En el estudio: Kambui Olujimi

Kambui Olujimi es un artista afincado en Brooklyn y beneficiario en 2021 de la Joan Mitchell Fellowship. Le entrevistamos sobre su obra y su práctica creativa en julio de 2022. Lo que sigue es una transcripción editada de esa conversación.

Mi trabajo se basa en proyectos. Así que hay una idea o un concepto que me interesa, y luego el proyecto que evoluciona a partir de ahí suele tomar muchas vías diferentes. Gran parte de mi trabajo consiste simplemente en escuchar. Empiezo explorando ideas, y luego es escuchar en qué medio deberían expresarse mejor esas ideas. Para mí, el contenido es lo primero. Es la luz que me guía.

Por ejemplo, Zulu Time era un proyecto que analizaba el tiempo como una proyección de poder, y me quedé prendado de cómo caminamos y creemos, no sólo en el tiempo, sino en esta noción de tiempo universal coordinado. La curiosidad de la vida real me llevó por esta madriguera, y la exposición y el proyecto resultantes fueron una serie de esculturas que incluían vidrio, telas, ensamblajes e instalaciones completas.

Hace años realicé un proyecto llamado Wayward North, que trataba sobre la intimidad de la comunicación. Exploraba cómo se transmiten las narraciones a través de largas distancias. Miraba al cielo y pensaba en la navegación celeste. Los pueblos antiguos utilizaban las estrellas para viajar, pero también crearon historias sobre el cielo. Esas historias llevaron a la creación de constelaciones que tenían muchos usos, como la cartografía agrícola o el cronometraje estacional. Cuando esta constelación se eleva en el cielo, sabemos que es tiempo de cosechar. Las constelaciones también son una forma de mantener conversaciones a distancia. Si estás en la otra punta del país o en una isla, en el cielo tenemos este puente narrativo.

El proyecto Wayward North empezó cuando quise estar conectada con personas a las que quería, que estaban lejos y viajaban por mar abierto. Al escuchar eso como punto de partida, pensé: "Oh, constelaciones. Mapas estelares. Grandes mapas estelares habitables" Y a partir de ahí pensé, mármol y bronce, por supuesto (risas). Pero esos materiales en realidad tienen una flexibilidad nula, y no funcionan como lo haría una estética migratoria. Es estática, no es ágil. Es institucional. Si te estás moviendo, si estás en flujo, tiene que ser algo transportable, pero bello. Y así fue como me pasé a la tela y al acolchado para la columna vertebral del proyecto.

El acolchado trata de comunidades que se unen, pero es un lenguaje abstracto y una comunicación a distancia. Yo cojo tu uniforme del ejército, el delantal de mi tío, y tú coges estos trozos y los conviertes en esta colcha. Las narraciones se incrustan entonces en cada trozo de tela, que luego se divide y comparte a medida que cada colcha se desplaza por el mundo. Así es como llegué a hacer estos tapices acolchados de 6 metros. De este modo, el concepto define el proceso.

Ahora mismo estoy en una residencia en Yaddo y estoy trabajando en un proyecto para la Bienal de Sharjah, SB15, que será en febrero de 2023. Estoy experimentando con distintas técnicas que unen impresiones fotográficas con acuarelas pictóricas y juegos de tinta. Es algo realmente nuevo, y también incluye algunos elementos de collage. Actualmente estoy investigando sobre diferentes embaucadores y cambiaformas. Me fijo en la gente que opera de un modo perturbador para el imaginario colonizador.

Además de la Bienal de Sharjah, tengo un proyecto en solitario con Susanne Vielmetter en Los Ángeles la próxima primavera. Para ese proyecto, estoy cerrando la última parte de una colección de 10 años de trabajo que explora los maratones de danza de los años 20 y 30. Estos maratones realmente me fascinan. Estos maratones realmente me fascinan. Empezaron en una época de opulencia, en los años 20, y tienes a todos estos adolescentes bailando juntos, lo cual es salaz. Formaban parte de la contracultura juvenil, y trataban de la capacidad y de desafiar los propios límites y los límites de un cuerpo. Los ganadores de estos concursos bailaban durante 60-80 horas seguidas.

Esto despega realmente en los años 30, y se convierte en algo mucho menos relacionado con la danza y sólo requiere movimiento perpetuo. Todo ello se desarrollaba en este espacio de voyeurismo en el que podías ver a alguien bailar 24 horas, siete días a la semana durante meses. Se afeitaban, se arreglaban el pelo, dormían en la pista de baile y su pareja les arrastraba. Había rondas eliminatorias en las que tenían que pasar por encima de vallas, después de meses bailando, y estaban físicamente agotados. Así que es un lugar grotesco y mágico a la vez. Es mítico y espantoso, y absurdo. Es una mezcla de manía psíquica y euforia.

Así que, por un lado, estás viendo las luchas de la gente como entretenimiento, que es un sello distintivo del entretenimiento estadounidense. Y, por otro lado, tienes a mujeres blancas que pueden viajar por su cuenta, sin acompañantes ni ningún interés romántico, por todo el país. Es un espacio realmente complejo. Y es un espacio muy blanco-americano. Buscaba un paralelo afroamericano o negro, porque estaban vehementemente segregados. Pero no pude encontrar ninguno, y había dos razones por las que pensaba que era así. Una era que ser negro en América en los años 30 era una competición de resistencia en sí misma. Y luego, la relación con la danza en toda la diáspora africana es radicalmente distinta.

Como ya he dicho, he trabajado en esta obra relacionada con el Maratón de Danza durante más de una década, y ha adoptado la forma de pinturas, serigrafías, vídeos, esculturas a gran escala y fotografía de larga exposición. Junto con todo lo que he mencionado antes, creo que lo que me resulta realmente interesante de este espectáculo es que estás acoplado a otro cuerpo durante cinco o seis meses. Una vez que nacemos, es raro que alguien esté pegado a nosotros todos los días, que alguien esté en nuestros brazos todos los días, en cada momento en que estamos despiertos. Así que me interesan mucho estos dos cuerpos que se convierten en singulares. Estas ideas de los límites cambiantes de un cuerpo son algo que enhebra mi obra.

Estrella del Norte es otro proyecto en el que estoy trabajando ahora mismo para el próximo otoño. Me interesa la idea de reconsiderar la negritud dentro del arte occidental y contemporáneo, y de pensar en la ingravidez y la falta de límites como metáfora de estar fuera de la gravedad de la opresión.

Con el apoyo de una subvención de la Fundación Andrew Mellon, hace poco fleté un vuelo en parábola. Llevé a un grupo de participantes en este vuelo que realiza una serie de maniobras de parábola, permitiendo a los pasajeros experimentar la gravedad cero. Estuvimos sin peso durante casi 8 minutos en total.

Así que está la metáfora, el espacio preposicional de este proyecto, y luego está el espacio experiencial real del proyecto. Incluso ahora, sigo procesando esa experiencia de ingravidez para mí, y en mi cuerpo. Fue extremadamente transformadora, y todavía la estoy digiriendo, aunque ya hace tres meses de ello. Me estoy tomando el tiempo necesario para escuchar lo que la experiencia me dice que cree de ella. Estoy emocionada por ver adónde me lleva.

Entrevista y edición de Jenny Gill. Más información sobre el trabajo de Kambui Olujimi aquí.