En el estudio: Shane Darwent

Shane Darwent es un artista interdisciplinar afincado en Tulsa, OK, y becario Joan Mitchell 2022. Le entrevistamos sobre su obra reciente y su práctica creativa en marzo de 2023. Lo que sigue es una transcripción editada de esa conversación.

Soy principalmente escultor y fotógrafo. La fotografía siempre ha sido la primera línea de mi práctica, y siempre he hecho fotos de paisajes comerciales cotidianos. Suelo llevar la cámara conmigo cuando salgo a hacer el más aburrido de los recados. Es una herramienta que me ayuda a hacer las paces con estos paisajes que pueden frustrarme, ya sea navegar por un centro comercial o un aparcamiento u otro tipo de cosas de la infraestructura construida que pueden mediar en la forma en que te mueves por el paisaje. Empecé a fotografiar ese tipo de espacios y, a partir de ahí, me interesé por hacer esculturas utilizando los procesos y materiales que fotografiaba.

Esas fotografías desembocaron en esculturas que utilizaban formas de toldos de escaparates y técnicas de fabricación. He trabajado con diversos revestimientos de edificios, como revestimientos de vinilo y estuco. Todo ello para intentar hacer las paces con estos paisajes comerciales, para comprender todo lo que presentan exteriormente y también todo lo que no son: todas las grietas, las costuras y el juego de ese espacio.

Cuando crecí, el arte era para mí una herramienta para procesar el mundo. Mi familia era muy del tipo "sigue tu dicha", pero estaba muy orientada hacia los deportes y la cultura popular, por lo que no estuve realmente expuesta al canon de los artistas importantes. Me encontré en la escuela de arte, donde aprendí sobre los iconos del modernismo y la escultura minimalista, y empecé a ver cómo su obra existía en estos espacios un tanto banales por los que yo intentaba navegar. Así que mi trabajo ha sido una conversación con esos iconos de la escultura moderna de posguerra, como Barbara Hepworth o Isamu Noguchi, que intentaban tener esta comunión con el paisaje natural.

Ahora, 50 años después de que ellos trabajaran, el paisaje natural está tan ofuscado y tapado. Así que no esculpo rocas, sino que utilizo chapas de roca para mantener una especie de conversación imposible sobre el lugar que ocupa lo orgánico en el paisaje contemporáneo. Y también es una conversación irónica con los iconos del minimalismo, como situar a Donald Judd en los bloques de aparcamiento del centro comercial. Así que estoy expresando tanto reverencia como irreverencia por esos antepasados, honrándolos pero también jugando con ellos, y averiguando dónde existen en el paisaje contemporáneo actual.

Como la fotografía forma parte de mi práctica escultórica, siempre ha habido un ida y vuelta en el que hago fotografías que inspiran esculturas y éstas, a su vez, influyen en mi forma de ver el paisaje que fotografío. Pero en el caso concreto de los toldos, al principio me interesaron sus superficies y las capas de historia económica que contenían.

Estudié en la Universidad de Michigan. Poco antes, Detroit se había declarado en quiebra y la ciudad vivía una interesante época de reconstrucción. Veía las capas de la historia cultural y económica de Detroit incrustadas en los tejidos de los toldos. Para mis primeras esculturas de toldos, que hice fuera de Detroit, utilicé cubiertas de toldos desechadas que, literalmente, tenían una historia incrustada en ellas.

Ahora me interesa cada vez más el proceso en sí y la investigación de estas economías a través de esta forma y técnica de construcción tan específicas que se encuentran en los espacios que me interesan. Ha cobrado vida propia, como si fueran toldos disfrazados de escultura, cuando al principio quizá era lo contrario.

El año pasado hice una exposición individual titulada Sun Smoke en la Spencer Brownstone Gallery de Nueva York, en la que mostraba toldos de escaparates convertidos en esculturas, utilizando únicamente vinilo negro. Anteriormente, mi trabajo trataba de reunirlo todo en las obras fotográficas -esculturas de suelo, esculturas de toldos-, pero para ese proyecto me centré realmente en esta serie específica, a la que llamo Nocturnos. En cierto modo surgió de los primeros y oscuros días de COVID y de ver tantos cierres de negocios. Estos toldos negros se convirtieron en monumentos u oberturas de negocios cerrados o de negocios que volvían a abrir. He continuado con este conjunto de obras durante el último año.

El año pasado también colaboré con la casa de moda Saint Laurent, donde realicé 25 esculturas específicas para cada lugar a lo largo del año. Se instalaron en las tiendas insignia internacionales de Saint Laurent, así como en los escaparates de Bergdorf Goodman en Manhattan. De nuevo, se trataba de piezas de toldos negros para escaparates que, para mí, empezaban a hablar menos específicamente de un espacio comercial concreto. Retrocedía un poco y me planteaba cuestiones más amplias sobre la luz y la oscuridad, el peso y la ingravidez, utilizando estos procesos comerciales para mantener conversaciones más amplias y metafóricas.

Esto me ha llevado directamente a una exposición individual en la que estoy trabajando para la Escuela de Arte y Arquitectura de la Universidad A&M de Texas. La mayoría de las piezas de esta exposición de la A&M de Texas no tienen imágenes gráficas en los toldos. El vinilo, aunque esté reutilizado, parece completamente nuevo. Así que estoy dejando que el lenguaje material de ese proceso de construcción ocupe un lugar central, y utilizando mi estudio como un lugar donde el material puede ser algo más que un simple objeto al servicio de esta narrativa o de este negocio.

Hay una obra en particular que para mí se ha convertido en el ancla de la exposición: un largo friso negro de toldo. Es una especie de toldo de escaparate por excelencia, y su inclinación se alterna a medida que se desplaza por la pared a lo largo de 4,5 metros. Todos los elementos de esta pieza están envueltos en el mismo vinilo negro, pero debido a la ligera inclinación que tiene cada uno, el negro se convierte en un color completamente distinto a medida que se desplaza por la pared. Cuando te mueves a su alrededor, pasa de parecer una simple barra monolítica negra a algo que se revela a medida que tu cuerpo se mueve. Y luego, hay esas franjas de luz que se crean al cambiar la inclinación de los toldos, y la luz se vuelve increíblemente blanca y brillante, filtrándose desde ese vinilo negro.

En la exposición, las nuevas obras de los toldos se combinan con fotografías instaladas directamente en las paredes de la galería. Voy a ser artista residente en el campus durante varios días antes de la exposición y tomaré fotografías de los centros comerciales cercanos. Quiero que haya una llamada y una respuesta entre las representaciones del espacio construido a partir de las fotos y el espacio físico activado mediante las esculturas y las obras dimensionales. También suele haber una interesante textura arenosa evidente en las fotos, como cemento desmenuzado o colillas de cigarrillos, que creo que combina bien con la novedad del vinilo del toldo o de los objetos recién pintados.

Si hay un hilo conductor en lo que llevo rascando varios años, es la exposición de las chapas que dan forma a nuestro entorno, pero también una comunión con ello. Nunca he querido que la obra sea como agitar un dedo y decir: "¡Mirad la cáscara hueca de nuestro entorno construido!" Me interesa mucho el trabajo oculto que existe en estos espacios, y he desarrollado relaciones realmente asombrosas con comunidades de fabricantes y con la tienda de toldos de Tulsa llamada Awnings of Tulsa. Hemos trabajado en una serie de proyectos que han iluminado un proceso arquitectónico hasta convertirlo en una especie de arte en capas. Y para los fabricantes, también ha sido una oportunidad de reconocer que el trabajo que hacen es inherentemente artesanal, bello y artístico.

Cuando pienso en la gente que se encuentra con mi trabajo, si experimenta algo de esa trascendencia de un material, creo que eso es todo lo que podría esperar. Como: "Oye, esto existe estrechamente en mi navegación por el mundo como esta cosa, pero también es esta otra cosa que representa a toda otra comunidad invisible que da forma al paisaje en el que vivimos"

Además de la exposición de Texas A & M, en verano expondré en Tinney Contemporary, en Nashville. También tengo un proyecto en Frankfurt (Alemania) la próxima primavera, que en realidad surgió de la Beca Joan Mitchell, ya que fue así como el galerista encontró mi obra.

Otra cosa interesante que estoy desarrollando ahora, relacionada tangencialmente con mi práctica en el estudio, es un intercambio regional de microrresidencias llamado Plains Exchange. No soy del Medio Oeste ni de las Llanuras del Sur -o lo que sea Tulsa-, pero llevo aquí unos años en la Tulsa Artist Fellowship. Aquí hay una pequeña comunidad artística, y hay otras escenas artísticas en crecimiento en la región, como Oklahoma City, Kansas City, Dallas, y todo lo que está ocurriendo en el noroeste de Arkansas con Crystal Bridges y todo el dinero de Walmart. Ahora es un programa piloto, pero en esta primera iteración se trata de un intercambio individual. Enviamos a un artista de Tulsa al noroeste de Arkansas, le alojamos durante dos semanas y le ponemos en contacto con la escena artística local. Y luego, llevaremos a un artista del noroeste de Arkansas a Tulsa durante un periodo de dos semanas. Seré su enlace y facilitaré las visitas a los estudios y un estudio abierto y una conversación con ellos mientras estén aquí.

Plains Exchange se está ramificando a partir de ahí. Tengo planes para traer a Tulsa a gente de Kansas City y Dallas, para intentar que crezca la conversación de forma holística entre estas diferentes comunidades artísticas. Ninguna de estas ciudades será nunca Nueva York o Los Ángeles, así que si pudiéramos aunar un poco nuestros recursos y ayudar a conectar a los artistas de estas ciudades vecinas con los recursos a los que tienen acceso unos y otros, entonces parece que quizá podríamos ser más grandes que la suma de nuestras partes y construir algo con más conectividad. No soy una artista de práctica social, pero me gusta conectar comunidades, así que es algo que me entusiasma.

Entrevista y edición de Jenny Gill. Más información sobre el trabajo de Shane Darwent aquí.