En el estudio: Sarah Amos

Sarah Amos es una artista nacida en Australia y afincada en Vermont. Amos recibió la Beca para Pintores y Escultores de la Fundación Joan Mitchell en 2013 y fue artista residente en el Centro Joan Mitchell en otoño de 2022. La entrevistamos sobre su obra y su práctica creativa en octubre de 2022. Lo que sigue es una transcripción editada de esa conversación.

Soy grabadora desde hace más de 30 años. Al principio me formé como maestra grabadora especializada en litografía, colagrafía y monocopia sobre papel. Hace nueve años, hice la transición al textil y ahora exploro una amplia gama de superficies y texturas para el grabado. Mi interés actual es crear tejidos únicos estampados a mano que combinen la estampación con el aplique y la costura. Ahora estoy seriamente comprometida con esta técnica ecológica y sigue siendo mi principal objetivo.

Siempre me ha gustado el papel por su tacto orgánico, su carácter luminoso y su rica historia, pero últimamente me han intrigado las superficies no tradicionales para el grabado, como el lienzo, el lino y la arpillera, que es una tela áspera parecida a la arpillera. Había estado buscando una estética que pudiera ralentizar la mente y la mano, haciendo obras meditadas y profundamente estratificadas. Finalmente elegí el fieltro por su riqueza, tactilidad e intimidad inherentes.

Mi obra actual es una amalgama de costura contemporánea e histórica sobre fieltro acrílico con grabado por colagrafía. El collagraph es un proceso inspirado en el intaglio, mediante el cual se entintan e imprimen materiales texturados y marcas incisas. Esta técnica actúa como plataforma sobre la que se puede construir el resto del dibujo. Empleo un enfoque de cosido de forma libre centrado en patrones lineales y orgánicos, utilizando mezclas de hilo de bambú y sutiles cambios de color para crear un festín óptico y un acabado tridimensional. El hilo se apuñala, salpica, raya y hace hoyuelos en las superficies impresas. En algunas obras, los apliques impresos sobre lienzo y lino se cosen directamente sobre la superficie de fieltro para que actúen como otra extensión espacial.

Quiero utilizar el hilo como una telaraña que envía información, conectando al mismo tiempo la impresión de abajo y el dibujo de arriba. Lo importante para mí ahora es hacer una imagen a la vez que refleje no sólo la atención al detalle y la materialidad, sino un sentido del trabajo y del paso del tiempo. Después de trabajar en los grandes fieltros, me di cuenta de que el hilo había sustituido al material de dibujo y el fieltro al papel. Ante mí se acumulaba una nueva dirección que siempre había buscado.

El motivo es relevante en este conjunto de obras, ya que genera movimiento visual alrededor de ellas y sacia mi amor por la repetición, la costura histórica y la flotabilidad visual. Encuentro mi dirección dentro de los caminos del patrón, mientras que otras veces llevo la puntada fuera del camino.

Utilizo estampados/textiles cosidos a gran escala con formas quiméricas y figuras orgánicas como base para explorar la estética fantástica y el comentario alegórico. Me interesan las intersecciones de la ciencia y la naturaleza, así como la relación entre elementos orgánicos e inorgánicos, y las diversas permutaciones abstractas que surgen cuando chocan en la página. Construyo constantemente mi propia narrativa personal a través de esta exploración.

Últimamente, mi proceso ha consistido en llevar una serie de cuadernos de bocetos para anotar nuevas ideas y composiciones de color. A partir de ahí, hago una serie de pinturas más pequeñas sobre papel y trabajo en varias a la vez para crear un diálogo a través de muchas superficies. Una vez establecidas las imágenes en papel, las convierto en impresiones/textiles a gran escala. Prefiero hacer impresiones collagraph con cartón reutilizado por su espontaneidad, facilidad de uso y complexión rugosa. Haré una serie de planchas de cartón basadas en las pinturas y las llevaré con incisiones y superficies texturizadas. Luego se imprimirán sobre lino, lienzo o fieltro. Tras múltiples pasadas y técnicas de estratificación en mi prensa de grabado, estarán listas para recibir el hilo o el collage de tela que se emplean en la superficie acabada.

Me encontraba en fase de investigación y desarrollo cuando llegué para mi residencia en el Centro Joan Mitchell. Como trabajo con imágenes a gran escala que necesitan una prensa de grabado grande, no pude llevarme estas piezas más grandes, pero estaba decidida a experimentar e investigar nuevas vías para las próximas obras. Este tiempo fue extremadamente valioso, no sólo para mi bienestar psicológico, sino también para la progresión de nuevas ideas. Durante el periodo de residencia pude divagar, consolidar, editar y, finalmente, reconfigurar nuevas obras que preveía realizar a mi regreso.

En el estudio, creé dos cuerpos de obra distintos. En primer lugar, realicé una serie de pequeñas maquetas murales con cartón, gouache e hilo. Quería experimentar con algunas configuraciones nuevas de mayor tamaño que acababa de empezar en el estudio de casa. Al volver a casa, estas pequeñas piezas se convertirían en experimentos de 3,5 x 4 pies y, finalmente, en piezas de pared de 6 a 9 pies del tamaño deseado.

El segundo cuerpo de trabajo eran mis pinturas al gouache de 17 x 23 pulgadas sobre papel. Estas pequeñas pinturas son cruciales para mi práctica en el estudio. En ellas trabajo el color, la forma, la composición y la narrativa, y decido qué dirección quiero seguir en una serie de obras más grandes. Una vez terminados estos cuadros, considero la disposición de las imágenes más logradas y empiezo a plasmarlas en obras textiles o impresas de mayor tamaño, de unas 66 x 78 pulgadas.

La residencia en el Centro Joan Mitchell fue crucial para establecer qué piezas pasarían al siguiente nivel de fabricación. Estas piezas pueden tardar un año en fabricarse, por lo que era importante para mí establecer una estrategia visual y calcular lo que haría falta antes de volver al estudio en casa. Las piezas con forma son todo un reto técnico, así que ha sido una curva de aprendizaje empinada pero emocionante. Durante mi residencia, también estuve resolviendo algunos serios problemas técnicos (aprender a coser en una máquina de coser en 3D) que había experimentado antes de venir al Centro Joan Mitchell y que finalmente resolví durante mi estancia en el estudio.

Tengo una apretada agenda para 2023, que incluye una exposición en marzo en la Galería Patricia Sweetow de Los Ángeles y la publicación de dos libros. El primer libro mostrará mis dibujos, pinturas y cuadernos de bocetos, mientras que el segundo será una historia cronológica de todas mis obras textiles desde 2014. Busco constantemente nuevas formas de desafiarme a mí misma y de experimentar con distintos materiales. Estoy deseando explorar nuevas ideas y, espero, más viajes a Nueva Orleans, Australia y Japón este año.

Entrevista y edición de Jenny Gill. Más información sobre el trabajo de Sarah Amos aquí.