Dans l'atelier : Kambui Olujimi

Kambui Olujimi est un artiste basé à Brooklyn et l'un des bénéficiaires de la bourse Joan Mitchell Fellowshipen 2021. Nous l'avons interviewé sur son travail et sa pratique créative en juillet 2022. Ce qui suit est une transcription éditée de cette conversation.

Mon travail est basé sur des projets. Il y a donc une idée ou un concept qui m'intéresse, puis le projet qui en découle prend généralement beaucoup de voies différentes. Une grande partie de mon travail consiste à écouter. Je commence à explorer des idées, puis j'écoute quel est le meilleur moyen d'exprimer ces idées. Pour moi, le contenu est la première chose à faire. C'est ce qui me guide.

Par exemple, Zulu Time était un projet qui examinait le temps comme une projection de pouvoir, et j'ai juste été pris par la façon dont nous marchons et croyons, non seulement au temps, mais à cette notion de temps universel coordonné. La curiosité de la vie réelle m'a conduit dans ce trou de lapin, et l'exposition et le projet qui en ont résulté étaient une série de sculptures comprenant du verre, du tissu, de l'assemblage et une installation complète.

Il y a quelques années, j'ai réalisé un projet intitulé Wayward North, qui portait sur l'intimité de la communication. Il explorait la façon dont les récits sont diffusés sur de longues distances. Je regardais le ciel et je pensais à la navigation céleste. Les peuples anciens utilisaient les étoiles pour voyager, mais ils ont aussi créé des histoires sur les cieux. Ces histoires ont conduit à la création de constellations qui avaient de nombreuses utilisations, comme la cartographie agricole ou le chronométrage des saisons. Lorsque cette constellation se lève dans le ciel, nous savons qu'il est temps de récolter. Les constellations sont aussi un moyen d'avoir des conversations à distance. Si tu es à l'autre bout du pays ou sur une île, dans le ciel, nous avons ce pont narratif.

Le projet Wayward North est né de mon désir d'être en contact avec des gens que j'aimais, qui étaient loin et voyageaient en haute mer. En écoutant cela comme point de départ, je me suis dit : " Oh, les constellations. Des cartes d'étoiles. De grandes cartes d'étoiles habitables." Et à partir de là, j'ai pensé au marbre et au bronze, bien sûr (rire). Mais ces matériaux n'ont en fait aucune flexibilité, et ils ne fonctionnent pas de la même manière qu'une esthétique migratoire. C'est statique, ce n'est pas agile. C'est institutionnel. Si tu bouges, si tu es en mouvement, il faut que ce soit quelque chose de transportable, mais de beau. Et c'est ainsi que je me suis tournée vers le tissu et le quilting pour la colonne vertébrale du projet.

La courtepointe, c'est le rassemblement de communautés, mais c'est un langage abstrait et une communication à distance. Je prends ton uniforme de l'armée, le tablier de mon oncle, et tu prends ces morceaux pour en faire une courtepointe. Les récits sont alors intégrés dans chaque morceau de tissu, qui est ensuite divisé et partagé au fur et à mesure que chaque quilt se déplace dans le monde. C'est ainsi que j'en suis venue à réaliser ces tapisseries matelassées de 20 pieds de long. C'est ainsi que le concept définit le processus.

En ce moment, je suis en résidence à Yaddo et je travaille sur un projet pour la Biennale de Sharjah, SB15, qui aura lieu en février 2023. J'expérimente différentes techniques qui font le pont entre les tirages photographiques et les aquarelles de peinture et les jeux d'encre. C'est vraiment nouveau, et cela implique aussi des éléments de collage. J'effectue actuellement des recherches sur les différents personnages et métamorphes. Je cherche des gens qui fonctionnent d'une manière qui perturbe l'imaginaire de la colonisation.

En plus de la Biennale de Sharjah, j'ai un projet solo avec Susanne Vielmetter à Los Angeles au printemps prochain. Pour ce projet, je termine la dernière partie d'une collection de dix ans d'œuvres explorant les marathons de danse des années 20 et 30. Ces marathons me fascinent vraiment. Ils ont commencé à une époque d'opulence, dans les années 1920, et vous avez tous ces adolescents qui dansent ensemble, ce qui est salace. Ils faisaient partie de la contre-culture des jeunes, et ils portaient sur la capacité et le défi de ses propres limites et des limites d'un corps. Les gagnants de ces concours dansaient pendant 60 à 80 heures d'affilée.

La danse prend vraiment son essor dans les années 1930, et devient beaucoup moins axée sur la danse et exige simplement un mouvement perpétuel. Tout cela se déroulait dans cet espace de voyeurisme où tu pouvais regarder quelqu'un danser 24 heures sur 24, sept jours sur sept, pendant des mois. Ils se rasaient, se faisaient coiffer, dormaient sur la piste de danse et leur partenaire les traînait partout. Il y avait des épreuves éliminatoires où ils devaient courir sur des haies, après des mois de danse, et ils étaient physiquement épuisés. C'est donc un endroit à la fois grotesque et magique. C'est mythique, épouvantable et absurde. C'est juste un bagel de manie psychique et d'exaltation.

Donc d'un côté, tu regardes les luttes des gens comme un divertissement, ce qui est une marque de fabrique du divertissement américain. Et d'un autre côté, tu as des femmes blanches qui peuvent voyager de façon indépendante, sans chaperon ni intérêt romantique, à travers le pays. C'est un espace vraiment complexe. Et c'est un espace très blanc-américain. Je cherchais un parallèle afro-américain ou noir, parce qu'il y avait une ségrégation véhémente. Mais je n'en ai pas trouvé, et il y a deux raisons pour lesquelles je pensais que c'était le cas. La première, c'est qu'être Noir dans l'Amérique des années 1930 était un concours d'endurance en soi. Ensuite, le rapport à la danse dans la diaspora africaine est radicalement différent.

Comme je l'ai dit, je travaille sur ce travail lié au marathon de danse depuis plus d'une décennie, et il a pris la forme de peintures, de sérigraphies, de vidéos, de sculptures à grande échelle et de photographies à longue exposition. En plus de tout ce que j'ai mentionné précédemment, je pense que ce qui est vraiment intéressant pour moi dans ce spectacle, c'est que tu es couplé à un autre corps pendant cinq ou six mois. Une fois que nous sommes nés, il est rare que quelqu'un soit pressé contre nous tous les jours, que quelqu'un soit dans nos bras tous les jours, à chaque instant où nous sommes éveillés. Je m'intéresse donc vraiment à ces deux corps qui deviennent singuliers. Ces idées sur les limites mouvantes d'un corps sont un fil conducteur dans mon travail.

North Star est un autre projet sur lequel je travaille en ce moment pour l'automne prochain. Je m'intéresse à l'idée de reconsidérer la noirceur dans l'art occidental et contemporain, et de penser à l'absence de limites et à l'apesanteur comme métaphore de l'absence de gravité de l'oppression.

Avec le soutien d'une bourse de la Fondation Andrew Mellon, j'ai récemment affrété un vol en parabole. J'ai emmené un groupe de participants sur ce vol qui effectue une série de manœuvres de parabole, permettant aux passagers de faire l'expérience de l'apesanteur. Nous sommes restés en apesanteur pendant près de 8 minutes au total.

Il y a donc la métaphore, l'espace prépositionnel de ce projet, et puis il y a l'espace expérientiel réel du projet. Aujourd'hui encore, je suis en train de traiter cette expérience de l'apesanteur pour moi-même et dans mon corps. Cette expérience a été extrêmement transformatrice et je suis encore en train de la digérer, même si elle s'est déroulée il y a trois mois. Je prends le temps d'écouter ce que l'expérience me dit de créer. Je suis impatiente de voir où cela me mènera.

Interview et montage par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail de Kambui Olujimi , clique ici.