Dans l'atelier : Angela Hennessy

Angela Hennessy est une artiste basée à Oakland et l'une des lauréates de la bourse Joan Mitchell Fellowshipen 2021. Nous l'avons interviewée sur son travail et sa pratique créative en août 2022. Ce qui suit est une transcription éditée de cette conversation.

Je fabrique des objets et des installations, souvent des environnements de galeries entières qui invitent les gens dans un monde alternatif, une réalité alternative. Certaines des images et du matériel source avec lesquels je travaille proviennent de trous noirs, d'arcs-en-ciel et de planètes. Je pense beaucoup à l'orientation individuelle par rapport à des systèmes célestes planétaires plus vastes, par rapport aux étoiles.

Je considère toutes ces choses comme des corps qui se déplacent dans l'espace. L'une de mes préoccupations est donc de savoir comment nous nous déplaçons dans l'espace, comment nous occupons l'espace, comment nous prenons de l'espace, ou comment nous essayons de trouver notre place dans un système ou une structure plus vaste. L'un des principaux matériaux avec lesquels je travaille depuis quelques années est le cheveu synthétique, qui est vraiment un moyen d'amener les corps noirs dans ces environnements.

Je pense que tout a vraiment commencé lorsque, enfant, j'essayais de comprendre les cheveux que j'avais sur la tête. Les cheveux sont l'un des principaux signifiants de l'identité racialisée, après la couleur de la peau de quelqu'un. C'est l'une des façons dont nous essayons d'identifier les gens, d'où ils viennent, leur orientation, leur origine. Utiliser les cheveux comme matériau dans l'atelier, c'est comme essayer de comprendre de manière vraiment incarnée comment les cheveux peuvent être performants ou non.

Les cheveux sont un matériau qui est échangé entre les vivants et les morts. Il existe des rituels et des traditions où les cheveux sont offerts en signe de respect ou en signe de deuil lorsque quelqu'un est décédé, et puis bien sûr, il y a beaucoup de traditions qui recueillent les cheveux de quelqu'un qui est mort, d'un corps post-mortem. Je m'intéresse vraiment à la façon dont les matériaux peuvent rendre visibles ou tactiles ces relations entre les vivants et les morts. C'est certainement l'une de mes principales motivations dans ce travail - réfléchir à la façon dont je suis en relation avec mes morts, à la façon dont je suis en relation avec mes ancêtres. Et quels matériaux pourraient représenter la forme, la structure ou le langage avec lesquels j'essaie de communiquer.

Dans mon travail, il y a une sorte d'appel et de réponse entre la théorie et la pratique - entre ce qui se passe lorsque je lis un livre ou que je fais des recherches sur un sujet, au niveau intellectuel, et ce qui se passe lorsque je me retrouve réellement dans l'atelier et que je suis face à face, corps à corps avec les matériaux dont je me suis entouré. La théorie fonctionne mieux lorsqu'elle est dérivée de la pratique. Il est difficile de dire exactement où cela commence, mais les matériaux et les idées sont toujours en conversation, en dialogue les uns avec les autres. Parfois, je sors tous les livres de mon atelier pour me concentrer sur les matériaux, pour vraiment écouter. Je constate que souvent, la conversation que j'ai avec le matériau en question me dit littéralement : "Oui", "Non", "Fais ceci" ou "Ne fais pas cela"

Je viens de présenter une exposition à SOMArts, à San Francisco, qui s'intitulait As I Live and Breathe, ce qui est une façon de témoigner de quelque chose, d'identifier ce que tu as vu à travers le corps. Littéralement, cette chose se produit pendant que je vis et que je respire. Le corps vivant et respirant devient un témoin.

La galerie SOMArts est un espace immense, d'environ 3 000 pieds carrés - certainement le plus grand espace dans lequel j'ai eu une exposition solo. Nous avons peint toute la galerie en noir et j'ai fabriqué ces planètes flottantes, suspendues, qui ont été disposées autour de la pièce, flottant au-dessus de la tête. Elles sont recouvertes de cheveux noirs et bruns, ce que j'appelle ma palette arc-en-ciel noire. Et puis il y avait un ensemble de sculptures qui étaient réparties sur le sol. Lorsque tu entres, tu as vraiment l'impression de quitter le royaume terrestre dans lequel tu te trouvais et d'entrer dans une autre sorte d'univers.

La pièce de base de l'exposition était ce carré noir géant de 3 mètres sur 3 mètres, entièrement composé de cheveux crochetés. L'œuvre s'intitule And Counting, ce qui fait référence au comptage des points au crochet, mais aussi au comptage des morts. Compter et nommer sont des choses dont je parle beaucoup dans mon travail et dans mon enseignement, car ce sont deux façons très significatives d'identifier ou de reconnaître les morts. Nous comptons souvent par l'abstraction des nombres, ou nous nous engageons à nommer les morts, à les appeler, à les humaniser avec un nom, à leur parler et à être en relation avec eux.

En face de And Counting se trouvait une œuvre murale, Some Powers That Be, qui est l'une de mes pièces préférées de l'exposition. Il s'agit d'une installation de fils d'or crochetés dans cette forme féminine abstraite à grande échelle, avec une grosse tête au sommet et ces rayons d'or qui s'étendent jusqu'au sol comme des forces ou des énergies qui nous parviennent par l'intermédiaire de systèmes divins. La cosmologie étant au cœur de cette exposition, je pensais beaucoup à l'origine et au destin, d'où nous venons, où nous allons, et ce qui se passe dans les moments de ces espaces intermédiaires.

J'ai une nouvelle installation des planètes qui se trouve au Oakland Museum en ce moment, avec cette couronne matinale géante que j'ai refaite pour l'exposition Hella Feminist. Et je travaille sur de nouvelles œuvres murales pour une exposition à la Fondation McEvoy qui ouvrira ses portes dans environ cinq semaines et qui s'intitule Color Code. Il s'agit de quatre artistes de la région de la baie qui travaillent avec la couleur de manière vraiment intentionnelle et spécifique. J'ai travaillé avec la couleur noire pendant des décennies, comme une couleur qui indique le chagrin ou le deuil, mais qui est aussi simultanément une couleur utilisée pour nommer et identifier les Afro-Américains. Je pense à cette intersection, où ces significations s'influencent mutuellement, parfois de manière positive et parfois comme des résultats presque prédéterminés.

Il y a environ cinq ans, j'ai commencé à vouloir sortir du binaire noir-blanc qui consiste à toujours mettre des objets noirs ou des choses noires dans des espaces de galerie blancs. J'ai commencé à travailler avec une palette de noirs et de bruns et à penser à l'identité comme à un arc-en-ciel, comme à un spectre complet d'expériences.

Avec l'exposition de la Fondation McEvoy, le nouveau travail que je fais est vraiment basé sur ces idées, mais je travaille spécifiquement avec de l'or pour cette exposition. J'ai fait des études supérieures en métallurgie et j'ai longtemps travaillé dans l'industrie de la bijouterie. Ma relation avec l'or se manifeste donc d'abord en tant que matériau, parce que j'en ai fait des objets de joaillerie, puis en tant que couleur.

L'or est aussi une autre façon de parler de race et d'identité, et de parler de pouvoir et de statut, de séduction, d'héritage colonial. Je reviens d'un voyage au Ghana le mois dernier, et j'ai appris pas mal de choses sur l'histoire de l'or dans la lignée Akan, en tant que matériau au centre de leur histoire d'origine. L'œuvre sera une sorte d'installation murale d'objets en or et en noir.

Il est important pour moi que mon travail suscite des questions et des spéculations, ainsi qu'une certaine forme de curiosité à l'égard des matériaux. Souvent, les matériaux que j'utilise ressemblent à une chose mais sont en fait autre chose, et il y a une sorte de glissement ou d'effondrement qui se produit lorsque les gens les regardent. Ainsi, ils pensaient peut-être qu'une pièce était en pierre, mais il s'est avéré que c'était du savon à l'ivoire que j'avais sculpté. Les gens me disent qu'il y a parfois ces moments " a-ha " où ils pensent " Oh, c'est ça ", puis en se rapprochant, en voyant et en expérimentant le matériau de manière plus intime, quelque chose se révèle à eux.

Le fait d'être à court de mots est quelque chose qui m'intrigue vraiment - la tentative de définir ou de trouver un langage pour quelque chose qui résiste à une définition claire. Il s'agit peut-être même d'un sentiment de désorientation. Le travail est tellement axé sur l'orientation qu'il amène peut-être les gens dans un espace de désorientation d'abord. Et ce n'est pas toujours un endroit confortable où les gens veulent se retrouver.

C'est l'une des façons dont l'art devient si profondément puissant - il nous offre un espace pour parler de choses ou pour voir, remarquer, observer, reconnaître des choses que nous voudrions peut-être rejeter ou mettre de côté. Mais nous sommes invités à entrer par la matérialité, par la couleur, par ces expériences esthétiques et somatiques qui deviennent alors le langage qui nous permet de parler de choses dont nous n'avons peut-être pas vraiment envie de parler. Pour moi, parce que mes domaines sont la mort, le deuil et les identités racialisées, ce ne sont pas toujours des choses dont les gens veulent parler. C'est souvent une lutte pour trouver le langage qui permet de parler de ces choses.

Interview et montage par Jenny Gill. Pour en savoir plus sur le travail d'Angela Hennessy , clique ici.