Artistes sur Mitchell : Rebecca Morris

La palette et les titres de Joan Mitchell ont souvent un lien profond avec le monde naturel. Mais une fois en leur présence, les peintures de Mitchell ne sont pas explicites. J'aime beaucoup cet aspect de son travail. Son but n'était pas de te dire comment penser ou ressentir.

C'est aussi ce que j'apprécie dans l'abstraction ; ce que l'abstraction fait si bien. Elle se libère du rôle de "raconter" - une forme littéraire d'illustration. Il est également remarquable que l'abstraction offre une forme de protection et d'opacité dans la façon dont elle peut s'éloigner de l'acte direct d'explication. Elle permet de s'affranchir des contraintes de la comparaison et du littéral. L'abstraction peut également autoriser la subjectivité de l'artiste. La célèbre remarque de Mitchell, "Mon idée d'un arbre, qui n'a rien à voir avec un arbre réel", est une trajectoire générative à partir de laquelle travailler.

Je m'identifie beaucoup aux pensées et aux déclarations de Mitchell sur la couleur : la couleur en tant que contenu et la couleur en tant qu'elle fonctionne en relation avec elle-même. Comprendre que certaines couleurs peuvent être perçues comme "affreuses" ou "mortes", et comment cela peut être facilement et miraculeusement modifié par l'emplacement d'autres combinaisons de couleurs dans la composition. J'adore la façon dont Mitchell insiste sur ce point dans l'une de ses interviews et demande fermement à son interlocuteur de ne pas balayer ce point sur la couleur "sous le tapis" en l'étiquetant comme un formalisme sans intérêt. Ce n'est PAS du formalisme, dit-elle.

Mitchell a travaillé avec la couleur de façon souvent audacieuse, considérant ses contrastes comme revigorants. La couleur est constamment mise en avant dans son travail, capturant et défiant la vitalité de la beauté, la vivacité d'une expérience. Untitled (circa 1962) est un exemple que je préfère. J'ai vu ce tableau en personne au SFMOMA dans le cadre de son exposition à grande échelle organisée par Sarah Roberts et Katy Siegel. C'est une peinture saisissante réalisée il y a 64 ans. La palette semble pouvoir être peinte tout aussi facilement aujourd'hui. Sa verticalité de 10 pieds la rend encore plus prononcée en tant qu'abstraction, de même que son absence de titre. Sa résistance à toute déclaration ou indice manifeste de ce qu'elle pourrait signifier pour elle, de ce à quoi elle pourrait faire référence, est laissée à l'appréciation de son public.

C'est là que ses choix de couleurs sont déterminants. Dans Untitled (circa 1962), le violet cobalt clair et les roses géraniums semblent en contradiction avec les bruns et les verts sombres. Alors que nous acceptons ces couleurs ensemble dans le monde naturel sans trop y penser, le fait de les voir dans un seul tableau crée une dynamique contemporaine. L'ensemble du tableau est très net. Les petits morceaux sauvages de rouge cadmium et d'une sorte de peinture turquoise minimalement tailladés sur le dos renversent la jolie couleur. Une acidité et quelque chose d'artificiel sont ajoutés par ces mouchetures. Est-ce qu'elles pourraient ajouter quelque chose de presque collant ? Il y a une zone où le violet est effacé et une zone où le violet est empilé. S'agit-il d'une seule quantité de violet appliquée, enlevée et réinstallée ? J'aime bien chronométrer les décisions de Mitchell. Les décisions relatives à l'application de la peinture, à la composition et à la couleur. J'ai toujours été étonnée de savoir combien de temps elle passait à peindre la nuit et comment, le matin, elle devait aller à la première heure "vérifier ses couleurs" à la lumière du jour.

Certaines parties de la biographie de Joan Mitchell et de la mienne se recoupent. Nous avons toutes les deux suivi une double formation au Smith College, puis à le School of the Art Institute of Chicago. J'ai remarqué ce même chevauchement d'études chez d'autres femmes artistes. Ce point commun révèle un canal ouvert particulier et peut-être remarquable dans l'éducation artistique des femmes à l'époque. Les observations de Mitchell selon lesquelles vivre en France lui offrait plus de liberté et de possibilités dans son travail, loin de la routine des expositions à New York, résonnent avec ce que je ressens en vivant sur la côte ouest, à Los Angeles. Le fait d'être "hors" d'une sorte de carte hiérarchique est bénéfique pour mon travail.

Je considère Michell comme un modèle pour son attitude féministe, que je vois dans ses limites fermes, son éthique de travail et sa persévérance pour continuer à "aller de l'avant." Elle a vécu une longue et belle vie selon ses propres termes. Je pense qu'il est également important de le mentionner parce que cela a rendu son indépendance plus possible : Elle avait "de l'argent à foutre." Ce n'était pas seulement son courage, même si elle semblait en avoir beaucoup ! Même si elle a lutté intérieurement, Mitchell a affronté beaucoup d'obstacles et a solidifié une sorte de résistance qui a guidé d'autres artistes confrontés à des obstacles qui sont venus après elle. C'est un héritage énorme à laisser : la vigilance pour travailler au plus haut niveau.

Rebecca Morris est une artiste peintre basée à Los Angeles et une Joan Mitchell Fellow 2024.