Dans l'atelier : Anthony White

Anthony White, un Joan Mitchell Fellows de 2025, est un artiste basé à Seattle et un défenseur de la communauté. Nous l'avons interviewé sur son travail et sa pratique créative en mars 2026. Ce qui suit est édité et extrait de cette conversation.

Je reconnais immédiatement les choses que je fais comme des peintures, bien qu'elles ne le soient pas. J'utilise ce matériau très inhabituel, l'acide polylactique, qui est chauffé et fondu. Je dessine essentiellement avec. Ce matériau, qui est très vibrant et saturé, est essentiel à ma pratique.

Mon objectif est d'offrir une fenêtre aux autres pour qu'ils puissent s'y reconnaître. J'essaie essentiellement de refléter mon existence quotidienne, la façon dont j'y navigue au jour le jour, ce que je vois, ce qui m'influence, ce que la culture me dit, ce que les panneaux d'affichage, les publicités, les annonces veulent tous que je regarde. J'absorbe tout cela et j'assemble ces pensées et ces idées dans mes compositions.

J'ai toujours été influencée par les Vanitas hollandaises du XVIe siècle - ces peintures étonnantes et détaillées qui comportent tellement de couches. Elles commencent à se révéler au fur et à mesure que tu les regardes. De la même façon, j'essaie de créer ces portails pour les spectateurs. C'est un point de vue individuel, mais je pense que le travail est capable de parler de la vie d'un point de vue générationnel et aussi d'un point de vue socio-politique.

Avec mes natures mortes, j'aime puiser dans la nostalgie et dans ce à quoi ressemblait le monde il n'y a pas si longtemps, en représentant des technologies obsolètes pour commenter la façon dont les choses deviennent obsolètes en très peu de temps. Cela signale à quel point notre existence est accélérée, à quel point c'est absurde et à quel point cela produit des déchets. C'est un cycle sans fin, et je pense qu'il y a une place pour le blâme et la faute, mais l'inégalité est certainement une partie de la raison pour laquelle il y a beaucoup de déchets. Nous pensons à la mode rapide ou à tous les matériaux utilisés dans les chaînes de restauration rapide, et à la façon dont le système a été conçu pour créer des déchets. Mais c'est pour des groupes démographiques spécifiques, et le jeu qui se joue dans le monde a été conçu de telle sorte qu'il est presque impossible de réinventer les règles ou d'élaborer de nouvelles stratégies pour y parvenir. Je ne sais pas nécessairement à quoi ressemble une correction de trajectoire pour s'assurer que tout le monde est pris en charge. Mais c'est une question qui me trotte dans la tête dans l'atelier : comment défaire tous ces systèmes ?

Comme les œuvres dont je m'inspire, mon travail a tendance à comporter toutes ces couches, comme tu le verrais sur un écran ou une fenêtre de navigateur. Une grande partie de mon travail quotidien consiste à recueillir des données, c'est-à-dire à prendre des photos de choses qui décrivent essentiellement la situation dans laquelle je me trouve. Lorsque je me rends à pied à l'atelier, je prends des photos de ce qui remplit la poubelle ce jour-là, ou si je suis chez un ami, je regarde le tableau d'objets qui représente son identité. C'est toujours agréable quand je peux capturer quelque chose avec un journal ou une date, parce que j'aime inclure ces sortes d'horodatages dans le travail qui représentent et signifient où nous en sommes en termes d'histoire.

J'habite au centre-ville, alors je passe toujours devant des degrés divers d'inégalité et de pauvreté, et devant le nit et le grit de tout cela dans la ville. L'autre jour, j'ai vu cette paire de jeans dans la rue et j'ai immédiatement pensé aux guerres de jeans qui se déroulaient dans les médias avec Gap et American Eagle. Je trouve donc toujours des moyens de taquiner et de critiquer la société elle-même, ainsi que la culture - ce que nous voyons en ligne ou dans les journaux télévisés toute la journée.

Les photos que je prends restent généralement dans un dossier jusqu'à ce que je trouve un autre objet qui a une sorte de relation avec lui, que ce soit un objet qui le complète ou le contredise ou qui crée une sorte de controverse. Je fais beaucoup de mélanges pour décrire l'époque dans laquelle nous vivons.

Le matériau que j'utilise, l'acide polylactique, est très intéressant et s'aligne conceptuellement sur mon travail. Je l'ai découvert lorsque j'étais à l'école d'art. Je faisais beaucoup de sculpture à l'époque et le laboratoire a reçu une nouvelle imprimante 3D qui utilisait un filament d'acide polylactique pour construire des objets à travers des couches très fines. J'étais curieuse de voir comment cette imprimante pouvait essentiellement fabriquer n'importe quoi avec des entrées et des données appropriées. Parallèlement, je venais d'arriver à Seattle, où il y avait eu un boom technologique vraiment fou et impressionnant qui avait changé la ville. Je pensais donc beaucoup à la technologie et à la façon dont les machines prenaient en quelque sorte le rôle des humains, en remplaçant la main dans l'art et en prenant en charge les emplois en usine. Je voulais trouver un moyen d'utiliser l'acide polylactique à la main, en remplaçant en quelque sorte cette machine et en lui donnant un aspect un peu plus pictural, artistique, individuel et authentique.

J'utilise l'acide polylactique comme principal médium depuis huit ans maintenant et il continue de m'intéresser en raison de sa capacité à créer une texture vraiment unique et à conserver sa saturation et son éclat. Il y a une corrélation directe entre ce matériau et les choses que je critique dans mon travail, parce que beaucoup d'objets que je reproduis ou produis dans mon travail sont fabriqués dans la vie réelle avec un matériau similaire, mais dans une usine. Donc conceptuellement, et contextuellement, ce matériau est très aligné. J'aime aussi le fait qu'il soit organique et biodégradable.

J'aime considérer mon travail comme une façon narrative de faire. C'est comme un récit narratif. Je ne pense pas que nous arrêterons un jour de raconter des histoires, mais j'espère que le travail encourage à raconter davantage d'histoires de tous les points de vue. Et j'espère aussi qu'il encourage les autres à expérimenter avec des matériaux non traditionnels, et à le faire avec intention.

Il y a une pièce intitulée Director's Cut qui est un bon exemple de mon travail sur les natures mortes, et de la façon dont les objets de mes peintures, lorsqu'ils sont associés, commencent à créer ce récit entre eux, créant des conspirations et s'amusant à taquiner la géopolitique. En tout cas, pour moi, depuis quelques années, je fais attention à la quantité de nouvelles que je reçois et à l'attention que je porte à ce qui se passe, non seulement en Amérique, mais dans le monde en général. Et c'est comme si chaque jour, tout continuait à avoir de moins en moins de sens. Il y avait ce mème qui circulait et qui disait : " Voilà ce que nous comprenons de l'Amérique en ce moment ", et c'est cette carte des États-Unis avec des gribouillis partout - comme si rien n'avait vraiment de sens. Tout est vraiment confus. La question du pourquoi reste constamment posée.

Et quand je regardais ça, l'Apple Vision Pro sortait. C'était ce nouveau jouet technologique dont les gens étaient sceptiques, et il était censé être la chose la plus chaude sur le marché, et il n'a pas nécessairement bien marché, mais beaucoup d'attention, de recherche et d'argent ont été mis derrière lui. Le tableau représente également des outils et des jouets de gratification immédiate comme les machines à sous des casinos et la roulette. Quand j'étais enfant, tu allais à l'épicerie et il y avait ces machines à coupons juste à côté des produits sur les étagères, et mes frères et sœurs et moi collectionnions ces coupons en parcourant chaque allée. Nous avions l'impression de gagner un prix en économisant 50 cents sur un article que nous n'avions pas l'intention d'acheter. J'ai inclus cet objet pour sa qualité nostalgique, ainsi que pour commenter le capitalisme et la nature persuasive du système.

De plus, au moment où je travaillais sur cette pièce, le film "Everything Everywhere All At Once" venait de sortir. J'ai trouvé que c'était une très bonne description de la façon dont je vois le monde et de la façon dont j'essaie de le représenter à travers ma peinture - j'aurais aimé utiliser ce titre avant que ce soit un film. J'ai dû l'inclure dans la peinture parce qu'il était tellement logique en termes de zeitgeist et de ce que je cherche à faire dans ma pratique.

Parallèlement à mes natures mortes, dont j'ai mentionné qu'elles étaient très influencées par les peintures Vanitas, je réalise des œuvres figuratives qui intègrent également ces couches et ces objets qui représentent le temps et l'identité. Mais avec ces œuvres, je me concentre davantage sur les sujets à l'intérieur du tableau. J'ai récemment réalisé cette peinture intitulée The Perfect Storm (La tempête parfaite). Comme pour les Vanitas, il y a beaucoup d'illusion et de couches. Je suis toujours en train de puiser dans le chaos de la vie américaine, le quotidien, et cela représente la façon dont nous sommes capables de nous distraire de tout ce qui se passe dans le monde grâce aux appareils auxquels nous sommes accros.

Lorsque mon travail quitte l'atelier et que je le mets dans le monde, je pense que le plus grand compliment est de simplement le regarder. Lorsque les gens prennent un moment avec lui, que ce soit dans une galerie ou par le biais de documents imprimés ou en ligne, j'apprécie cela. Je veux que les gens puissent se reconnaître dans l'œuvre. Je crée intentionnellement ces fenêtres d'accès, et si l'œuvre est capable de demander à celui qui la regarde quelle est sa relation ou sa participation au monde, je pense qu'elle fait ce qu'elle est censée faire. La qualité de la surface, la texture, est l'une des choses les plus surprenantes pour les gens lorsqu'ils la voient en personne. Je suis un fervent défenseur de l'idée de voir les œuvres en personne si vous le pouvez.

En tant qu'artiste, je suis motivée par le fait de pouvoir poser des questions et de m'enquérir de choses qui sont souvent négligées dans la vie de tous les jours. J'ai un atelier où je suis capable d'apporter des recherches et des enquêtes et de déballer tout cela sans répercussion ni jugement. Pouvoir faire cela est une source d'inspiration. Je trouve aussi beaucoup de motivation à voir et à expérimenter l'art à divers titres et sous diverses formes, dans des galeries ou des musées ou dans des ateliers.

Parallèlement à mon atelier, je fais beaucoup de travail communautaire. Je siège au conseil d'administration de quelques organismes artistiques, et ma pratique comporte un élément de conservation, qui correspond tout à fait à la façon dont j'aborde l'art et la recherche. Cela me permet de poser des questions similaires à celles que je poserais dans mon propre atelier, mais je peux les exposer à travers la lentille d'autres artistes. Je considère qu'il est de ma responsabilité, ici à Seattle, de montrer au Nord-Ouest du Pacifique ce qui se passe en dehors de notre coin du monde, en apportant des œuvres d'artistes qui, selon moi, excellent dans ce qu'ils font et le dépeignent magnifiquement. Et j'aime construire des ponts qui peuvent nous aider à mieux comprendre ce qu'est le monde de l'art, ce que signifie être un artiste, et comment nous pouvons élargir nos communautés et travailler ensemble. Je considère mon travail bénévole et mon travail de conservateur comme une autre façon de rendre à la communauté ce qu'elle a reçu, en veillant à ce que les voix soient entendues et que les marges soient représentées.

Une exposition dont j'ai été le commissaire, Let There Be Light, vient d'ouvrir ses portes au Cannonball Arts de Seattle (mars 2026). C'est une exposition qui met en valeur le corps, avec des œuvres de 20 artistes du monde entier. Elle pose des questions sur les frontières et met en lumière les belles choses associées au corps, ainsi que les choses grotesques, absurdes et dangereuses. C'est exposer le corps d'une manière qui me semble opportune et accessible. Le travail figuratif m'a toujours intéressé, et je fais aussi beaucoup de travaux qui tournent autour de l'identité. Ces 20 artistes sont capables de parler du corps d'une manière que je ne peux pas faire dans mon propre atelier, et cela m'inspire à continuer à faire ce genre de travail, et aussi à organiser des expositions et à offrir des opportunités à d'autres artistes.

Ce n'est pas facile d'être un artiste. C'est gratifiant et épanouissant, mais c'est difficile. Les artistes se donnent à 100 % à la pratique de leur atelier, ce qui est à la fois magnifique et toxique. Nous ne savons pas ce que nous allons en retirer, mais nous donnons tout ce que nous avons.

En ce qui me concerne, pour que ma pratique fonctionne et se maintienne, elle repose sur le fait de pouvoir placer le travail et montrer le travail. Ce qui sort de l'atelier est ce qui soutient l'atelier financièrement - travailler avec des galeries, avoir des expositions individuelles, faire des foires. Je suis dans un endroit où les choses ont bien fonctionné pour que je sois dans l'atelier tous les jours, où je peux exprimer mes idées et mes préoccupations, et poser des questions.

Il y a un aspect commercial à une pratique artistique, et bien que cet aspect commercial n'occupe qu'une petite majorité de mon temps chaque jour, il doit être pris en compte. Cela implique de nouer des relations avec différents réseaux, différents collectionneurs, différentes galeries. Et c'est très gratifiant. Exposer avec différents espaces ou faire des foires dans différentes villes me permet toujours de rencontrer de nouvelles personnes, de rencontrer des artistes et de trouver des personnes partageant les mêmes idées dans différents endroits.

En ce moment, je me prépare à participer à la Dallas Art Fair avec la Jim Harris Gallery, qui est une nouvelle galerie pour moi. Ensuite, je ferai une exposition solo avec eux en janvier, ce qui me laisse suffisamment de temps pour faire tout le travail nécessaire.

Je suis vraiment contente de ce que je fais en ce moment et de l'attention que je lui porte. D'une certaine façon, le monde m'a donné un peu plus de temps dans l'atelier sans la pression immédiate de délais serrés ou d'images à rendre. Et cela a été extraordinaire parce que je suis vraiment heureuse de ce qui se passe dans l'atelier.

Interview et montage par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail d'Anthony White, consulte le site anthonywhite.studio.