En el estudio: Nancy Friedemann-Sánchez

Nancy Friedemann-Sánchez es una artista colombiana-estadounidense y 2025 Joan Mitchell Fellow. La entrevistamos sobre su obra y su práctica creativa en marzo de 2026. Lo que sigue es una edición y un extracto de las respuestas de la artista.

Soy artista desde hace 40 años. Hago sobre todo obras bidimensionales, como pintura y collage, pero de vez en cuando me aventuro en algún tipo de escultura provisional. Como artista, me interesa la historia de América Latina, desde antes de la colonización hasta el presente.

Me motiva lo que yo llamaría un sentido de la justicia y el deseo de dar visibilidad a personas y tradiciones que han sido relegadas a los márgenes. Me fijo en el lugar que han ocupado las mujeres en el mundo a lo largo de nuestra historia, en lo que han aportado en general y a las artes en particular. También me interesan mucho las formas de trabajo que se pasan por alto por ser meramente decorativas o artesanales. Para mí, esto es un desafío: Puedo participar y participaré.

Mi práctica está bastante cargada de investigación. Observo el arte colonial español y el arte indígena como inspiración para desentrañar los legados de la colonización, y mi obra dialoga a menudo con estas tradiciones. He creado mi propia versión de las pinturas de casta, y hago obras en referencia a prácticas ancestrales colombianas como el barniz de Pasto, que es una artesanía tradicional a base de resina.

Crecí en Bogotá, Colombia, y teníamos muchos objetos de barniz de Pasto en casa: bandejas, ollas. Es una práctica que existía mucho antes de la llegada de los españoles, y tuvo un gran desarrollo durante la colonización porque los españoles, que ya comerciaban con Asia, vieron una similitud con la laca china.

Llevo muchos años interesada en esta práctica tradicional, pero había dejado de lado la idea cuando vivía en Nueva York. Cuando me mudé a Nebraska en 2011, empecé a pensar de nuevo en ello porque aquí se siente realmente la presencia indígena, en cómo vive la gente. Está escrita en el cuerpo de la gente. Está escrita en la piel de la gente. Todo el mundo es mestizo, una mezcla. Todo el mundo es un registro de esa historia. Estás aquí, en la tierra de los Ponca, de los Otoe, de los Omaha, de los Winnebago. Me trajo a la memoria mi propia historia de haber crecido en Colombia y la presencia indígena allí. Empecé a pensar de nuevo en esta práctica y en cómo había dejado ese proyecto sin investigar, o sólo en sus inicios, como una metáfora de la colonización y los legados de la colonización.

La conquista de los españoles en Colombia no fue, en cierto modo, tan distinta de la actual: fue una extracción de los bienes de América. Se llevaban el oro, la plata, las plantas, los animales, todo. Traían esclavos de África, esclavizaban a gente de las Américas, traían a las Américas bienes que eran muy codiciados en Europa, como la laca, la porcelana y la seda. La historia relacionada con barniz de Pasto fue que los españoles llegaron y encontraron a esta gente fabricando objetos que se parecían a la laca asiática. Inmediatamente lo que se desarrolló fue esta mezcla, esta especie de cosa sincrética, en la que se decía a la gente: "Hazme este objeto o este cofre, y que se parezca a esto" Pero si pides a alguien de otro continente que haga algo que parezca europeo o asiático, saldrá otra cosa, y eso me interesa. De ahí surge un nuevo desarrollo cultural que lo contiene todo: dominación y resistencia. En cierto modo, ésa es una corriente que recorre toda mi obra.

Mi estudio es un espacio prefabricado e industrial en Lincoln, Nebraska. Trabajo entre ese espacio y mi ático. Además de funcionar como mi estudio, tres o cuatro veces al año el espacio industrial se convierte en el espacio de la galería DIY que dirijo con mi marido Charley Friedman. Ha sido una de las experiencias más gratificantes, ser una artista que también comisaría exposiciones. Viví en Nueva York cerca de 21 años, y cuando mi marido y yo nos mudamos a Lincoln en 2011, al principio pensamos: "Dios mío, se acabó nuestra carrera" Nos mudamos a una ciudad universitaria sin ser profesores universitarios. Un día dijimos: "¿Cómo nos mantenemos en contacto con este otro mundo que hemos construido durante 20 años?" Decidimos abrir el espacio y llamarlo Fiendish Plots. Pensamos que "Fiendish Plots" es como "buenos problemas": podemos hacer lo que queramos, presentar los espectáculos que queramos. Así que decidimos que serían exposiciones individuales para artistas a mitad de carrera, para gente como nosotros, que ya hemos dado varias vueltas a la manzana, que es un grupo demográfico que a menudo se pasa por alto.

Mi práctica se basa en tener una disciplina pautada. Trabajo casi todos los días. He estructurado mi trabajo de tal manera que trabajo en elementos más pequeños que luego puedo incorporar a piezas más grandes, abordándolo todo en trozos más pequeños y manejables. Esto es algo que he hecho durante la mayor parte de mi carrera. También he creado una forma de trabajar que me permite pasar de un proyecto a otro para mantener las cosas frescas y cohesionadas. Cuando me atasco en un proyecto, doy un giro a la izquierda y trabajo en algo completamente distinto, como la escultura o el grabado. Esto me permite alejarme y volver a los hilos que dejé sueltos, manteniéndolos interesantes para mí.

Mi proceso se basa en gran medida en investigar y generar material a partir de ahí. Rara vez empiezo una nueva obra con un boceto o una idea preconcebida de lo que será. Estudio las obras de arte coloniales españolas e indígenas y las tradiciones artesanales mantenidas en gran parte por mujeres, y luego sintetizo eso en elementos que más tarde puedo curar y diseñar en una composición, buscando qué piezas se comunican entre sí y sugieren una narrativa. Mi obra actual, basada en el barniz de Pasto, incorpora la investigación que he realizado, a partir de la cual pinto sobre Tyvek, recorto y hago collage, imitando el proceso que utilizan los artesanos para elaborar esos objetos.

Llegué al Tyvek como material desde varias direcciones. Siempre me ha gustado trabajar a gran tamaño y sobre papel, pero me di cuenta de que necesitaba un papel que fuera archivable, que soportara el desgaste de las exposiciones y que también me permitiera trabajar a gran tamaño. Tyvek satisface todas esas necesidades. Además, el Tyvek procede del petróleo, que forma parte de cómo colonizamos la Tierra, de cómo la extraemos para construir nuestras vidas. Así que todo encaja como un puzzle: el arte y el contenido.

Las imágenes que estoy haciendo ahora son bodegones, y pienso en el bodegón como un género importante durante la colonia. Es básicamente una metáfora de la naturaleza extractiva del imperio: "Aquí estamos. Aquí están todos los bienes que os presentamos, que hemos tomado, que ahora son nuestros"

Una pieza en concreto, que se llama Mapa del Sueño y Cornucopia con Tulipiere, es un jarrón de flores de varios niveles, como cuatro jarrones que se colocan uno encima del otro. Creé un dibujo inferior que se inspira libremente en los dibujos indígenas del Amazonas y tiene estas figuras que son como cosechando. Y luego, delante, puse este jarrón que tiene cuatro pisos, y esos pisos están pintados como la porcelana que se trajo a América. En la primera hilera, utilicé imágenes del Códice de Durán, donde tienes una representación del momento del contacto entre los españoles y los mexicanos: estos hombres vestidos con armaduras de metal, con estos otros hombres con su atuendo mítico, llevando jaguares. Es el momento de lo que llamamos la conquista: el momento del encuentro, de la confrontación.

Después, el segundo nivel es un dibujo europeo de un indígena con un arco y un molinillo, que es como un batidor de madera para mezclar chocolate. El tercer nivel muestra a europeos bebiendo chocolate, y el cuarto nivel tiene ilustraciones botánicas y escritura en francés.

Los frutos que salen de este tulipiere son vainas de cacao, y están inspirados en las ilustraciones botánicas coloniales que se hicieron de las plantas americanas. Pero, de nuevo, son ilustraciones europeas, y la nomenclatura se vuelve europea, pasa del náhuatl al latín. El chocolate pasa de mexicano a suizo. Son todas estas transferencias de propiedad. La memoria cultural está ahí. Así que hay muchas capas en la imaginería y la iconografía. Muchas capas.

Siempre me ha interesado hacer obras grandes como forma de ocupar espacio y hacer visibles estas tradiciones. Me ha interesado el trabajo de las mujeres desde el principio de mi carrera, y mis orígenes como artista fueron realmente a través del feminismo y del movimiento de patrones y decoración. Mi interés por la iconografía colonial llegó más tarde, cuando me desarrollé como artista y pude integrar ambas cosas. Para ello, creo que las obras tienen que ser grandes. Tienen que hacer referencia a esas tradiciones por su escala, por ocupar un lugar de tipo heroico.

Ahora mismo, estoy haciendo obras para una exposición individual en la galería Rebecca Camacho Presents de San Francisco en mayo. Actualmente estoy en conversaciones con una publicación local de Lincoln, Prairie Schooner, para publicar un artículo sobre algunas de mis obras. He tenido la suerte de que me hayan pedido que contribuya con un ensayo para un taller acelerador privado del Instituto Radcliffe de la Universidad de Harvard, (Mis)Labeling Difference: Fronteras ecológicas y fronteras agrícolas, este verano.

También estoy creando un biombo, o pantalla, en colaboración con la maestra artesana del barniz Mary Ortega, a partir de obras anteriores de mis series Cornucopia y ¡Mama La Mestiza Me Llama! Como gran parte de mi trabajo, explora los legados de la colonización, la memoria cultural, las formas en que la naturaleza muerta funciona como género colonial y la cultura de extracción de recursos de Latinoamérica.

Conocí a Mary Ortega a través de Claudia Ramírez, de Colombia, que es un enlace entre artistas y artesanos. Dirige Artesanías de Colombia, que ayuda a los artesanos de todo el país a llegar a un público más amplio. Trabajan con artesanos de Pasto, en el norte de Colombia, en las zonas más remotas del país, incluido el Amazonas. Mary Ortega es una de los 38 artesanos que aún mantienen la práctica del barniz de Pasto, y una de las dos únicas mujeres. Claudia vio que yo había estado investigando sobre el barniz de Pasto, y se puso en contacto conmigo para hablarme de este programa gubernamental que pone en contacto a artistas con artesanos para hacer obras. Hacen la conexión, pero no hay dinero. Le dije: "Sí, por favor, conécteme. Quiero trabajar con una mujer" Y Claudia dijo: "Conozco a la indicada" Acudí a una coleccionista aquí en Estados Unidos para que me ayudara a reunir el dinero, y empecé a trabajar con Mary.

Las piezas en las que hemos colaborado son biombos inspirados en los biombos asiáticos que se trajeron durante la colonia, cuando la gente codiciaba los biombos asiáticos. Mi idea era hacer un biombo contemporáneo que utilizara la naturaleza muerta para representar historias de la guerra y el legado de la colonización. Hemos estado trabajando a través de Western Union, vídeos de WhatsApp, y he estado en Pasto un par de veces. Hago una pieza aquí y luego le envío la imagen en alta resolución, y ella la imprime y la copia. En todo esto hay una transferencia, algo que compartimos que es super poderoso.

En todo mi trabajo, voy construyendo capas de historia, referencias estéticas y narrativas que unen los elementos visuales. Pero realmente quiero trabajar de un modo democrático y que la obra sea accesible. Lo que espero cuando la gente se relacione con las piezas es que sientan una atracción estética y emocional hacia la obra. Quiero que disfruten de su belleza, que se fijen en todos los detalles, que tengan una experiencia táctil con ella y, con suerte, que capten las narrativas y referencias que hay en juego. Siempre me interesa destacar historias y prácticas que se pasan por alto, así que si también puedo llamar la atención sobre ello en mi obra, lo habré conseguido.

Entrevista y edición de Jenny Gill. Más información sobre la obra de Nancy Friedemann-Sánchez en nancyfriedemann.com.