En el estudio: Nicolás Galanin

Nicholas Galanin es un artista afincado en Sitka, Alaska, y Becario Joan Mitchell 2023. Le entrevistamos sobre su obra y su práctica creativa en febrero de 2024. Lo que sigue es una transcripción editada de esa conversación.

Mi trabajo está profundamente vinculado a mi cultura, a la tierra, a la historia, al momento presente y a las posibilidades futuras: imaginar nuevos futuros. Me considero una artista multidisciplinar. Trabajo en todos los medios, y empiezo con conceptos, por lo general.

Soy tlingit y unangax̂, y procedo de una historia de artistas talladores de tótems en nuestra comunidad, y de joyeros. Me formé en mi forma de arte cultural, que es un lenguaje visual muy específico que ha estado aquí desde tiempos inmemoriales. A través de ese trabajo, empecé a comprender mi ascendencia, mi conexión con el lugar y el conocimiento que encierra. Ese aprendizaje es continuo. Es un trabajo vital para mí.

Me he dado cuenta, a través del compromiso del mundo actual, de lo romantizadas que están esa cultura y esa historia, y de las limitaciones que le imponen perspectivas e instituciones externas. Así que he visto la necesidad de aventurarme y crear obras que representen la experiencia actual, llevándola a las conversaciones globales.

Algunos de mis proyectos son a pequeña escala, y se llevan en el cuerpo. Otros son a gran escala y requieren tiempo. Algunos son específicos del lugar, en los que trabajo con la historia de un lugar y la comunidad local de ese espacio. Como artistas, siempre tenemos que trabajar con limitaciones: presupuesto, tiempo, ubicación, recursos, lo que sea. Yo siempre navego por esas realidades. Me gusta mantenerme abierta y considerar todas las posibilidades que se me presentan.

Hace poco hice un proyecto para el Davidson College de Carolina del Norte. Fue durante el COVID, así que se trataba de un proyecto al aire libre de un año de duración que, en cierto modo, se convirtió en una colaboración con la comunidad, a través del proceso del mismo. Estaba en la misma línea del trabajo que realicé en 2020 para la Bienal de Sidney, Shadow on the Land (Sombra en la tierra), que era una excavación y un entierro en la maleza, que excavaba la sombra del monumento al Capitán Cook, de forma antropológica.

Para el proyecto de Davidson, excavé la sombra de Andrew Jackson, que es una figura muy problemática de la historia estadounidense, relacionada con acciones coloniales opresivas hacia los indígenas y los negros estadounidenses esclavizados. Rompí el suelo en forma de monumento a Andrew Jackson, y luego cultivé y sembré maíz Catawba en ese suelo. Catawba es una comunidad indígena de allí, de Carolina del Norte, y el maíz es un sustento medicinal que tuvo gran importancia para el ser y la supervivencia de la comunidad. Se creía que esa semilla se había extinguido, pero hace años alguien encontró la cepa de ese maíz. Desde entonces, la comunidad ha intentado crear un banco de semillas de ese maíz.

Plantamos el maíz a lo largo de la temporada, y brotó en tallos. El título de la obra era Tierra sin sombra, con el concepto de que el maíz sería capaz de sobrevivir y crecer bajo la sombra de la violencia y la historia coloniales. Que una comunidad indígena pueda prosperar con seguridad o no es, en cierto modo, un reflejo de nuestra época. Después trabajamos con el departamento de agricultura de la universidad para cosechar un campo más grande de maíz catawba. Al final del proyecto, todo el maíz fue cosechado por la comunidad catawba y se compartió como un festín. Algunas personas nunca habían probado ese maíz.

Hace poco hice una exposición en SITE Santa Fe, que se clausuró en febrero. Incluía varios proyectos: esculturas, instalaciones y vídeos. La exposición también incluía un nuevo encargo, Neon American Anthem, que es una obra de neón en tres partes.

Primero creé una versión blanca de Neon American Anthem (White) para el Museo de Arte de Seattle. Era una respuesta a las galerías de la colección de Arte Americano Contemporáneo del museo, que en realidad no tenían ninguna voz indígena, lo cual no es raro en muchos de estos espacios institucionales. Al lado, en la misma galería, estaba la galería de Arte Nativo Americano, que tenía muchos de nuestros objetos culturales antropológicos que fueron robados o sustraídos a nuestras comunidades, y que realmente no pertenecen a esa institución.

Mi propuesta inicial de proyecto para el Museo de Arte de Seattle consistía en retirar todos los objetos de los indios americanos de la exposición. En última instancia, se trata de una conversación sobre la soberanía de quién puede ver nuestros objetos y sobre cómo se comparten y cuidan, con el objetivo final de devolverlos a su comunidad. El Museo de Arte de Seattle rechazó esa propuesta por varias razones, entre ellas que decían que los objetos eran demasiado frágiles para trasladarlos, lo cual no es cierto (ya que algunos de los objetos se retiraron meses después debido a una nueva normativa federal).

Mi siguiente propuesta fue una obra de neón, que es un compromiso con todo el espacio institucional. Esta obra es una respuesta a la violencia en Estados Unidos de diferentes maneras: una respuesta al patriotismo y al nacionalismo, en forma de himno. La obra pide la participación del público. En el suelo hay colocadas varias alfombras de bienvenida, que ofrecen un lugar para arrodillarse, en catarsis. El texto de la pared en neón blanco dice: "He compuesto un nuevo himno nacional estadounidense: Arrodíllate y grita hasta que no puedas respirar" Hace referencia a Kaepernick, por ejemplo -arrodillándose en señal de protesta- y también a George Floyd y al tiempo posterior a su muerte. Las alfombras de bienvenida ofrecen un lugar algo incómodo para arrodillarse, pero también podrían ser una referencia a la existencia suburbana en estos espacios.

En el Museo de Arte de Seattle participaron muchas personas de distintas procedencias. No importa si tus creencias políticas son éstas o aquéllas: todo el mundo tiene algo de catarsis que liberar, supongo. Fue un reto para la institución y el museo, porque no sabían qué hacer con la obra activada, que al final llenó el recinto de gente cantando el himno (gritando).

Al principio, el Museo de Arte de Seattle intentó estrangular la obra. Intentaron cambiar mi declaración de artista y trabajar conmigo para decirme: "¿Podemos hacer esto o aquello?" Luego empezaron a buscar otras formas de contenerla. Recibía correos electrónicos de espectadores que decían: "El guardia de seguridad me dijo que sólo un grito por cliente" Claramente un reto en aquel momento para ellos.

Creé otra versión del Himno Americano de Neón (Rojo), que se instaló en SITE Santa Fe. Esta tenía el texto en rojo, y toda la sala tenía un zumbido y un resplandor. Las alfombras de bienvenida también eran rojas. Con esta iteración, la institución lo adoptó por completo. Mucha gente participó en ella y respondió a ella. Y ahora, para la tercera parte del proyecto, se está fabricando una versión azul que se instalará en el Museo de la Libertad de Filadelfia este año. Así pues, rojo, blanco y azul. No sé cómo van a responder a ello, así que ya veremos. Tienen que prepararse y notificar a los espectadores: "Ésta es una instalación que activas tú"

Como en este proyecto, mi obra suele tener capas, para que la gente pueda entrar en ella desde muchos espacios y perspectivas diferentes, y recibir algo de ella, espero. La obra crea espacio para el diálogo y la comprensión, pero nunca pretende ser recibida de una sola manera.

Ya ha sido un año ajetreado, y tengo muchos proyectos nuevos y viajes en el horizonte. Actualmente estoy trabajando en una obra escultórica al aire libre en Nueva Zelanda. Tengo algunos compromisos para dar conferencias próximamente, y estoy trabajando en unas cuantas propuestas de arte público que me han invitado a presentar: Bienal de Arte Público de Abu Dhabi, Trienal de Arte Público de Boston, Museo de Montclair, y algunas otras.

Tengo una exposición individual en el Museo de Arte de Baltimore que se inaugura en julio, así que ahora mismo estoy haciendo nuevos trabajos para ella. También he estado trabajando en otro proyecto en Santa Fe. En torno a él, estamos llevando a cabo un proyecto y una colaboración a largo plazo con SITE Santa Fe y Lucy Lippard, que trabaja allí.

También voy a celebrar mi primera exposición individual en un museo europeo en 2025 en Múnich (Alemania). Será toda obra nueva. Y estoy trabajando en un nuevo disco que está en marcha desde febrero. Es un trabajo muy divertido, pero lento. Trabajo en él cuando puedo.

También estoy trabajando en un proyecto de colaboración de varios años con un coreógrafo que acabamos de poner en marcha, y es un proyecto largo y lento. Nunca antes había trabajado con un coreógrafo, así que estoy emocionada. Lo estamos descubriendo. Nos hemos reunido unas cuantas veces, para concretar un poco más cómo nuestras prácticas se cruzan entre sí. Estamos hablando de las posibilidades de financiación para ello. Voy a empezar a hacer algunas visitas a estudios con los bailarines de esa compañía de danza, y luego seguiremos a partir de ahí.

Entrevista y edición de Jenny Gill. Más información sobre el trabajo de Nicholas Galanin en galan.in y en Instagram.