Une introduction à travers les œuvres clés
Joan Mitchell a exploré diverses approches de l'abstraction tout au long de sa carrière, depuis ses études à l'Art Institute of Chicago, ses années critiques à Paris et à New York de la fin des années 1940 aux années 1960, jusqu'à ses dernières décennies passées dans la campagne française. Nous avons sélectionné ici un ensemble d'œuvres clés qui mettent en lumière des thèmes importants et des moments de transition dans son œuvre.
Backyards, 1950
En tant qu'étudiante à la School of the Art Institute of Chicago de 1945 à 1947, Mitchell a étudié et expérimenté les développements de la peinture moderne depuis le milieu du dix-neuvième siècle. Ses peintures de 1948 à 1950 s'engagent dans le cubisme et son approche du rendu des formes et des espaces à travers des constellations de formes plates et géométriques. Backyards, de 1950, capture un paysage urbain dense et entremêlé de façades d'immeubles, de fenêtres et d'espaces verts. Elle a été peinte peu après le retour de Mitchell de France à New York, dans une période où son travail est rapidement devenu de plus en plus abstrait et où elle a commencé à se concentrer davantage sur le jeu des formes et des couleurs plutôt que sur la représentation de ses sujets.
Cross Section of a Bridge, 1951
En 1951, Mitchell est passé à l'abstraction, créant un ensemble d'œuvres qui abandonnent l'imagerie reconnaissable au profit de formes imbriquées dans une palette de gris et de bleus froids égayés par des touches de rouge et de jaune vifs. Bien que la plupart des œuvres ne portent pas de titre, certaines, dont Cross Section of a Bridge, portent des titres qui suggèrent des ancrages dans des paysages observés, qu'ils soient ruraux ou urbains. Tout au long de sa carrière, les peintures de Mitchell ont souvent été directement liées à ses expériences de lieux réels, de personnes, de poésie et de musique - jamais comme des corollaires visuels directs, mais comme des distillations ou des transpositions de ses souvenirs et de ses réactions.
Evenings on 73rd Street, 1957
Mitchell se décrivait comme peignant "la sensation d'un paysage" Pour elle, l'idée de paysage englobait les espaces urbains, ruraux et même sociaux. Le titre de Evenings on 73rd Street fait référence aux réunions animées qu'elle appréciait avec son cercle d'amis poètes et peintres dans la maison de Hal Fondren sur la 73e rue à Manhattan. Avec ses coups de pinceau énergiques en forme de branches, sa palette de couleurs complexes et l'utilisation généreuse de la peinture blanche pour articuler l'espace et la lumière, cette peinture illustre le style caractéristique des années 1950 de Mitchell, développé lorsqu'elle - avec ses pairs Willem de Kooning, Michael Goldberg, Philip Guston et Franz Kline - était au centre des conversations new-yorkaises mettant l'accent sur la création d'œuvres qui étaient des expressions authentiques et directes de l'individualité ou de l'expérience de l'artiste.
Blue Tree, 1964
Après avoir déménagé à Paris en 1959, Mitchell a commencé à expérimenter en versant, en jetant et en frottant de la peinture sur ses toiles pour construire d'épaisses masses centrales de couleur entourées de vrilles dégoulinantes et de lavis atmosphériques. Dans Blue Tree, un brun terreux sert de base aux bleus vibrants, animés par des éclairs de violet et de rose. Au cours de cette période, Mitchell s'est souvent inspirée des paysages rocheux et des arbres rugueux de la Méditerranée, car elle naviguait fréquemment autour de la Corse et de la côte française.
Sunflower, 1969
Après avoir déménagé en 1968 à Vétheuil, une ville de la campagne française au nord-ouest de Paris, Mitchell embrasse la couleur d'une nouvelle manière, créant des toiles luxuriantes, d'une beauté sans complexe, avec des références directes à la nature. Une suite de peintures de tournesols datant de 1969 renvoie à l'intérêt qu'elle a toujours porté aux peintures de Vincent Van Gogh, dont elle connaissait les œuvres lorsqu'elle était enfant, grâce à ses visites à l'Institut d'art de Chicago. En 1986, elle a déclaré à propos des tournesols : "Ils sont si merveilleux lorsqu'ils sont jeunes et ils sont si émouvants lorsqu'ils meurent.... Je les aime seuls ou, bien sûr, peints par Van Gogh."
Plowed Field, 1971
Plowed Field s'étend sur plus de cinq mètres de large. Ses riches taches d'or, de vert, d'ocre et de rouge suggèrent une vue aérienne ou panoramique de champs agricoles, offrant une perspective visuelle du paysage différente de celle de la plupart des œuvres précédentes de Mitchell. Depuis le début des années 1960, Mitchell a assemblé plusieurs toiles pour en faire un seul tableau, utilisant les ruptures verticales entre les panneaux pour inciter à regarder d'avant en arrière et infléchir le rythme général de l'œuvre. Le format à plusieurs panneaux lui a permis de réaliser des peintures d'une telle ampleur qui font écho à l'expérience physique de se tenir debout ou de se déplacer dans le monde naturel.
Heel, Sit, Stay, 1977
À la fin des années 1970, Mitchell a commencé à recouvrir ses toiles de coups de pinceau verticaux densément appliqués. Principalement réalisées dans des tons de vert et de bleu, ces œuvres suggèrent l'expérience d'une immersion dans un jardin ou une forêt verdoyante. Mitchell a été attiré par la peinture abstraite pour sa capacité à relier plusieurs idées, souvenirs et sentiments à la fois. Le titre Heel, Sit, Stay fait référence aux chiens bien-aimés de Mitchell ; passer du temps dans ses jardins de Vétheuil avec eux était un élément central de sa vie quotidienne et peut-être un point de départ pour cette œuvre.
La Vie en rose, 1979
La composition de La Vie en rose se déploie sur ses quatre panneaux comme les quatre mouvements d'une symphonie, chacun s'appuyant sur l'autre mais se déroulant avec une intensité différente. Créée à un moment où Mitchell se séparait du peintre Jean Paul Riopelle, son partenaire de longue date, le titre fait sardoniquement référence à la célèbre chanson d'amour d'Édith Piaf, et le tableau est le plus grand et le plus ambitieux qu'elle ait entrepris à ce moment-là. Monumentale et mélancolique, La Vie en rose parle de l'amour perdu, mais elle est aussi pleine de vie, car le dévouement à la peinture a continué à propulser Mitchell vers l'avant.
Grand Vallée IX, 1983
Les œuvres Grand Vallée de Mitchell ont été inspirées par les souvenirs d'un ami qui jouait, enfant, dans une vallée idyllique à la campagne. Ces œuvres n'ont pas d'équivalent dans l'œuvre de Mitchell pour l'intensité des couleurs et le travail au pinceau très serré, et elles présentent une gamme extraordinaire de teintes. Les surfaces explosives et les harmonies de couleurs inhabituelles suggèrent le pouvoir débridé et régénérateur de la nature.
Faded Air I, 1985
Se distinguant par ses couleurs discordantes et ses marques brutes et irrégulières, Faded Air I a été peint alors que Mitchell faisait face à l'impact du sida parmi ses amis et à son propre diagnostic de cancer. Mitchell n'a pas peur d'arracher une composition puissante et émouvante à des couleurs non conventionnelles et peu attrayantes, démontrant ainsi sa détermination à continuer à se dépasser et à repousser les conventions de la peinture au cours de la dernière décennie de sa vie.
Sans titre, 1992
Au cours des dernières années de sa vie, le travail de Mitchell est devenu encore plus étroitement lié à la nature et la ligne entre l'abstraction et la représentation est devenue plus poreuse alors qu'elle continuait à essayer de nouvelles idées et méthodes. Les points de référence directs sont devenus plus reconnaissables, en particulier les arbres et les tournesols, qu'elle a peints et auxquels elle a donné des titres depuis le milieu des années 1950. Les tournesols de Sans titre sont isolés sur un fond brumeux, une ode à la fois belle, triste et vulnérable à la nature, à Van Gogh et à sa propre vie de peintre.