que tu en penses à la fin. Je ne parle pas de mon travail en profondeur, comme pour expliquer exactement tout ce qu'il y a dedans, parce que j'aime que le spectateur trouve cela. Qu'il étudie l'œuvre. Qu'il voie ce qu'il peut trouver dans l'œuvre, pour qu'il puisse avoir une conversation avec elle.

J'essaie de consacrer au moins cinq heures par jour aux ateliers, et ce, sept jours sur sept. C'est ce que je fais depuis un certain nombre d'années. Quand j'étais plus jeune, c'était 24 heures sur 24, 7 jours sur 7. Maintenant, ma concentration sur mon travail physique est de cinq heures et je me la donne tous les jours. Si je n'ai pas cela, je deviens un peu nerveux, parce que je le fais depuis si longtemps. Pendant ces cinq heures, je suis très concentré sur ce que j'ai à faire. Cela ne veut pas dire que je ne pense pas à l'art le reste de la journée. J'y pense. Je pense toujours à l'art. Par exemple, pas en ce moment, mais ce matin, je rentrais dans l'atelier et je réfléchissais à la façon dont j'allais aborder un problème spécifique que je rencontrais avec l'œuvre. C'est donc constamment dans mon esprit, mais physiquement, j'ai un délai de cinq heures.

En tant que sculpteur sur bois, j'utilise tout, des tronçonneuses aux outils manuels, en passant par la scie à table et la scie à ruban. Je veux dire, tout. Quand tu es sculpteur sur bois, tu es un accumulateur d'outils. Tu ne peux pas t'en empêcher. C'est comme ça.

La couleur dans mon travail, encore une fois, renvoie aux aspects traditionnels de la sculpture santo, qui date bien sûr d'environ 400 ans. À l'origine, lorsque j'ai commencé à travailler sur ces images, les pièces que j'utilisais comme exemples, les pièces traditionnelles, étaient très sombres. On pouvait voir qu'il y avait de la couleur, mais elles étaient très sombres. Mais je regardais des pièces vieilles de quelques centaines d'années.

Je me suis rendu compte que les pièces originales, sous les vernis qui avaient terni à cause de la fumée et d'autres raisons, avaient des couleurs vives. Pour moi, c'est devenu comme une célébration, parce que je travaillais aussi avec des images religieuses à cette époque. Je voulais que ma religion, mon expression de la religion, soit une célébration. J'ai donc commencé à éclaircir mes couleurs de plus en plus. J'ai continué à utiliser l'acrylique, mais j'utilise les couleurs les plus vives possibles.

Il y a des années, j'ai essayé d'enseigner, et c'était assez épanouissant, mais c'était aussi difficile parce que cela affectait mon travail. Je ne pouvais pas travailler parce que l'énergie que je donnais à l'enseignement empiétait sur mon travail. Maintenant, j'espère que mon influence s'exerce sur mon travail. Je me concentre sur mon imagerie, et pas seulement sur les images, mais aussi sur l'exécution du travail. Je pense que j'ai influencé beaucoup d'artistes et qu'au fil des ans, j'ai changé l'idée de la tradition de la culture dans laquelle j'ai été élevé. Je pense qu'il y a une place pour le travail traditionnel, mais il y a aussi une place pour l'expansion, et il y a une place pour plus de conversation et pour l'ouvrir davantage. Je pense que les jeunes réagissent à cela en ce moment et je vois de plus en plus de gens se tourner vers le type de travail que je fais aujourd'hui.

Interview et montage par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail de Luis Tapia, visite le site luistapia.com.