En el estudio: Mie Kongo

Mie Kongo es una artista afincada en Illinois y beneficiaria en 2021 de la Joan Mitchell Fellowship. En mayo de 2022 la entrevistamos sobre su obra y los procesos de su estudio. Lo que sigue es una transcripción editada de esa conversación.

Mi trabajo se centra principalmente en la forma, el espacio, la composición, el equilibrio y la materialidad, y mis esculturas son esencialmente abstracciones geométricas. En general, empiezo una pieza de forma intuitiva y luego me vuelvo más deliberada una vez que empiezo a ver la dirección y a tener más pensamientos y sentimientos que quiero comunicar a través de la obra.

Tengo un "banco de fragmentos", que es una colección de todo tipo de fragmentos, sobras, obras en curso y chismes. Mi banco de fragmentos está formado por objetos que me atraen pero que aún no se han incluido en una obra. Por ejemplo, de vez en cuando voy al taller de muebles de un amigo a recoger restos de madera. Elijo los trozos de madera que me interesan, a menudo buscando específicamente piezas extrañas. No las utilizo necesariamente de inmediato, pero las guardo en mis estanterías hasta que surge una idea. Cuando recorto una pieza de madera, a menudo encuentro la pieza negativa tan interesante como la positiva, y así la pieza negativa se convierte en el siguiente punto focal de una obra.

Cuando estoy trabajando en una pieza, suelo probar muchas combinaciones distintas de materiales, formas, colores, etcétera. Durante este proceso puedo notar algo que me encanta pero que no acaba de funcionar con la pieza, así que entonces pasa a formar parte del banco. Más tarde, saco la pieza y se convierte en el comienzo de algo nuevo. También presto atención a las formas y combinaciones accidentales de materiales, que a menudo se crean cuando despejo la mesa y el suelo para tener más espacio de trabajo. Cuando estoy limpiando, apilo materiales sin pensar; estos montones pueden provocar algunas ideas, e intento no perdérmelas.

Cuando termina una exposición, o antes de empezar un nuevo grupo de obras, me doy lo que yo llamo "tiempo de reunión" Salgo a buscar nuevas ideas, materiales y fragmentos. Llevo a cabo investigaciones materiales y experimento en mi estudio. Leo libros, catálogos, revistas, etc., y ojeo instantáneas del pasado. A veces simplemente navego sin pensar por Internet en busca de inspiración o hago dibujos aleatorios en Rhino para imprimirlos potencialmente para futuros trabajos. Este tiempo es muy importante para mí. Ahora mismo, me encuentro en un "tiempo de reunión" mientras trabajo también en varias piezas sin resolver y obras en curso, piezas que no han podido resolverse en un plazo o terminarse con certeza. Me parece que a veces tomarse un descanso durante un tiempo y luego volver a la pieza, reelaborándola sin la presión del tiempo, puede conducir a un resultado inesperado. Cambiando una pequeña parte -forma, tamaño, color o acabado superficial- mi pieza menos favorita puede convertirse de repente en una pieza favorita, y disfruto enormemente del momento cada vez que eso ocurre.

Mis influencias artísticas y marcos de referencia proceden de muchas fuentes, como el minimalismo, diversos tipos de arquitectura, la alfarería tradicional japonesa y mi educación en un templo budista. Nací en Japón y me trasladé a Chicago hace unos treinta años. Mi padre, que falleció en 2020, era sacerdote budista, y yo crecí en un templo. Para ser sincera, cuando crecía no apreciaba realmente el entorno en el que me encontraba. Estaba deseando marcharme y experimentar algo completamente distinto. Pero trabajar con arcilla fabricando objetos de cerámica en Estados Unidos me dio la oportunidad de volver la vista a mi lugar de origen, y cambió mi forma de verme y pensar sobre mí misma, mi país y el mundo. He empezado a descubrir y comprender cada vez más lo que mi educación me inculcó.

En el templo, estaba rodeada de objetos hechos con materiales naturales con cuidado y atención, y aprendí a apreciar la artesanía, como proceso y como producto. Hay una razón por la que nos sentimos como nos sentimos cuando estamos en un entorno lleno de cosas hechas con una cuidada artesanía, y es una experiencia que nos hace sentir humildes. Encuentro muchas inspiraciones para mi propio trabajo cada vez que vuelvo a ese templo. Mi marido dijo que cuando visitó el templo hace años, vio las fuentes de las cosas que hago: las formas, las proporciones, las cuadrículas, etc. Cuando observó la forma del tejado del templo, pudo ver la razón por la que me gusta una curva concreta y por qué la empleo repetidamente en mi obra, consciente o inconscientemente.

Utilizo múltiples materiales en mis esculturas, pero mi punto focal es la porcelana, y tiendo a elegir colores para mis esculturas que funcionen con el color de la porcelana, que es blanca pero translúcida y parece de un blanco cálido cuando hay luz natural. Elijo colores a su alrededor para dar sensación de ligereza, porque mis componentes de porcelana son cuadrangulares. Al mismo tiempo, también pienso en el color como un elemento que tiene el efecto de manipular el espacio. Por ejemplo, utilizo pintura acrílica en spray porque me atrae su aspecto mate y plano. Crea una interesante yuxtaposición junto a la profundidad translúcida de la porcelana. También he estado experimentando con el uso del color para conseguir un efecto pictórico con pinceles. Ahora quiero que mi escultura tenga un aspecto pictórico que ofrezca una textura interesante, sensación de movimiento, profundidad artificial y planitud, el rastro de las manos. Quiero que los espectadores miren mi obra y no sepan inmediatamente lo que están viendo. Con suerte, esa confusión inicial solicitará una indagación y hará que el público se quede mirando la obra un poco más.

A veces hago una obra que tiene una historia detrás que da título a la obra. Una de estas obras recientes se llama Puntuación. La puntuación consiste en una pieza circular de madera -tres cuartas partes de la cual pinté de amarillo con puntos verde claro, con un pincel- colocada encima de una pieza encontrada de madera de manzano junto con una pieza cilíndrica de porcelana. La colgué en la pared de mi estudio, y allí permaneció durante mucho tiempo. Hubo muchos días en que me sentaba en una silla y miraba la pieza porque sabía que necesitaba algo más.

Un día me di cuenta de que la pieza circular me recordaba a la luz que tenía mi familia en la casa en la que crecí, encima de la mesa del comedor. Era un fluorescente circular con una pantalla cuadrada que colgaba del techo, y había que tirar de una cuerda para encenderla y apagarla. Ese tipo de luminaria se utilizaba habitualmente en una habitación tradicional de tatami en Japón cuando yo era pequeña, pero creo que ahora ha quedado obsoleta. Me di cuenta de lo que le faltaba a la pieza, así que entonces colgué, de una cuerda de albañil, una esfera de madera que había pintado de amarillo con motas blancas, rosas y verdes.

Pensé en la acción de tirar de la cuerda, en cómo la acción delimita el tiempo y en cómo el sonido de tirar de la cuerda nos afecta psicológicamente. Cuando se pone el sol, tiramos de la cuerda para encender la luz; luego, tras la cena y nuestras actividades nocturnas, volvemos a tirar de ella para marcar el final de todo el día. La acción de tirar de la cuerda es como poner un signo de puntuación en nuestra vida cotidiana. En 2021, experimenté algo muy parecido a la nostalgia, porque llevaba casi dos años sin ver a mi familia debido a la pandemia; creo que estaba recordando mi hogar en Japón mientras trabajaba en esta pieza.

Cuando terminó el semestre lectivo de primavera, empecé a mejorar mi estudio: limpiarlo, reorganizarlo, construir nuevas estanterías y mesas, reparar las paredes, etc. Siento que estas mejoras me ayudan a trabajar más cómodamente y también crean más espacio mental. Es como un nuevo comienzo, que siento que necesito después de haber vivido la vida pandémica durante más de dos años. Estoy preparado para un cambio en mi entorno.

Hay algunas ideas y experimentos nuevos que estoy deseando probar este verano tras regresar de mi esperado viaje a Japón. Estoy construyendo una mesa más grande, por ejemplo, para poder rodar una losa de arcilla más grande y construir a mano algo más grande. A menudo pienso en qué elementos nuevos puedo introducir en mis bloques de porcelana, y últimamente me apetece más trabajar con arcilla. Me interesa incorporar componentes planos o planares para crear obras que abarquen el espacio. Ahora mismo estoy utilizando fieltro de lana como material flexible que proporciona un componente lineal, y sigo buscando materiales que pueda utilizar como elementos planos en mi escultura.

Entrevista y edición de Jenny Gill. Más información sobre la obra de Mie Kongo en miekongo.com.