En el estudio: Ronny Quevedo

Ronny Quevedo es un artista afincado en Nueva York y galardonado en 2021 con la Joan Mitchell Fellowship. Le entrevistamos sobre su obra y los procesos de su estudio en mayo de 2022. Lo que sigue es una transcripción editada de esa conversación.

En mi trabajo, tiendo a pensar en espacios en los que he estado o en espacios que están siendo reimaginados. Varían, pero a menudo se quedan en la gama de campos de juego, campos abstractos o dibujos de constelaciones. La topografía y la cartografía son una parte importante de mi trabajo: la forma en que cartografiamos nuestro pasado y nuestro presente y, en particular, la cartografía de los espacios de juego. Pienso en los diagramas deportivos que funcionan dentro del gimnasio, pero también en los juegos que funcionan en un campo o estadio y requieren una mayor cantidad de espacio físico para jugar, como el fútbol o el balompié.

Estos campos, o los campos que se están reimaginando, tienden a ser paralelos a esta noción de movimiento de un lugar a otro. Pienso en el hogar y en espacios ajenos, lugares que están en constante negociación. Se trata de cómo nos aclimatamos y cómo operamos y navegamos por espacios que son nuevos para nosotros. Es una cuestión sobre inventiva y reimaginación.

Me he concentrado en los campos de juego, pensando en las ligas de fútbol sala en particular, en relación con Nueva York y con el mundo en general. También he explorado el espacio, pensando en constelaciones y estrellas. A veces dibujo lugares en los que he estado, en los que he jugado, operado o crecido, y otras veces es casi una imaginación colectiva de cómo creemos que es el cosmos o cómo imaginamos que es el espacio exterior. La idea de mirar hacia abajo en un campo -la vista aérea a vista de pájaro- es realmente clave para mí. Creo que es probablemente la mejor manera de reunir un sentido de convocatoria; construye un espacio en el que todos podemos proyectarnos.

En el pasado, gran parte de mi trabajo ha sido de técnica mixta. Hago algunos de mis dibujos cortando hojas de papel de contacto en tiras, escalando de la misma forma que se aplicarían tablones de madera al suelo. Los dibujos, en cierto modo, son esquemas de espacios que podrían existir. Los pequeños trozos de papel de contacto que parecen chapas de madera se aplican uno a uno sobre la superficie de un panel u hoja de papel. Ese tipo de fragmentación es también una nueva visualización del espacio informada por el proceso.

Otro componente que incorporo a la obra es un proceso de transferencia de material de cera a distintas superficies. Este tipo de vaivén fomenta la idea de resistencia, poniendo de relieve lo que se transfiere y lo que no de un dibujo o de una copia a otra. Este método de trabajo influye enormemente en mi nuevo trabajo de estudio.

Intento ser lo más consciente posible de lo que los materiales que elijo deben imbuir o representar. Recientemente, he empezado a centrarme en el uso de la muselina como material, porque conecta con la historia de mi madre como costurera. Utilizo esta tela preparatoria que se usa en la confección para pintar. Un proceso de pensamiento similar me ha llevado a incorporar papel encerado a mis composiciones. El papel encerado también se utiliza en la confección y, a través de mis procesos, intento transformarlo y elevarlo a material de bellas artes: la base de un cuadro o de una obra sobre papel.

La idea de elegir estos materiales es tener presentes las historias de la clase trabajadora, la historia de mis padres. Mi padre es futbolista y mi madre costurera. Así que mantengo, en cierto modo, su legado, incorporando estos objetos y esta imaginería a mi arte.

Cuando hago la obra, quiero que el material esté en primer plano, que sea evidente. Espero que al darme cuenta de que se trata de muselina, transferencia de cera o papel de prenda, recuerde cierto tipo de trabajo vinculado a una clase particular. Para mí, eso es realmente importante como concepto, y potencialmente algo que permanezca en el espectador, sabiendo que esta obra pretende representar una historia del trabajo.

Mi obra actual toma el globo terráqueo como punto de partida. Pienso en las medidas y en esa noción de neutralidad a la que todos nos adscribimos y suscribimos cuando pensamos en espacios extranjeros o incluso en tierras extranjeras. La obra se indica mediante líneas latitudinales y longitudinales que varían de tamaño. Estas piezas tienen mucho que ver con romper una cuadrícula circular y pensar en cómo funcionan estas líneas de forma literal y metafórica. Al mismo tiempo, estas composiciones también tratan de cómo puedo transformar conceptos que doy por sentados y convertirlos en algo nuevo y reimaginado.

Estas obras también incorporan papel de patrones de confección. En relación con este material, pienso en el cuerpo, en nociones de identidad que son muy fluidas y están en constante movimiento. El papel estampado se utiliza tradicionalmente como forma de cartografiar el cuerpo, del mismo modo que la latitud y la longitud se emplean para trazar el globo terráqueo. Juntos, estos modos alternativos de cartografiar plantean cuestiones sobre cómo podemos pensar en nuevos espacios y nuevas identidades. Este grupo de obras está destinado a mostrarse en mi exposición individual de septiembre en Alexander Gray, Nueva York.

He invocado el cuerpo en trabajos anteriores colaborando con gente, sobre todo con bailarines o coreógrafos, para hacer performances con esculturas que hago o dibujos en los campos. La relación con el cuerpo siempre está ahí, porque a menudo, cuando pensamos en estos campos de juego, imaginamos los cuerpos de los jugadores moviéndose dentro de ese espacio. Esa relación directa con el cuerpo, e incluso la fragmentación del cuerpo, ha entrado en juego más recientemente en este nuevo conjunto de obras debido a la naturaleza de la confección de prendas de vestir. Existen ciertas correlaciones entre el movimiento del juego y la idea del cuerpo representado por la ropa.

Acabo de terminar una nueva obra pública para la nueva terminal de Delta en el aeropuerto de LaGuardia, encargada por el Museo de Arte de Queens en colaboración con Delta Airlines y la Autoridad Portuaria de Nueva York. Se trata de una gran instalación pública permanente, específica para el lugar, que se inauguró en junio. La obra, titulada Pacha Cosmopolitanism Overtime, es el suelo de un gimnasio que funciona como una especie de mapa de estos límites y fronteras que están en constante movimiento. La obra pone en primer plano la idea del transporte, del viaje, que es clave para tantas identidades. Es un homenaje a las comunidades de inmigrantes que hacen de NYC su hogar y a las ligas de fútbol sala que formaron parte de mi infancia, y para mi viejo.

La obra es una serie de líneas fragmentadas que proceden del suelo del gimnasio y del campo de fútbol. Luego se pintan sobre una serie de paneles hechos con el suelo del gimnasio. La obra entera mide unos 45 por 15 pies; abarca las tres plantas de la nueva terminal. La gente la verá desde distintos puntos de vista. Otro componente son las láminas de plata y oro que se aplican a los paneles, de modo que la obra responde no sólo a la arquitectura, sino también a la hora del día. A lo largo del día, la pieza cambia en función del reflejo de estos distintos materiales.

Estoy muy ilusionada con esta pieza, porque, en cierto modo, muchos de los dibujos que he hecho en el pasado -los diagramas de los campos, los tablones de madera del suelo, por ejemplo- son esquemas. Estaba muy contenta con ellos como dibujos, pero también estaban pensados para ser algo que pudiera construir en el futuro y ampliar.

Así que ahora, diez años después, estoy viendo en el aeropuerto todo esto que se originó como un dibujo totalmente construido y fabricado para esta pieza, lo cual es genial. Me hace mucha ilusión que la gente vea esta pieza, porque creo que es una obra muy vibrante que trata sobre la posibilidad y la transformación.

Entrevista y edición de Jenny Gill. Más información sobre la obra de Ronny Quevedo en ronnyquevedo.info.