Dans l'atelier : Emily Gherard

Emily Gherard est une artiste basée à Seattle et lauréate de la bourse Joan Mitchell Fellowship en 2021. Nous l'avons interviewée sur son travail et ses processus d'atelier en mai 2022. Ce qui suit est une transcription éditée de cette conversation.

Mon corpus actuel se compose de grands dessins et de sculptures murales - des structures monolithiques, parfois géométriques, qui sont des substituts de la figure humaine. Elles ont tendance à être construites à partir de l'accumulation de marques, de petits morceaux de bois agrafés ensemble ou de blocs de plâtre.

Les formes que je construis sont généralement basées sur des peintures de personnages historiques. Je m'inspire des postures des personnages et je les associe à la narration originale de l'œuvre historique. En y repensant, j'ai commencé très tôt à m'inspirer d'images historiques. J'aime étudier une œuvre et essayer de la comprendre en la réalisant. Je pense qu'il y a aussi cette distance temporelle qui fait qu'il est plus facile pour moi de trouver mon propre récit dans ce passé.

Mon travail est complètement abstrait, donc le matériel source n'est pas apparent, mais je suis intéressée par l'idée que ces œuvres historiques que j'aime sont plus que la somme de leurs parties. Peux-tu ressentir le contenu émotionnel original sans ces récits évidents ? Sans le personnage ? Y a-t-il quelque chose dans ce que j'appelle l'ADN de mon travail qui est apparent malgré le fait que l'œuvre soit assez abstraite ?

L'œuvre à partir de laquelle je travaille actuellement est une gravure de Käthe Kollwitz, intitulée The Mothers. Elle représente cinq femmes avec leurs enfants. J'adore le travail de Kollwitz et je m'en inspire depuis des années. Elle a réalisé cette série à plusieurs reprises par le biais de dessins, de gravures et de sculptures.

Dans cette version particulière, chaque personnage est dessiné dans un style complètement différent. Tu as une mère qui est construite à partir de ces petites lignes qui se fondent dans l'arrière-plan, une autre mère qui ressemble presque à un bloc de bois où elle est juste désespérée et les marques sont vraiment brutes. Il y a une figure qui est accroupie et qui se dissout et est séparée par la création de marques. Il s'agit d'un mur de figures et chacune est radicalement différente, ce qui s'exprime par le style des marques. Ce qui m'a toujours attiré dans le travail de Kollwitz, c'est sa capacité à lier les marques et le toucher au contenu. C'est très évident dans cette œuvre.

Dans mon propre travail, je cherche toujours un moyen de relier le contenu au processus. Je développe non seulement les matériaux utilisés, mais aussi le processus d'élaboration de ces matériaux, et je les relie au contenu. Je suis donc impatiente de voir comment je peux m'inspirer de ses œuvres en utilisant différentes combinaisons de matériaux pour créer les différentes figures de son œuvre - en reliant la façon dont elle dépeint chaque figure à mes propres expériences de la maternité.

Je pense que lorsque tu travailles avec tes mains, l'œuvre s'étend et s'étend et s'étend. Quand je travaille avec le plâtre, il a vraiment son propre contenu et ces idées se retrouvent dans l'œuvre. Je commence donc avec l'idée "Ok, je travaille sur cette pièce de Käthe Kollwitz et je m'en inspire", mais j'arrive à un endroit où je travaille simplement avec mes mains et où je construis des formes et des structures et ma propre narration peut en ressortir.

Il y a six ans, je me suis éloignée de la peinture à l'huile traditionnelle avec la naissance de ma fille, projetant naïvement de travailler avec elle dans l'atelier. Bien que ce projet n'ait jamais abouti, il a marqué le début de mes expériences approfondies avec les matériaux. Ma pratique de l'atelier s'est transformée du jour au lendemain, passant d'un médium lent et déterminé à une curiosité d'essayer et d'utiliser n'importe quoi. Une fois que j'ai fait cela, tout a commencé à affluer. Par exemple, j'expérimentais le plâtre depuis 20 ans, mais dans le cadre d'un projet secondaire. Ce n'était tout simplement pas au premier plan de ma pratique en atelier jusqu'à la naissance de ma fille. Ces deux choses se sont produites en tandem pour moi, ce qui nous ramène à la gravure de Käthe Kollwitz. Chacune de ces figures est dessinée différemment et cela dit quelque chose sur la figure. J'y associe mes propres expériences de la maternité, parce que pour moi, cette expérimentation des matériaux et cette exploration de tous ces styles sont très liées au fait de devenir parent.

Ces dernières années, j'ai combiné la gravure, le plâtre et le bois. Je crée des moules en plâtre à partir de plaques de gravure. Les plaques portent une image. Elles sont encrées et essuyées, puis du plâtre humide y est versé. Et lorsque le plâtre durcit, l'image est transférée. En 2020, j'ai organisé une exposition de ces grandes pièces en plâtre sur lesquelles je travaillais depuis plusieurs années. À la fin de cette exposition, il restait encore beaucoup de choses sur la table. Les structures de cèdre qui sont les structures de soutien au sein de l'œuvre en plâtre ont commencé à jouer un rôle plus important au sein de cette série.

Lorsque j'incorpore du cèdre dans le plâtre, les tanins - la tache brune du cèdre - transparaissent et créent ce dessin fantomatique. Ainsi, tu regardes le morceau de plâtre et il porte sa propre image, mais tu peux aussi voir la structure qui y est incorporée. Cette métaphore de la surface et de la structure qui s'infiltre à l'intérieur est devenue importante. À la fin de cette exposition, j'ai voulu pousser le cèdre plus loin. J'avais un atelier rempli de chutes de bois provenant de la plâtrerie. J'ai commencé à découper ces morceaux de cèdre et à faire des peintures avec beaucoup de marques courtes et répétitives qui sont des blocs de bois peints agrafés ensemble. J'ai donc commencé à construire des structures en bois dans l'idée de pouvoir revenir et les combiner avec les pièces en plâtre.

On décrit souvent mon travail comme étant "monochromatique" ou utilisant une "palette limitée". Bien que cela donne probablement une description visuelle exacte, la couleur est très importante pour moi. Je l'utilise simplement d'une manière plus discrète. Je compare mon utilisation de la couleur à une conversation. Certaines personnes entrent dans une pièce et disent "bonjour" à tout le monde. D'autres trouvent une personne et passent la nuit à ne parler qu'à elle. Je suis cette dernière personne.

J'aime arriver à cet endroit d'une pièce où je peux commencer à avoir une conversation plus calme - où la différence entre un gris chaud et un gris froid a de l'importance et semble délibérée. Par exemple, pour de nombreuses grandes pièces en plâtre, j'ai découvert que si je dessinais sur le plâtre chaud dès sa sortie du moule avec un crayon Stabilo blanc (un crayon gras), les lignes se fondaient dans le plâtre et en modifiaient l'éclat, créant des lignes fantômes visibles lorsque l'on passait devant la pièce.

Souvent, au début d'une œuvre peinte, j'utilise une palette lumineuse et vibrante. Quelques œuvres restent ainsi ; la plupart deviennent plus subtiles, plus neutres au fur et à mesure que je continue à travailler dessus. J'aime le moment où mes yeux s'adaptent à l'œuvre, où ils voient les légers changements de température. Le reste du monde, dans mon paysage typiquement gris du nord-ouest, semble alors en technicolor. Je me sens toujours comme une éponge et j'adore ce moment. Je regarde tout ce qu'il y a autour et je le ramène dans l'atelier.

Interview et montage par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail d'Emily Gherard, consulte le site gherard.com.