En el estudio: Scott Hocking

Scott Hocking es un artista afincado en Detroit y becario Joan Mitchell 2022. Le entrevistamos sobre su obra en marzo de 2023. Lo que sigue es una transcripción editada de esa conversación.

Me gusta decir que soy un artista de instalaciones específicas, pero la verdad es que hago fotografía, vídeos, esculturas e instalaciones escultóricas. A veces todas esas cosas se combinan o se entrecruzan. Lo único que no suelo hacer son pinturas. Pero me gusta crear obras de arte basándome en cualquier medio que me parezca adecuado para esa idea. Si parece que una idea tiene que manifestarse a través de una danza interpretativa, tal vez lo haga. Aún no lo he hecho, pero si hay alguna posibilidad, quiero estar abierta a ella.

Me gusta mucho trabajar con la historia de un lugar, la energía de un lugar, la sensación que tengo allí, las ideas de la gente con la que hablo, los libros que leo, las noticias, la historia antigua... cualquier cosa. Me interesa combinar capas de historia con un lugar y los materiales disponibles, o a veces no disponibles, pero lo ideal es utilizar materiales de desecho ya disponibles, para poder trabajar con esa energía e historia, y reciclar cosas que ya existen en lugar de generar más residuos. Siempre me planteo el reto de descubrir una nueva forma de trabajar para cada proyecto, y me encanta ese reto.

En realidad, estoy esbozando con la escultura. Lo voy descubriendo sobre la marcha. Me muevo por sensaciones. Como muchos artistas, siempre quiero esperar ese rayo de inspiración y claridad de visión. No siempre puedes permitirte ese lujo en cuanto a tiempo, pero creo que puedes encontrar formas de llegar allí con más urgencia si lo necesitas. Para mí, todo es cuestión de adaptabilidad. Creo que ser artista consiste en sortear obstáculos en cada proyecto. Es una serie continua de yuxtaposiciones. Por ejemplo, si estoy haciendo una instalación escultórica gigante y alocada que me exige mucho físicamente, asumiendo una especie de tarea de Sísifo, normalmente es entonces cuando pienso: "Tío, ojalá pudiera hacer una serie de dibujos diminutos en servilletas" O: "Tengo que empezar a hacer esculturas de unos cinco centímetros de alto, hechas con materiales ligeros"

Mentalmente, trabajo en múltiples ideas y proyectos paralelos todo el tiempo. Por ejemplo, ahora mismo tengo unas cuantas esculturas públicas que estoy sacando adelante y estoy haciendo obras para una próxima exposición individual para la Universidad Central de Michigan. Tengo probablemente DEMASIADAS series fotográficas en curso basadas en Detroit en las que básicamente "trabajo" cada vez que me subo al coche. Y sigo trabajando en proyectos basados en kayak en Detroit y Michigan, filmando y documentando desde las vías fluviales. Creo que tal vez trabajar en distintos medios sea un acto de equilibrio que me ayuda a mantener equilibrada toda mi vida. Puedo encontrar un respiro en otros medios cuando estoy harta de uno. Puede que al final quiera hacerlos todos, pero durante las partes difíciles, cambiar de medio suele ser mi forma de superar los retos.

A medida que te haces mayor y sigues trabajando, puedes empezar a ver la línea temporal de tu trabajo y una visión de pájaro de todo ello, y decir: "¡Oh, he estado hablando de esto o de aquello todo el tiempo!" Creo que siempre utilizo el arte para superar mis propios traumas, mis propias pautas vitales. Lo utilizo para interpretar qué demonios está pasando en el mundo. Y uno de los hilos conductores de mi práctica es que me irritan las pautas de comportamiento humano en la Tierra, las tonterías que hemos hecho una y otra vez, y que seguimos haciendo. Abandonando y desperdiciando material, dejando rastros de destrucción allá donde vamos. Me alimenta, me hace querer comentarlo, hacer algo al respecto. No creo necesariamente que cambie nada a largo plazo, pero me siento impulsada por ello.

También me interesa utilizar material desperdiciado para hablar de ideas más profundas, universales y metafísicas, como los ciclos de muerte y renacimiento, y cómo percibimos la decadencia, la muerte y los finales. ¿Existen realmente finales? ¿O sólo formamos parte del ciclo natural que sigue moviéndose eternamente en patrones de nacimiento y vida y muerte y renacimiento? ¿No formamos parte de eso? No sólo en nuestras vidas personales, sino en las grandes líneas temporales de la historia humana, los ciclos planetarios, los macro y microuniversos, etc. Me interesan estos mismos patrones en las civilizaciones, en las mitologías, en la historia, la religión y el misticismo.

También hay líneas de fondo realmente prácticas en mi trabajo. Procedo de un entorno muy obrero. Aprendí a utilizar herramientas cuando era muy joven, y procedo de una ciudad que es muy famosa por su industria. Todo el mundo tiene alguna relación con la industria automovilística o con los coches de Detroit. Crecí junto a las vías del tren, y en casi todos los proyectos que hago incluyo materiales o conexiones con el ferrocarril, a veces incluso como un huevo de Pascua para mí. Lo llevo en la sangre. El ferrocarril era un consuelo para mí cuando era joven. Iba a las vías y paseaba y exploraba, escapando un poco de la realidad. Hay muchas ideas como ésta que siguen enhebrándose en mis proyectos, y quizá siga intentando descifrarlas a medida que sigo trabajando a lo largo de los años.

En agosto del año pasado, instalé en el centro de Detroit una escultura de bronce de 3 metros llamada Ciudadela Flotante. Es la mayor escultura pública que he hecho nunca en una metrópoli. Es fundamental para la ciudad, es permanente y va a durar más que nosotros. Si se produjera un cataclismo apocalíptico, sobresaldría del suelo como la Estatua de la Libertad en El planeta de los simios. Me siento muy bien con eso, y con la obra en general. Era importante para mi carrera, pero también era un autorretrato del que llevo haciendo versiones desde 1999. Mi autorretrato de la caja torácica de la rejilla de la alcantarilla. Decidí hacer también un montón de versiones más pequeñas en bronce, así que durante los dos últimos semestres he estado trabajando en la escuela de arte de Detroit, utilizando su fundición para hacer obras de bronce más pequeñas.

Ahora mismo estoy en las primeras fases de un proyecto que realizaré en Bosnia-Herzegovina. En mayo, me llevará a Bosnia el comisario Irfan Hošić, que quiere que haga una intervención en un lugar concreto, una instalación, posiblemente una pieza permanente. Me intrigan mucho las esculturas y monumentos de hormigón que hay por toda la antigua Yugoslavia, llamados Spomeniks. Están en diversos estados de deterioro, muchos de ellos son de hormigón armado o piedra, y tienen una forma muy brutalista. Me hace mucha ilusión este viaje. Aprenderé mucha historia, luego volveré a Detroit y pensaré qué demonios voy a hacer.

La investigación es una gran parte de mi práctica: sentarme delante del ordenador, adentrarme en madrigueras de conejo, leer y aprender. Y si hay una dirección, la sigo. Puede que no me lleve a ninguna parte, puede que sea un callejón sin salida, pero para mí es una gran parte de lo que hago: aprender, filtrar, descifrar. Ya sabes, la gente de Detroit se pone muy sensible cuando alguien de fuera viene a hacer un proyecto y tiene una idea de la historia de aquí, para marcharse dos semanas después. Así que no quiero ser nunca ese tipo cuando hago proyectos fuera de donde vivo y trabajo. Ésa es una gran parte de la investigación para mí. Quiero saber, de los bosnios, ¿es ésta una buena idea, o crees que es una dirección llena de mierda? Todo ello me ayuda a informarme y guía mi trabajo.

Acabo de desmontar una exposición retrospectiva de 25 años en el Museo de Arte Cranbrook. Fue realmente humillante. Rara vez me siento orgullosa y no me gusta tener ego en estas cosas. Intento centrarme en el trabajo, centrarme en las ideas, en el proceso. Pero realmente me sentí orgullosa. Me sentí como: "Joder, sigo viva, estoy menos arruinada que nunca, y alguien ahí fuera ha decidido que soy digna de tener una gran exposición en un museo" Fue realmente alucinante.

Por supuesto, como muchos de mis proyectos, la instalación fue una gran empresa física. Había varias instalaciones a gran escala en el museo, además de fotografías que documentaban proyectos específicos que no se pueden recrear. Pero la instalación se realizó sin problemas. Eso también fue un poco chocante. Estoy muy acostumbrada a que se produzcan contratiempos. Creo que parte de la experiencia fue ver que se me da muy bien sortear estos obstáculos, simplemente moverme a través de ellos. El día de la inauguración no estaba estresada, lo cual fue agradable.

Antes de instalar la exposición, también pasé mucho tiempo trabajando en el catálogo. Andrew Blauvelt, Director del Museo de Arte de Cranbrook y comisario de mi retrospectiva, investigó a fondo sobre mí y sobre mi práctica a la hora de montar la exposición. Exploró mi sitio web, leyó artículos, siguió largas historias de Instagram que yo había escrito... Fue impresionante. Y fue idea suya centrarse en mis escritos, además de en todas las obras de arte de la exposición, y crear un catálogo completo para la muestra. Por si aún no lo sabías por esta entrevista, ¡sé hilar muy fino! Así que tiene mucho sentido que Andrew decidiera llamar a mi retrospectiva Historias de Detroit.

Al final, trabajamos juntos en el tomo de 344 páginas durante unos 6 meses. Contiene 12 ensayos míos, algunos largos, otros cortos, algunos de hace casi 20 años y otros escritos específicamente para el catálogo. Además, escribí descripciones para los 44 proyectos incluidos en el catálogo. También había carteles con mis escritos por toda la exposición, extractos de los textos. Mucha gente se acercó después y dijo lo mucho que había disfrutado leyéndolos. Ese aspecto fue, de nuevo, muy sorprendente, y me dio la sensación de que, de cara al futuro, quiero seguir centrándome en integrar la escritura en las cosas que hago. No es que no lo hubiera hecho ya, pero esto realmente lo formalizó, le puso un sello y lo hizo sentir oficial.

Esta retrospectiva me ha dado la sensación de que tal vez esto sea todo. Quizá sea la cima. Lo he alcanzado, lo he conseguido. He tenido una retrospectiva en un museo. A partir de aquí todo va cuesta abajo" ¿Quién sabe? Pero me parece bien. Cuando eres artista, te acostumbras a vivir con la incertidumbre. Creo que, en cierto modo, a la mayoría de los artistas les fue bien durante la COVID porque decíamos: "Oh, así es como vivimos siempre, con lo desconocido" Yo estoy bien con esto. Elegí vivir con lo desconocido, sin saber de dónde iba a venir el próximo sueldo o si el mundo se iba a acabar mañana.

Y también con la retrospectiva, había una sensación como de: "Sigue trabajando. Sigue rompiéndote el culo. Sigues centrándote en tus ideas, y las cosas suceden" Es alentador. Cambia parte de esa incógnita por una certeza. Y me hace sentir que no tomé una decisión equivocada cuando decidí ir en esa dirección hace décadas. He seguido un camino, y voy a seguir haciéndolo y ver qué ocurre. Y ganar la Beca Joan Mitchell fue uno de esos momentos en los que dices: "¡Mierda! Voy a seguir cobrando durante años!" Es decir, que definitivamente seguiré siendo artista dentro de unos años.

Entrevista y edición de Jenny Gill. Más información sobre el trabajo de Scott Hocking aquí.