En el estudio: Sharif Farrag

Sharif Farrag es un artista afincado en Los Ángeles y Becario Joan Mitchell 2024. Entrevistamos a Farrag sobre su obra y su práctica creativa en marzo de 2025. Lo que sigue es un extracto editado de la transcripción de esa conversación.

Trabajo principalmente con cerámica y dibujo. Mi obra parte inicialmente de una práctica del dibujo y la pintura. Con la cerámica, me gusta crear algunas obras que son más escultóricas o figurativas, y luego otras obras en las que casi estoy haciendo pinturas en el espacio tridimensional, tratando con la composición y el color. Me gusta poner capas de historias: personajes que invento, personas u otras imágenes que a menudo sustituyen emociones o cosas por las que estoy pasando en la vida. Es la construcción del mundo. Creo que con cada lote de obras o cada año que hago, mi trabajo me revela este mundo y puedo compartirlo con la gente.

Con suerte, pongo lo suficiente en el trabajo para que la gente pueda captar la variedad de emociones que existen en él. Hay muchas cosas divertidas, coloridas y emocionantes, pero también pongo en ellas muchas de las cosas más pesadas que he experimentado en la vida. Siempre intento ponerlo cada vez más y espero que se traduzca, para que si alguien siente lo que yo siento o ha tenido experiencias similares, pueda decir: "Sí, yo también" Esa es mi esperanza. Y también intento poner pequeñas cosas para sorprender a la gente.

Considero que mi trabajo se inscribe en la tradición de la cerámica Funk de California, en la línea de artistas como Ruby Neri, Ken Price, Robert Arneson, Viola Frey, que trabajan la arcilla de una forma estilística, humorística y personal, utilizando colores y esmaltes brillantes y este enfoque ilustrativo. También hago referencia a los cómics underground que había en la zona de la bahía en los años 60, 70 y 80: Robert Crumb es un famoso artista de ese grupo. Me gustan esos cómics y los compro y colecciono en eBay. Después, fusiono ese tipo de estética funk con mis propios antecedentes y herencia, incorporando formas y esculturas y referencias de los lugares de los que proceden mis padres en Oriente Medio y el Norte de África.

Mi enfoque de la creación también proviene del monopatín y de la idea del freestyle: observar el mundo y encontrar formas de trabajar con el desafío. Encuentras unas escaleras chulas en una colina y piensas: "Puedo hacer algo con esto" He montado en monopatín desde que era niño y trato de mantener esa mentalidad de improvisación o freestyle en la forma en que todas estas cosas se mezclan en el estudio.

Tengo mi propio estudio en el centro de Los Ángeles, que monté a finales de 2023, después de terminar mi máster. Construirlo fue un proceso bastante largo, porque se necesitan muchas cosas en un estudio de cerámica. Pero ahora tengo el espacio para hacerlo, así que estoy bastante encerrada allí por un tiempo.

Para gran parte de mi trabajo, no planifico demasiado y lo voy descubriendo sobre la marcha. No sigo un proceso fijo, pero puedo establecer una estructura dentro de la cual improvisar. A veces tiro un jarrón, lo miro y empiezo a dibujar en él. Es casi como hacer garabatos, intentar hacer catarsis. Y mientras lo hago, surgen ideas e intento trabajar en ellas al mismo tiempo. La arcilla hace que salgan cosas.

Aunque mi trabajo es muy improvisado, también pienso mucho en la artesanía. Hay muchas referencias a la escultura egipcia y a los huevos de Fabergé y a esos objetos decorativos que, para mí, tenían esa artesanía extrema que me resulta divertido utilizar como referencia cuando intento descifrar la arcilla. Me fijo en una referencia concreta e improviso dentro de esa forma, para rehacerla y convertirla en otra cosa.

Construyo cosas bastante gruesas para poder enviarlas con seguridad. La arcilla gruesa da miedo. La cocción del bizcocho es muy dura y ahí es donde las cosas pueden ir realmente mal. Aunque tomes todas las precauciones, te puede morder. Pero una vez superada la fase de bizcocho, sólo cuezo cada escultura una vez, a menos que añada brillo, que tiene que cocerse a una temperatura más baja. Pero, en su mayor parte, termino de esmaltar en una sola pasada, lo que crea muchos casos en los que pienso: "No sé qué va a pasar aquí"

Con las superficies y el trabajo de esmaltado de mis piezas, ocurren muchas cosas diferentes. Me gusta utilizar una gran variedad de subesmaltes y esmaltes en distintas aplicaciones, tanto experimentando con nuevos esmaltes comerciales como investigando técnicas antiguas. Hay todo un espectro con el que puedes jugar, y cada pieza que sale del horno contiene valiosas lecciones. Una técnica que utilizo a menudo es la mayólica, que es como un esmalte blanco con un subesmalte encima. Me gusta la mayólica porque puedes hacer una pequeña pintura en cerámica. Es una forma de tener ventanas a pequeños mundos que puedes dibujar. Por ejemplo, en la pieza Traffic Symphony Panel, quería dar a entender que el espejo lateral de un coche reflejaba mi autorretrato. Es una forma estupenda de utilizar el dibujo y la pintura para añadir una capa narrativa a las esculturas.

Con mis esmaltes, el brillo es toda una capa de composición, además del color. Componer esmaltes mates, satinados, texturados y brillantes de forma rítmica puede hacer que la arcilla parezca un montón de materiales diferentes. Ya sabes, cuando ves un Toyota y el parachoques de plástico mate y la pintura brillante, la goma del neumático, todos esos brillos diferentes crean una sensación, y a través del esmalte intento aprovecharla. Pero la cerámica lo hace perfectamente. El brillo es muy brillante, y tienes el mate satinado y el mate, el esmalte iridiscente. Hay mucha cerámica de brillo antigua de la zona de Oriente Medio, así que siempre es genial intentar conseguir esos brillos. Para mí, también tienen un aspecto muy industrial, cuando son metálicos o iridiscentes, casi no parecen naturales. El bajo vidriado también puede hacer eso. Puede hacer que las cosas parezcan poco naturales, incluso de plástico.

Una vez que he terminado todo el esmaltado, meto la pieza en el horno y veo qué pasa. Realmente intento respetar el medio en cuanto a lo que me devuelve, porque no me corresponde controlarlo por completo. Creo que saco cosas muy buenas de él, pero también me sorprende, como que el esmalte se corra o sea demasiado fino en algunas zonas. Pero me siento como, ¿por qué controlar algo así que es tan hermoso? No quiero decir: "Oh, tiene que ser así" Si ése fuera el caso, haría otra cosa.

Acabo de terminar un conjunto de obras para una exposición individual, Hybrid Moments, que estará hasta el 19 de abril en Deitch Projects de Nueva York. Se trata principalmente de obra nueva: esculturas de cerámica y algunos dibujos. Cada una de las piezas lleva un tiempo en sí misma, así que representa una buena cantidad de trabajo. Estoy contenta con ello. Algunas de las obras tienen una narrativa muy personal.

La primera pieza que hice para la exposición es una escultura en forma de vasija llamada Amor complicado. Creo que fue la segunda pieza que hice trabajando a esa escala y tratando de insinuar en cierto modo una narrativa. Hay una historia en ella, y tiene símbolos directos por todas partes que se relacionan con lo que estaba atravesando en mi vida, en ese momento en el que me enfrentaba al compromiso de distintas maneras. Estaba construyendo esta gran pieza, y también me casé mientras hacía esa pieza, así que estaba pensando en mi compromiso y en la tentación y en diferentes partes de mi vida en ese momento. Vivía en Echo Park, así que hice una escena en Echo Park con una pareja en una barca cisne roja. Hay una garza roja y un fondo verde; simplemente buscaba escenas de aspecto realmente dramático.

Empecé con eso y luego fui añadiendo más piezas. Hay unos dibujos en la parte inferior, pequeños ojos de buey hacia escenas más realistas. Así que ahí está mi perro o la Parca, hay un feto, que es simplemente estúpido, pero intenso, como la muerte en vida. Y luego hay un tipo en un patinete atravesando la ciudad, y un pez de colores en el océano, y simplemente diferentes relaciones caprichosas entre las cosas. Y luego termina en la zona donde está mi estudio, el Distrito de la Moda, con esta tentadora criatura que está encima de la tienda, que es como lo sublime, una especie de "entra si quieres". O pasas de largo o entras en la tienda. Así que simplemente atravieso mi vida en ese momento, intento ser honesta y luego hago arte sobre ello, y luego lo escondo todo detrás de otras cosas. En algunas obras, los símbolos y la narrativa son más directos, como en ésta, y en otras pueden estar más en segundo plano.

En este cuerpo de trabajo, siento que existe esta progresión desde que empecé con la cerámica, una práctica de trabajo. Hace quizá tres o cuatro años, empecé a intentar hacer obras que abordaran la escultura figurativa occidental, como David o Laocoön -esas grandes esculturas occidentales-, pensando: ¿cómo hago mi adición o expreso lo que siento ahora? Una obra reciente, Second Skin (Segunda piel), tiene una figura con la piel hecha jirones, musculosa y desgarrada. En la parte posterior de la obra hay una máscara que se cierra con una cremallera, y es algo intimidante. Así que la pieza trata de quitarse la cremallera o la segunda piel durante un segundo. La figura está acunando su cerebro y tratando de averiguar cómo lidiar con este pútrido cerebro Es espeluznante, pero también está el huevo de Fabergé, que yo veo como un deseo interior, una inocencia o algo que sale de la armadura. Hay casi una sensación biomecánica en la armadura. Intentaba imaginarme a mí misma en ese momento, pero también a esta figura y a este personaje, como metiéndolo un poco en eso.

En la exposición también hay dibujos a carboncillo que hacía mientras fabricaba las piezas de cerámica. Hice el primero cuando estaba en la escuela, simplemente explorando cosas. Y luego, mientras hacía las obras para esta exposición, empecé a retomar ese proceso, haciendo dibujos muy pequeños. Me gustó lo que hice con aquel primer dibujo, en el que cuadriculé el papel y trabajé la simetría de un modo extraño. Y con el carboncillo, también podía meter las manos e incorporar gestos con las manos, de un modo parecido a la arcilla. Los dibujos puedo hacerlos rápido, y tienen la energía que quiero sacar de la arcilla, pero la arcilla me ralentiza, es como caminar por el barro literalmente. También puedo terminar una pieza de dibujo y empezar otra en el mismo momento. Así que para mí es una buena contrapartida poder dibujarlas y sacar ideas de los garabatos, lo que siempre me hace sentir bien.

Siempre he dibujado al margen, pero estas obras, con el carboncillo, tienen acción. Hay geometría y trabajo con patrones, lo que siempre es, de nuevo, agradable para continuar con las tradiciones culturales, el trabajo con patrones islámicos y el culto a lo divino a través de la geometría. Y es genial jugar con la simetría, porque parece extrañamente divina todo el tiempo. O como el infierno. Es una de las dos cosas. Es divertido poner eso en el espacio con las esculturas, porque muchas de las esculturas tratan de alguna fuerza mayor que entra. No sé si es un demonio o un gran amigo o qué, pero siempre hay unas manos que entran en escena.

Fue un gran impulso para la exposición Deitch Projects. Lo puse todo en este cuerpo de trabajo, y luego ya veremos qué sigue. Estoy trabajando en mi obra y tengo algunos proyectos personales. Estoy intentando hacer una gran mesa de mosaico, algunas otras cosas. Me encantaría hacer más exposiciones. Estoy intentando resolverlo todo.

Entrevista y edición de Jenny Gill. Más información sobre la obra de Sharif Farrag en shariffarrag.com.