En el estudio: Juvana Soliven

Juvana Soliven es una artista visual y educadora de Honolulu, Hawai, y una Joan Mitchell Fellow de 2025. La entrevistamos sobre su trabajo y su práctica creativa en febrero de 2026. Lo que sigue es una transcripción editada de esa conversación.

Trabajo en temas que tienen que ver con la autonomía corporal, la intimidad, la posición de la mujer y los derechos humanos a través de una lente artesanal. Muchos de los objetos que fabrico resultan una amalgama de formas del cuerpo censurado, utensilios médicos, armas, adornos y trampas. Utilizo ampliamente el censor pixelado en mi obra y lo interrogo a través del tedio de las prácticas artesanales -rebordear, tejer, artesanía en papel, orfebrería, esmaltado y costura- como una meditación sobre el trabajo, la protección y el interminable trabajo necesario para luchar por lo que es nuestro.

En gran parte de mi trabajo, he invertido en procesos artesanales debido a la forma en que la artesanía, históricamente, ha sido menospreciada, o considerada como un trabajo artesanal que tiene menos valor que el arte. He tenido amigos a los que no les gusta la etiqueta de "artesanía", porque la separa demasiado del arte. Pero me interesa utilizar el lenguaje de la artesanía por la forma en que apela a la comunidad, mientras que las prácticas "artísticas" pueden estar más volcadas en la idea de este artista genio solitario que saca algo de su interior. Creo que la artesanía tiene la capacidad de recurrir a la comunidad y no sólo mirar hacia dentro. Y eso es algo en lo que estoy muy interesada: la idea de un conocimiento heredado que se nutre de la gente que te rodea. Para mí, es un tipo de herencia que se basa en el trabajo de las mujeres y la gente de color.

Cuando pienso en las historias de los procesos artesanales, pienso en mi abuela materna, que me enseñó a coser. Mis abuelas por ambas partes eran costureras, así que en ese sentido eran cuidadoras de nuestras familias: personas que remendaban cosas. En las distintas prácticas artesanales a las que me dedico, la reparación y el cuidado están siempre presentes. Requiere tiempo y atención, y no puedes evitar nutrir el proceso. Cuando extraigo formas de mi obra, tejiendo y trabajando cosas a mano, pienso en las historias de la fabricación y de los objetos, y en cómo pueden volver a presentarse a través de distintos significados materiales.

No tengo un medio o un modo fijo de empezar a trabajar en un proyecto. Y creo que lo bueno de la artesanía -ya sea orfebrería, abalorios o cristalería, que estoy explorando ahora mismo- es su lentitud. Tener las manos en la obra es muy importante porque me permite construir intuitivamente. Puedo tomarme mi tiempo para ver adónde me lleva.

A veces la obra no está totalmente desarrollada en mi cabeza cuando empiezo a trabajar, pero a medida que veo lo que estoy haciendo, puedo responder e improvisar. Hay una obra llamada Control, adquirida recientemente por el Museo de Arte del Williams College, que se hizo a sí misma de esta manera. Sabía que quería hacer un cuerpo abstracto que casi pareciera una piel desollada, algo que representara una especie de ruptura, pero no supe exactamente cómo hasta que empecé a hacerla. Es una especie de cuerpo abstracto de cuentas y malla que empecé a coser, cosiendo con cuentas estas formas pixeladas en un patrón cuadriculado que luego amplié a un patrón de malla. Creo que poder verla de cerca mientras trabajaba en ella, poder colgarla y ver cómo la gravedad se apoderaba de ella, determinó los siguientes pasos posibles. Debido al lento proceso del bordado, pude dar un paso atrás, ajustar, reajustar, añadir aquí y allá hasta que sentí que estaba completo. Fueron meses de trabajo: mientras lo hacía, pensaba: "Dios mío, ¿por qué me estoy haciendo esto? Esto nunca se va a acabar" Pero a lo largo de ese lento proceso, siempre que estoy haciendo abalorios para un gran proyecto, pienso: "Bueno, esto es algo que me va a llevar una eternidad, pero me estoy comprometiendo a ello y lo estoy haciendo. Y en este momento tengo que ver lo que va a ser"

Esa pieza, Control, se hizo en respuesta a la anulación por el Tribunal Supremo de EE.UU. del caso Roe contra Wade en 2022. El control sobre nuestra autonomía corporal, nuestros derechos a la autodeterminación, nuestra expresión de género, nuestras narrativas... el control sobre lo que es inherentemente nuestro está siendo atacado. La censura, al igual que nuestros cuerpos, relaciones y géneros, puede convertirse en un arma. Tiene tanto el poder de proteger la intimidad y la humanidad de quienes son vulnerables al escrutinio como el poder de convertir en perverso y profano lo que no debe ser.

Últimamente, he estado trabajando en vidrio fundido, que es una nueva aventura para mí. Estoy agradecida a la Joan Mitchell Foundation por esta nueva exploración, porque la Fellowship ha estado pagando las clases que he estado tomando sobre vidrio. Antes de empezar este trabajo en vidrio fundido, ya había estado tejiendo mucho con cuentas de vidrio para crear estos objetos pixelados censurados. Las cuentas de vidrio son diminutas, así que son como píxeles dentro de píxeles dentro de píxeles. Quería empezar a trabajar con vidrio fundido para crear formas pixeladas más grandes, como forma de explorar el espacio y la instalación, ampliando realmente mi práctica desde una práctica orientada al objeto a un espacio más expansivo. Con el vidrio, también estoy trabajando con la transparencia y la luz como otros factores con los que jugar. Esta nueva obra formará parte de una instalación en un espacio de arte de Hawai llamado Aupuni Space, que estará de junio a julio.

Aunque me he aventurado en la fusión de vidrio, me siguen encantando la pedrería y la metalistería, e integro también esos procesos en la práctica. Tengo una exposición que se inaugurará en mayo en la Art League de Houston, en la que habrá muchas obras antiguas y otras nuevas que dialogarán entre sí, porque muchas de ellas tienen que ver con la autonomía corporal, concretamente con la posición de las mujeres en la sociedad patriarcal y con cómo navegamos por el espacio.

Las prácticas artísticas me han proporcionado un lenguaje que puedo utilizar para ayudar a otros a comunicar sus verdades. No creo que la comunicación verbal sea adecuada todo el tiempo, y algunos de los temas con los que trabajo son realmente difíciles de pensar para la gente, especialmente los relacionados con la historia del control sobre los cuerpos de las mujeres y la confrontación con la violencia patriarcal a la que se enfrentan las personas. Creo que los temas de mi arte podrían ser más accesibles observando algo con belleza y detalle, algo que te seduzca lo suficiente como para empezar a comprender y cuestionar el significado que hay detrás de la forma, para abrir más líneas de diálogo. Y la repulsión viene después. La gente me dice a menudo: "Esto es tan bonito, y es exquisito, pero también mi cuerpo siente dolor al mirar esto"

Incluso si alguien se enfada y molesta por mi trabajo, eso también se siente como un éxito, que no ha sido una experiencia pasiva. Incluso si se enfada al ver mi obra, me parece bien. Eso me hace sentir que este lenguaje que he estado trabajando en mi obra es eficaz.

Una de las motivaciones del trabajo que realizo en mi consulta es poder volver a la comunidad con algo que ofrecer. En Hawaiʻi, nos quejamos de esta fuga de cerebros, esta atracción hacia las costas de Estados Unidos en busca de más oportunidades. Muchas personas brillantes sienten la necesidad de marcharse para triunfar, y cuando las veo de visita, están hambrientas de la comunidad que dejaron, pero no saben si es factible volver a ella.

He tenido la suerte de contar con buenos mentores en mi comunidad, así que fui a la escuela de posgrado con la idea de que tenía que irme de Hawaiʻi para volver a casa más realizada, con algo que ofrecer a la comunidad que me nutrió. A través de la enseñanza y de mi propia práctica en el estudio, puedo ser un ejemplo para los jóvenes de aquí. La representación importa, y es difícil que parezca que importa cuando las personas que están en puestos que pueden cambiar el curso de tu vida no son de tu vida en absoluto y no resuenan contigo.

Hace unos cinco años, contraté a un par de mis antiguas alumnas -dos jóvenes filipinas- para que me ayudaran en mi estudio en una exposición que iba a celebrarse. Creo que ver que era capaz de proporcionar trabajo a estas artistas que antes no cobraban por gran parte de su labor fue algo que les dio poder. Una de esas mujeres a las que traje a trabajar conmigo me dijo que verme en la enseñanza superior -alguien cuya familia tiene la misma historia de inmigración y los mismos aprendizajes culturales- era como una prueba viviente de que ella también podía existir en este mundo tal como es. Significaba aún más, entonces, que su trabajo era valorado por alguien que se parecía a ella. Eso es algo que me motiva absolutamente a seguir existiendo de esa manera, y a seguir expandiéndome. Mostrarme a mí misma en mi estudio es como mostrarme también a los demás.

Entrevista y edición de Jenny Gill. Más información sobre el trabajo de Juvana Soliven en juvanasoliven.com.