En el estudio: Teresa Baker

Teresa Baker es artista de técnica mixta y becaria Joan Mitchell 2022. Miembro inscrito de las Tres Tribus Afiliadas de Western, ND, Baker vive y trabaja actualmente en Los Ángeles, CA. La entrevistamos sobre su obra reciente y su práctica creativa en marzo de 2023. Lo que sigue es una transcripción editada de esa conversación.

Hago obras de técnica mixta, abstractas y a gran escala que hacen referencia al paisaje, concretamente al de las Llanuras del Norte. Para mí, estas obras encarnan la cultura, la espiritualidad y nuestra relación como humanos con la tierra: esa reciprocidad y respeto. Mediante una práctica intuitiva impulsada por el proceso y las preocupaciones formales, respondo a los materiales y tomo decisiones basándome en sus características: hasta dónde puedo llevarlos, cuáles son sus restricciones. Cada nueva pieza es como un puzzle que voy resolviendo.

Cuando estoy sola en el estudio, interactuando con estos materiales, ésa es la parte emocionante. Es una sensación muy física. Me interesan mucho las actuaciones en directo y el teatro, y la visceralidad que se produce en esas situaciones. Ese tiempo en mi estudio es como una conversación, con ese ir y venir entre la obra y los objetos y yo.

Me encanta esta conversación formal y abstracta, porque no tiene por qué estar limitada por el lenguaje verbal. Hay un límite para describir realmente nuestros sentidos y cosas sentidas mediante el lenguaje. Creo que la abstracción es una forma de hacerlo, y que lo ideal es tener más de esa sensación visceral "sentida" a través de la obra.

Me he centrado mucho en captar el espacio en mi obra. En mis obras, suelo dejar a la vista grandes franjas del suelo, que suele ser césped artificial, y me centro en los detalles y las sutilezas. Me parece que hablo del paisaje con mis abstracciones porque creo que hay una forma de llegar a la obra que es similar a cómo nos adentramos en el paisaje. Hay una presencia, hay un enfoque en los detalles. Es como si te adentraras en este lugar y espacio internos, y te hicieras muy consciente de lo pequeño que eres y de lo grandes que son estos espacios.

Mi padre trabajaba para el Servicio de Parques Nacionales, así que crecimos mucho al aire libre y en pequeñas comunidades del Medio Oeste, en la zona de las Llanuras del Norte. Eso es lo que realmente contribuye a mi forma de ver. Ésa es la base: el recuerdo de esos lugares de mi infancia. Los he mezclado un poco porque nos mudábamos bastante por las mismas zonas. Pero también me influye el lugar donde vivo actualmente, o dondequiera que esté haciendo la obra, ya sea a través del color o de otros factores. Viviendo ahora en Los Ángeles, siento que aporto más a la obra de lo habitual. Aquí ocurren más cosas y hay una mezcla de la ciudad que entra en la obra.

En muchos sentidos, el punto en el que me encuentro ahora en mi práctica se debe a los 10 años de investigación de materiales que me precedieron, porque mi trabajo está muy basado en el proceso. Básicamente ha sido una búsqueda de materiales. Definitivamente probé el lienzo y el cuadrado y el rectángulo, y descubrí que los límites de esas formas no eran suficientes para mí. No sentía que la obra estuviera, en cierto sentido, viva. Me interesa mucho que estas obras sean en cierto modo autónomas, por eso las veo siempre como una continuación unas de otras. Rara vez hago la misma forma exacta para cada una. Se trata más bien de cómo evoluciona y se convierte en su propia forma.

Así que he trabajado con lienzo, espuma de poliuretano y fieltro, y he estado buscando durante mucho tiempo el material que sirviera de base y de superficie, uno que mantuviera su propia forma y fuera resistente en ese sentido. Cualquier material tiene su historia, pero yo quería uno que no estuviera tan consumido por la historia como el fieltro o el lienzo, que tuviera libertad. Así fue como acabé con el Astroturf. Pero también fue por casualidad, que creo que es lo bonito del proceso, porque puedes probar algo que no esperarías y quedarte realmente encantado con los resultados.

Encontré el Astroturf que utilizo ahora en mi trabajo en Texas, cuando vivía allí, en un Home Depot. Era de un azul brillante, y nunca lo había visto antes. Como crecí en las llanuras, no utilizamos el césped artificial como creo que lo hacen algunas ciudades o zonas como el sur de California. Así que me pareció muy extraño.

Lo bueno en este momento es que ya ni siquiera sé si "veo" el césped artificial. Se ha convertido en una especie de sistema de trabajo en el que es mi lienzo, pero hace todo lo que quiero que haga el lienzo y que el lienzo no hace. Me da esos colores con los que reaccionar, me da una textura con la que reaccionar. El hilo se pega al Astroturf, así que parece un dibujo o una pintura.

También me gusta incorporar materiales naturales a la obra. Así que ahora mismo utilizo materiales tradicionales de mi tribu, como la piel de ante, el sauce, la piel de búfalo y el parfleche. Se convierten en formas adicionales de explorar la textura y las formas, pero también fundamentan mis objetos en una larga tradición de materiales que tienen un significado, ya sea funcional o espiritual. Funcionan dentro de la obra de una forma nueva, pero también se aferran a ese linaje o identidad y lo trasladan al futuro. Y también veo una conexión en nuestro estado actual del mundo, en el que este tipo de materiales actúan como reflectores de una vida que todos vivimos en lo natural y lo artificial, y cómo estamos sustituyendo la tierra por este artificio.

Generalmente, mi punto de partida es que hago una serie de dibujos. Mis dibujos son realmente una práctica separada que es concurrente con mi trabajo a gran escala, aunque recientemente he empezado a tomar las formas de los dibujos. Me ayudan a sacar ideas de colores y formas realmente rápido, de una forma que no es superpreciosa.

Hay algo nuevo en mi vida, y es que tengo un hijo de año y medio. Estamos dejando de hacerlo un poco a medida que se hace mayor, pero cuando lo acuno para que se duerma, paso ese tiempo pensando en el trabajo. O me viene a la mente una forma, o si me encuentro en un punto en el que estoy luchando con una pieza e intento averiguar cuál es el siguiente paso, me tomo ese tiempo cuando estoy en esta habitación oscura y acuno a Alton para que se duerma, y paso un rato visualizando la obra. A veces me imagino el siguiente paso o pienso: "Oh, aquí es donde tengo que llevar el trabajo" También siento que es un poco colaborador, quizá sin saberlo.

También me encanta conducir, si me siento atascada, para mirar por la ventanilla y procesar el trabajo. Normalmente me lleva, debería decir, mi marido. A veces consigo títulos para mi exposición mientras estamos de viaje por carretera y me quedo mirando por la ventana y procesando el trabajo desde lejos. A veces hay algo en estar lejos de ello y visualizarlo y pensar en ello que realmente me ayuda a sintonizar con lo que está ocurriendo.

Las cosas que hago no son tan lineales, sino que más bien rebotan, o tal vez se mueven en círculo en torno al siguiente espectáculo o idea. Y están acabadas cuando no puedo ubicarlas. No puedo controlar las asociaciones de otras personas, pero para mí sé que están acabadas cuando las miro y no puedo decir, tú eres esto o eres aquello. No hay un lugar realmente claro donde pueda identificarlo. Está consiguiendo vivir entre todas las categorías y crear su propio espacio.

Mi esperanza es que cuando la gente vea mi obra, tenga algún tipo de respuesta energética o visceral, que les conmueva de alguna manera. Mis obras suelen ser bastante grandes: a menudo miden unos nueve pies de alto y entre cinco y seis pies de ancho. Así que creo que hay una sensación de inmersión. La sensación que suelo tener es que es casi como si pudieran abrazarte. Son cálidos y reconfortantes. Supongo que espero que ofrezca algo nuevo a la gente, pero que al mismo tiempo le resulte familiar. La familiaridad, para mí, es la parte del paisaje o la sensación de esa tierra. Y lo nuevo es que es un objeto y que combina todos esos elementos.

Acabo de terminar cinco obras para el Museo Nerman de Arte Contemporáneo, para una exposición titulada El sol bebe blanco. El título es de un poema de Kimberly Blaeser, y hay otros tres artistas en la exposición que exploran o tocan el paisaje a su manera: Marie Watt, Rashawn Griffin y Mark Cowardin. La exposición se inauguró en Kansas City en marzo, y cuando me puse a pensar en estas obras, me interesaban mucho las estaciones y pensar en cómo se sienten las llanuras cuando pasamos del invierno a la primavera. Sigue habiendo frío y dureza, pero también hay más luz. Es una estación volátil, pero también muy esperanzadora.

Al pensar en mis elecciones de color, e incluso simplemente en el color que se da en la naturaleza, creo que hay una forma en que la luz incide en esa parte del mundo. Hay muchos verdes y algunos azules. Obviamente, en esta época del año el verde está emergiendo, y pensaba en que las cosas fueran realmente nítidas y como calcáreas. No diría que la obra tiene mucha cal, pero ésa era la sensación de color que quería captar. Una sensación de cal.

También están esas extensiones, las llanuras y las vistas. Mi tribu es de la zona de Dakota del Norte, así que he estado pensando en la clase de relaciones históricas entre estas zonas, algunas de esas rutas comerciales quizás, o algo de ese movimiento que estaba ocurriendo, los senderos. Ésas eran las ideas que circulaban mientras realizaba la obra para esta exposición.

Aparte de la exposición del Museo Nerman, me estoy preparando para una primavera, un verano y un otoño muy intensos. Tengo dos exposiciones colectivas, una en el Anthony Meier Fine Arts de San Francisco, comisariada por Saif Azzuz, y la otra en el Gerald Peters Contemporary de Santa Fe. Luego, tendré una presentación individual emparejada e íntima en Halsey Mckay, en los Hamptons, del 8 al 31 de julio. Tendré una exposición individual con mi galería aquí en Los Ángeles, De Boer Gallery, a principios de septiembre, y también formaré parte de Made in LA este otoño en el Museo Hammer.

Entrevista y edición de Jenny Gill. Más información sobre la obra de Teresa Baker aquí.