Dans l'atelier : Juvana Soliven

Juvana Soliven est une artiste visuelle et une éducatrice d'Honolulu, Hawaiʻi, et une Joan Mitchell Fellow de 2025. Nous l'avons interviewée sur son travail et sa pratique créative en février 2026. Ce qui suit est une transcription éditée de cette conversation.

Je travaille sur des thèmes qui ont à voir avec l'autonomie corporelle, l'intimité, la position des femmes et les droits de l'homme à travers un objectif artisanal. Beaucoup des objets que je fabrique sont des amalgames de formes du corps censuré, d'instruments médicaux, d'armes, d'ornements et de pièges. J'utilise largement le censeur pixelisé dans mon travail et je l'interroge à travers l'ennui des pratiques artisanales - perlage, tissage, artisanat du papier, métallurgie, émaillage et couture - comme une méditation sur le travail, la protection et le travail sans fin nécessaire pour se battre pour ce qui nous appartient.

Dans une grande partie de mon travail, je me suis investie dans les processus artisanaux en raison de la façon dont l'artisanat, historiquement, a été en quelque sorte méprisé ou considéré comme un travail artisanal de moindre valeur que l'art. J'ai des amis qui n'aiment pas l'étiquette "artisanat", parce qu'elle la sépare trop de l'art. Mais je suis intéressée par l'utilisation du langage de l'artisanat en raison de la façon dont il fait appel à la communauté, alors que les pratiques " artistiques " peuvent être plus investies dans l'idée de cet artiste génial solitaire qui fait naître quelque chose en son sein. Je pense que l'artisanat a cette capacité de s'appuyer sur la communauté et de ne pas se contenter de regarder vers l'intérieur. Et c'est quelque chose qui me tient vraiment à cœur - cette idée d'un savoir hérité qui est informé par les gens autour de vous. Pour moi, c'est une sorte d'héritage qui repose sur le travail des femmes et des personnes de couleur.

Quand je pense à l'histoire des processus artisanaux, je pense à ma grand-mère maternelle, qui m'a appris à coudre. Mes grands-mères des deux côtés étaient des couturières, elles étaient donc des soignantes pour nos familles - des personnes qui réparaient les choses. Dans les différentes pratiques artisanales que je pratique, le raccommodage et le soin sont toujours présents. Cela demande du temps et de l'attention, et tu ne peux pas t'empêcher de nourrir le processus. Lorsque je retire des formes de mon travail, que je tisse et que je travaille des objets à la main, je pense à l'histoire de la fabrication et à l'histoire des objets, et à la façon dont ils peuvent être re-présentés par le biais de différentes significations matérielles.

Je n'ai pas de moyen ou de méthode fixe pour commencer à travailler sur un projet. Et je pense que ce qui est bien dans l'artisanat - qu'il s'agisse de la métallurgie, du perlage ou du travail du verre, que j'explore en ce moment - c'est la lenteur. Le fait d'avoir les mains dans le travail est vraiment important parce que cela me permet de construire intuitivement. Je peux prendre le temps de voir où cela mène.

Parfois, l'œuvre n'est pas complètement développée dans ma tête lorsque je commence à travailler, mais à mesure que je vois ce que je fais, je peux réagir et improviser. Une pièce intitulée Control, récemment acquise par le Williams College Museum of Art, s'est en quelque sorte imposée d'elle-même de cette façon. Je savais que je voulais faire un corps abstrait qui ressemblait presque à une peau écorchée, quelque chose qui représentait une sorte de rupture, mais je ne savais pas exactement comment jusqu'à ce que je commence à le faire. Il s'agit d'une pièce corporelle abstraite en perles et en filet que j'ai commencé à coudre, en cousant ces formes pixellisées dans un motif en forme de grille, puis en l'élargissant pour obtenir un motif plus en filet. Je pense que le fait de pouvoir le voir de près pendant que je travaillais dessus, de pouvoir l'accrocher et de voir comment la gravité s'en emparait, m'a dicté les prochaines étapes possibles. Grâce à la lenteur du processus de perlage, j'ai pu prendre du recul, ajuster, réajuster, ajouter des éléments ici et là jusqu'à ce que je sente qu'il était terminé. Et cela a demandé des mois de travail - pendant que je le fabriquais, je me disais : "Oh mon Dieu, pourquoi est-ce que je m'inflige ça ? Ça ne sera jamais fini" Mais tout au long de ce lent processus, chaque fois que je perle un gros projet, je me dis : " Bon, c'est quelque chose qui va prendre une éternité, mais je m'y engage et je suis en train de le faire. Et à ce stade, je dois voir ce que ça va donner."

Cette pièce, intitulée Control, a été réalisée en réponse à l'annulation par la Cour suprême des États-Unis de l'arrêt Roe v. Wade en 2022. Le contrôle de notre autonomie corporelle, de nos droits vers l'autodétermination, de notre expression de genre, de nos récits - le contrôle de ce qui est intrinsèquement nôtre est attaqué. La censure, tout comme nos corps, nos relations et nos genres, peut être utilisée comme une arme. Elle a à la fois le pouvoir de protéger la vie privée et l'humanité des personnes vulnérables et le pouvoir de rendre pervers et profane ce qui ne devrait pas l'être.

Dernièrement, j'ai travaillé sur le verre fusionné, ce qui est une nouvelle aventure pour moi. Je suis reconnaissante à la Joan Mitchell Fellowship pour cette nouvelle exploration, car la bourse a payé les cours que j'ai suivis en verre. Avant de commencer ce travail en verre fusionné, j'avais déjà beaucoup tissé avec des perles de verre pour créer ces objets censurés pixellisés. Les perles de verre sont minuscules, elles sont donc comme des pixels dans des pixels dans des pixels. Je voulais commencer à travailler avec du verre fusionné pour créer des formes pixellisées plus grandes, afin d'explorer l'espace et l'installation - en élargissant vraiment ma pratique, qui était axée sur les objets, à un espace plus expansif. Avec le verre, je travaille également avec la transparence et la lumière comme autres facteurs avec lesquels jouer. Cette nouvelle œuvre fera partie d'une installation dans un espace d'art à Hawaï appelé Aupuni Space, qui sera ouvert de juin à juillet.

Même si je me suis aventurée dans la fusion du verre, j'aime toujours le perlage et le travail du métal, et j'intègre également ces processus dans ma pratique. J'ai une exposition qui s'ouvre en mai à l'Art League Houston et qui comprendra beaucoup d'œuvres plus anciennes et de nouvelles pièces qui sont en conversation les unes avec les autres, parce qu'elles ont beaucoup à voir avec l'autonomie corporelle, en particulier la position des femmes dans la société patriarcale, et la façon dont nous naviguons dans l'espace.

Les pratiques artistiques m'ont donné un langage que je peux utiliser pour aider les autres à communiquer leurs vérités. Je ne pense pas que la communication verbale soit toujours adéquate, et certains des thèmes sur lesquels je travaille sont vraiment difficiles à aborder, surtout en ce qui concerne l'histoire du contrôle du corps des femmes et la violence patriarcale à laquelle les gens sont confrontés. Je pense que les thèmes de mon art pourraient être plus accessibles en regardant quelque chose avec de la beauté et des détails, quelque chose qui vous séduit suffisamment pour commencer à comprendre et à questionner le sens derrière la forme, pour ouvrir d'autres lignes de dialogue. Et c'est après que vient la répulsion. Les gens me disent souvent : "C'est tellement beau, et c'est succulent, mais en plus mon corps ressent une douleur en regardant ça."

Même si quelqu'un s'énerve et est bouleversé par mon travail, cela donne aussi l'impression d'une réussite, que ce n'était pas une expérience passive. Même si tu es ému par la colère en regardant mon travail, je suis d'accord avec ça. Cela me donne l'impression que le langage que j'utilise dans mon travail est efficace.

L'une des motivations derrière le travail que je fais dans mon cabinet est de pouvoir revenir dans la communauté avec quelque chose à offrir. À Hawaiʻi, nous nous plaignons de cette fuite des cerveaux, de cette attraction vers les côtes des États-Unis pour y trouver plus d'opportunités. Tant de gens brillants ressentent le besoin de partir pour réussir, et quand je les vois en visite, ils sont affamés de la communauté qu'ils ont quittée, mais ne savent pas s'il est possible d'y revenir.

J'ai eu la chance d'avoir un bon mentorat dans ma communauté, alors j'ai fait des études supérieures avec l'idée que je devais quitter Hawaiʻi pour revenir chez moi plus épanouie, avec quelque chose à offrir en retour à la communauté qui m'a nourrie. Grâce à l'enseignement et à ma propre pratique en atelier, je peux être un exemple pour les jeunes d'ici. La représentation est importante, et il est difficile de donner l'impression qu'elle l'est lorsque les personnes qui occupent des postes susceptibles de changer le cours de votre vie ne sont pas du tout issues de votre vie et ne résonnent pas avec vous.

Il y a peut-être cinq ans, j'ai embauché deux de mes anciens étudiants - deux jeunes femmes philippines - pour les aider dans mon atelier à l'occasion d'une exposition à venir. Je pense que le fait de voir que j'étais capable de fournir du travail à ces artistes qui auparavant n'étaient pas payés pour une grande partie de leur travail a été quelque chose qui leur a donné du pouvoir. L'une des femmes que j'ai amenées à travailler avec moi m'a dit que le fait de me voir faire des études supérieures - quelqu'un dont la famille a la même histoire d'immigration et les mêmes apprentissages culturels - était comme la preuve vivante qu'elle pouvait aussi exister dans ce monde de la même façon qu'elle. Cela signifiait encore plus que son travail était apprécié par quelqu'un qui lui ressemblait. C'est quelque chose qui me motive absolument à continuer d'exister de cette façon et à poursuivre mon expansion. Me montrer à moi-même dans mon atelier, c'est me montrer aux autres aussi.

Interview et montage par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail de Juvana Soliven, consulte le site juvanasoliven.com.