Dans l'atelier : Bob Dilworth

Bob Dilworth, un Joan Mitchell Fellow de 2025, est un artiste originaire de Virginie qui vit aujourd'hui à Rhode Island. Nous l'avons interviewé sur son travail et sa pratique créative en mars 2026.

Ce qui compte le plus pour moi, ce sont mes communautés de famille et d'amis, à la fois dans ma ville natale de Lawrenceville, en Virginie, et dans ma maison actuelle à Rhode Island. Je veux raconter leurs histoires, décrire les conditions de leur vie, expliquer ma préoccupation pour mon passé sudiste alors qu'il s'accorde avec ma vie actuelle dans le Nord. Je cherche un terrain sur lequel créer une vision artistique qui rassemble les deux lieux, à la fois réels et spirituels, et réfléchir à la distance que j'ai parcourue depuis ces premières années jusqu'à aujourd'hui.

Alors que ma pratique recherche des souvenirs de temps et de lieux, je me demande ce que cela signifie d'être un artiste noir aujourd'hui Au milieu des difficultés de notre époque - le chaos dangereux et fermentant qui cherche à dépouiller les membres de ma communauté de leurs droits constitutionnels et de leur histoire ancestrale - mon travail a pris une nouvelle signification, ce qui le rend plus urgent que jamais. Mon travail porte sur la façon de rechercher l'humanité en chacun de nous, d'analyser ce qui existe en nous. Je veux qu'il agisse comme un marqueur pour aider le spectateur à réimaginer un avenir inconnu.

La première œuvre d'art dont je me souvienne et qui m'a vraiment fait comprendre le pouvoir de la peinture est une pièce de John Biggers. Il s'agissait d'une œuvre appartenant à sa série "Shotgun". Il y racontait une histoire américaine du point de vue d'un Noir du Sud. Cette œuvre a trouvé un écho non seulement parce que je suis originaire du Sud, ou que j'ai grandi dans des quartiers où se trouvaient ces maisons "shotgun", ou que les femmes représentées ressemblaient aux femmes de mon quartier, mais aussi parce qu'elle racontait une histoire profonde d'une manière profonde par le biais de l'art de la peinture. Moi aussi, je voulais raconter des histoires américaines tirées de l'expérience de personnes fortes d'esprit, courageuses et déterminées. Je voulais raconter des histoires uniques qui me donnaient l'occasion de réexaminer ma communauté de jeunes et de vieux, de Noirs, d'indigènes, de Bruns, d'Asiatiques, de LGBTQ+ - les nombreux artistes de couleur et d'identités ethniques qui ont fait le voyage avec moi alors qu'ensemble, nous luttons pour l'inclusion, l'équité et l'accès.

En ces temps où l'empathie est taxée de faiblesse, où la gentillesse est diabolisée et où s'occuper des marginaux est considéré comme imprudent, la nostalgie devient un lieu sûr, protégé et nécessaire pour façonner et faire avancer notre destin. La nostalgie est un lieu de récupération. Lorsque je repense à mon enfance dans le quartier de Mayfield à Lawrenceville, je me rends compte que j'ai joué un tout petit rôle pendant un moment bref et éphémère dans un endroit qui est bon pour toujours. Ce n'est pas exactement le paradis, mais c'est un endroit qui nous a permis de grandir et de planifier l'avenir. Et pour tous les jeunes Noirs qui ont grandi là-bas à cette époque, c'était spécial. La ville existe toujours, mais la culture, les gens et l'esprit de cette époque ont disparu depuis longtemps, sauf dans le domaine de la nostalgie.

En examinant la prochaine phase de ma pratique, je veux inspirer ma communauté - utiliser les idées de résilience, de restauration, de souvenir et de préservation pour raconter des histoires de triomphe et d'échec, de spiritualité et de beauté. L'idée de communauté - des gens qui partagent les mêmes intérêts, les mêmes expériences (bonnes et mauvaises, ratées et réussies) - est devenue très importante pendant l'épidémie de COVID-19. Ma propre communauté a été durement touchée par les effets psychiques et matériels dévastateurs de la pandémie. Je commence par là parce que c'était une période où les artistes avaient le plus besoin les uns des autres et où la société dans son ensemble avait le plus besoin d'eux pour aider à définir et à donner un sens à ce moment. Beaucoup sont encore en train de reconstruire leur vie, alors que leur travail s'avère être un outil nécessaire à la guérison.

Je pense que ce qui en est ressorti, ce sont des lieux sûrs pour travailler et pratiquer l'activisme créatif, pour partager des idées et pour sonder les défis et les réussites. L'art public, les coopératives d'art, l'entraide, les ateliers ouverts, les galeries pop-up et les groupes de soutien aux artistes - autrefois inexistants - ont prospéré et sont devenus des catalyseurs créatifs pour l'équité sociale et l'action.

Alors qu'une nouvelle crise nous confronte aujourd'hui, les artistes ont encore plus besoin de s'unir à leur communauté et à leurs alliés pour défendre la vérité et l'équité. Mon travail est dédié à l'élévation des histoires et des traditions qui permettent une vision directe, droite et sérieuse de notre monde.

Ma famille est au centre de mes peintures. Mais il peut s'agir de n'importe quelle famille. Dans The Field, ma mère, la figure dominante en blanc, penchée en arrière et discutant nonchalamment avec mon frère, occupe le coin inférieur gauche. Un autre frère, à droite de la figure centrale, parle à notre nièce, et ma belle-sœur tient son petit-enfant au sommet du groupe triangulaire. Ils sont assis dans un champ qui a viré au brun automnal. Leurs ombres sont longues, ce qui implique la fin de la journée, ou peut-être la fin de la vie. Au-dessus, la ville, à l'arrière-plan lointain, est enveloppée d'un gris hivernal. Des nuages d'orage menacent. L'ombre d'un arbre est visible dans la partie supérieure droite du tableau, suggérant la présence du printemps. Les fleurs en bas, qui touchent les pieds de ma mère, laissent présager l'approche de l'été. Les quatre saisons sont présentes en même temps dans cette représentation d'une assemblée générationnelle. Il ne s'agit pas de nostalgie ou de sentimentalité, mais de fortification. Alors que nous continuons à vivre le chaos et la destruction qui nous entourent, la meilleure façon de les combattre est de rester protégé par les bons souvenirs qui vous soutiennent, de rester proche de la famille et des amis qui vous soutiennent, et de développer les idées qui vous propulseront vers l'excellence.

Mon atelier principal est un garage converti pour deux voitures qui se trouve derrière ma maison. Il me paraissait immense quand j'y ai emménagé pour la première fois. C'était en 1996. La vie n'était pas facile à l'époque, mais elle n'était pas nécessairement difficile non plus. Je venais de commencer à enseigner à l'université de Rhode Island, j'avais deux jeunes enfants, un garçon et une fille, et j'avais désespérément besoin d'un endroit où travailler maintenant que j'avais un emploi stable. La maison, avec son garage détaché, était parfaite. J'ai immédiatement commencé à le transformer en atelier.

Un ami m'a aidé à enlever la porte du garage, à encadrer l'ouverture, à ajouter des fenêtres et une autre porte à l'avant. Nous avons isolé les murs ouverts. Peu après, j'ai demandé à un autre ami de m'aider à recâbler l'espace ouvert pour l'éclairage sur rail dans les chevrons et d'autres types de besoins électriques. (Bien plus tard, je me suis rendu compte que les prises de courant auraient dû être installées plus haut pour ne pas être bloquées par les toiles. Je me suis donc retrouvé avec de nombreuses prises auxquelles je ne pouvais pas accéder) J'ai acheté un poêle à bois pour le chauffage.

Peu de choses ont changé dans l'espace depuis cette époque, si ce n'est que l'atelier paraît maintenant beaucoup plus petit, plus encombré et un peu démodé. Il remplit toujours bien sa fonction. En plus de mon garage, j'ai maintenant converti une partie de ma maison en atelier. Avec la rareté des logements et des espaces de travail aujourd'hui, ceux d'entre nous qui ont la chance d'être propriétaires le font. Je ne pourrais pas me permettre d'acheter la maison dans laquelle je vis aujourd'hui, et encore moins de louer ou de posséder un espace de travail séparé. C'est pourquoi je milite pour des loyers, des logements et des espaces de travail abordables pour les artistes. Beaucoup de mes amis se sont taillé une place dans leur salon, leur chambre ou leur cuisine pour faire de l'art. Nous en parlons souvent.

Ma pratique de la peinture prend du temps, certaines pièces allant jusqu'à un an pour être achevées. Récemment, le tissu et le défi de travailler avec une machine à coudre sont devenus des sources d'inspiration pour moi. J'ai appris toute seule à coudre, et j'apprends encore à naviguer dans la machine et à comprendre les textiles. Je possède actuellement quatre machines à coudre et je prévois d'acheter bientôt une Juki. J'ai aussi récemment acheté une table de quilting qui rend la couture en mouvement libre plus souple et plus facile.

Pour repousser les limites de la créativité, ma pratique de la couture s'est tournée vers le travail uniquement avec des vêtements ayant appartenu à mon père, à ma mère, à d'autres membres de ma famille ainsi qu'à des amis. Je couds à la main et à la machine pour raconter leurs histoires uniques. Cela me semblait inévitable. Quand elle était jeune, ma mère cousait des jupes à cerceaux - de longues jupes en forme de cloche, soutenues en dessous par des pantalons rigides qui s'évasaient en bas. Plus tard, elle a continué à coudre, même si ses activités se limitaient à réparer des chaussettes, à rallonger les jambes des pantalons de ses garçons en pleine croissance et à confectionner des rideaux de cuisine. J'ai grandi en la regardant coudre. Ma grand-mère a également cousu à la main de magnifiques courtepointes pour nous, qui m'ont beaucoup impressionnée.

La spontanéité, le hasard et la découverte animent mes travaux les plus récents, car je trouve différentes façons de réutiliser les matériaux tout en apprenant de nouveaux procédés. L'œuvre intitulée Cravate en est un bon exemple : les cravates en soie à l'arrière-plan ont appartenu à mon père. Je ne sais pas exactement comment il s'est retrouvé avec autant de cravates. Il ne portait pas souvent de cravates. Il n'allait pas beaucoup à l'église et semblait s'arranger pour ne pas en porter lors d'occasions spéciales comme les mariages ou les enterrements. Je me souviens rarement l'avoir vu avec une cravate. Pourtant, il en a laissé des boîtes à son décès en 2015. Peut-être s'agissait-il de possessions transmises de génération en génération, de père en fils, et finalement à mon père, puis à moi. Mais l'idée qu'il en hérite me fascinait. J'ai dépouillé, repassé et cousu les cravates de mon père pour créer un processus et faire une déclaration sur les liens qui nous unissent. Les personnages contrastés cousus sur le dessus sont découpés dans de la toile de coton et leurs traits caractéristiques sont cousus au fil noir.

Cette œuvre découle d'une peinture antérieure intitulée Camouflage. L'importance du dessin au trait, de la création de marques et des contours est visible dans toutes mes œuvres, et avec l'émergence de ce tout nouveau procédé de fabrication de tissu, les lignes dessinées, peintes et pulvérisées sont devenues un nouvel élément : le fil. J'ai étudié de nombreuses techniques de matelassage et j'ai vu de nombreux dessins géométriques et symboliques pour comprendre la nature des matériaux suspendus et étirés et la façon dont ils pourraient porter une narration visuelle. Au cours des 6 ou 7 dernières années de travail avec les textiles, j'ai développé une échelle qui me semble juste. Mes œuvres textiles actuelles sont de l'ordre de 8' x 10-12'.

En ce moment, je me concentre sur la préparation d'une exposition à venir à l'Université de Géorgie - une exposition avec Ben Jones et Leslie King-Hammond, qui sera visible d'août à décembre 2026 - et d'une exposition solo à l'Université de Rhode Island, qui aura lieu en hiver-printemps 2027 (les dates ne sont pas encore fixées). J'ai également une exposition dans le bureau du maire de Providence, RI, Brett Smiley, de juin à septembre 2026, et j'attends avec impatience une résidence au McColl Center en Caroline du Nord à l'automne 2027, où je prévois de me concentrer sur la gravure.

En plus de cela, je participerai à la prochaine Sail Design Art Cup, au profit du Newport Art Museum et de Sail Newport, deux institutions résidant à Newport, RI. C'est la première année de cette collaboration. J'ai été invitée, avec 10 à 15 autres artistes, à soumettre des dessins qui seront imprimés sur la grand-voile et la voile de foc d'un voilier Shields pour la course de la Coupe, qui aura lieu en 2027. Chaque voile a une forme triangulaire de 33 pieds de haut, et de 13 pieds et 10 pieds (respectivement) de large à la base. Le Rhode Island ayant largement contribué à la traite transatlantique des esclaves, mes dessins rendent hommage à ceux qui ont péri au cours des nombreux voyages entre les rivages de l'Afrique et les Amériques. Le musée d'art de Newport exposera cette année les dessins sélectionnés dans le cadre d'une exposition qui se déroulera du 4 juin au 30 décembre.

Parallèlement à ces opportunités, je prévois de créer dans les années à venir une série de nouvelles œuvres textiles à grande échelle composées principalement d'éphémères, de tissus, de morceaux de vêtements et d'autres matériaux ayant appartenu à la famille et à ma communauté d'amis dans le Rhode Island et en Virginie. Créée en cousant à la main et à la machine, cette série racontera leurs histoires uniques tout en se mêlant aux histoires globales de l'histoire et du lieu américains. Pour ce projet, je prévois de partager mon temps entre mon domicile actuel (Providence, RI) et ma maison natale (Lawrenceville, VA). J'ai trouvé un espace de travail dans ma communauté de Virginie qui s'adaptera à l'échelle de ces œuvres, que j'envisage d'être à peu près de la même taille ou plus grandes que mes œuvres actuelles. Je prévois d'avoir des machines à coudre dans les deux endroits, et j'espère obtenir une table de quilting supplémentaire pour l'espace de Virginie.

En plus de créer cette nouvelle série d'œuvres textiles à grande échelle, j'ai l'intention de rencontrer des dirigeants communautaires en Virginie, à la recherche de nouveaux partenaires et du soutien de la communauté pour créer de nouvelles histoires orales, des photos, des enregistrements audio et vidéo, des dessins et des croquis - toutes les ressources que j'ai déjà utilisées. Ce projet donnera lieu à des conversations sur la façon dont nous pourrions relever les défis sociaux d'aujourd'hui en vue d'un changement positif, et créera un espace pour réimaginer de nouvelles possibilités. J'espère créer un dialogue autour des notions de spiritualité, de guérison et d'aide, de bien-être et de pleine conscience - tous des thèmes que j'ai explorés dans des projets précédents.

J'envisage d'organiser d'autres causeries et ateliers communautaires au fur et à mesure de la réalisation des œuvres textiles, en me concentrant sur les raisons qui m'ont poussée à revenir travailler dans ma communauté natale. Je parlerai de ma pratique au fil des ans, de ce qui a mené à mon approche artistique, de la raison pour laquelle j'utilise ces matériaux ; nous discuterons des histoires que je souhaite raconter et de la raison pour laquelle il est important de les raconter. J'espère partager et mettre en évidence le niveau de croissance et d'apprentissage que j'ai acquis grâce à mes expériences passées et à des projets communautaires similaires.

J'ai l'intention de travailler avec les dirigeants et les établissements locaux pour que le plus grand nombre possible d'œuvres réalisées dans le cadre de ce projet restent dans la communauté, en recherchant des possibilités d'exposition et de présentation dans les écoles, les centres communautaires et les musées de la région.

Interview et montage par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail de Bob Dilworth, consulte Cade Tompkins Projects.