En el estudio: Jonathan Lyndon Chase

Jonathan Lyndon Chasees un artista interdisciplinar afincado en Filadelfia y 2022 Becario Joan Mitchell. Entrevistamos a Jonathan sobre su trabajo y su práctica creativa en marzo de 2023. Lo que sigue es una transcripción editada de esa conversación.

Mi trabajo trata principalmente sobre las experiencias cotidianas: cómo es ser una persona de ciudad, una persona negra, una persona queer y también ser no binario. Las relaciones corporales y espaciales entre lo privado y lo público son realmente importantes para mí. Y las cuestiones de género. Creo que mi trabajo es político, definitivamente, en relación con diferentes espacios y diferentes obras de arte. Pero me interesa mucho la belleza, el cuerpo en reposo, mostrar amor y ternura en mi obra, y también el erotismo.

Mi primer amor es el dibujo. Se me conoce sobre todo por mis pinturas, pero hago obras que no siempre están al servicio de la pintura: dibujo como tal, collages, vídeo, escultura. Mi trabajo a menudo toma forma de instalación, como entornos en desarrollo. Por ejemplo, hice una instalación en el Taller de Telas con una lavandería. Ahora estoy trabajando en hacer una cocina / supermercado.

Mi estudio está en el barrio de Kensington de Filadelfia, en el edificio Macon. Algunas personas me preguntan: "¿Por qué no te mudaste a Nueva York?" Mi hogar está aquí, en Filadelfia, y me gusta hablar mucho de la ciudad de Filadelfia. Es una parte importante de mi trabajo.

Llegué a este espacio en 2018. Estaba haciendo una residencia en el Museo Rubell cuando estaban haciendo obras. Me encantó este hermoso espacio, así que decidí conservarlo. Tener este espacio me permitió trabajar mucho más. Después de un año y medio de quedarnos aquí, decidimos alquilar también el local de al lado. Utilizo principalmente el espacio de al lado para almacenamiento y fotografía, pero poco a poco se está convirtiendo en otro espacio de trabajo.

Mi proceso comienza simplemente paseando por la ciudad, algo que me parece bello me llama la atención, algo así. Me gusta mucho la poesía. Los sueños también me influyen mucho. Lo que suele ocurrir es que tengo un cuaderno de bocetos y, como siempre me llegan muchas cosas, lo utilizo para organizarme. Empezaré con un dibujo. Este [boceto de referencias] es una pequeña idea rápida de cómo quiero que sea el cuadro. Los colores probablemente vendrán. Siempre vienen después.

También me encanta trabajar a partir de fotografías como punto de partida. A veces, son fotos que hago yo. A veces son de lugares exteriores, o de páginas web porno, o algo que me envía la gente, la foto de un amigo, todo ese tipo de cosas. Es una especie de documento vivo. Tengo un ayudante que me ayuda a volcar mi cámara y mis discos en línea, y entonces empiezo a organizarlos, como: éstas son escobas, o éstas son cosas azules, o éstas son zapatillas. Tengo un montón de carpetas y empiezo a organizar las cosas relacionadas entre sí.

Yo también escribo mucho. Empecé sólo con ideas, sobre todo poemas, y luego creció hasta convertirse en algo propio. Hago relatos de ciencia ficción de terror con Capricious. Esa es mi editorial con Company Gallery, así es como empecé. He publicado un libro titulado Wild, Wild, Wild West y Haunting of the Seahorse. Es mi primer intento.

A veces, estas paredes están cubiertas de material original. Simboliza un poco mi mente, todas estas bolsas de cosas. Todo este material que estoy reuniendo y organizando puede convertirse en cualquier cosa, en realidad, como un cuadro, o darme ideas para mis instalaciones, cosas así. Tengo que intentar hacer un proceso de la parte intuitiva y la parte un poco caótica, con el orden y la estructura. Creo que eso habla de otra cosa que influye en mi trabajo, que es mi experiencia cotidiana como persona que vive con bipolaridad. También me parece realmente satisfactorio el acto de organizar algo.

Además de mis pinturas, hago esculturas blandas. Es mi esfuerzo por sacar piezas o momentos de la superficie plana y convertirlos en algo intermedio. Es una parte experimental de mi práctica. Las esculturas son un área de mi trabajo de la que estoy más insegura. Cuando pienso en una pintura, siempre pienso en gente como Chris Ofili o Eric Mack, que exploran lo que puede ser una pintura y cómo interactúa con el espacio. Eso realmente me fascina.

Con las esculturas blandas y con mis pinturas que tienen elementos tridimensionales, pienso en el objeto cotidiano y en la poética que lo rodea. Y pienso en lo duro y lo blando. A lo largo de gran parte de la historia del arte, la escultura ha sido dura, machista o lo que sea. Mi abuela y mi madre me enseñaron a coser, así que ahí es donde entra esa cualidad más íntima y doméstica. No creo que todas las esculturas tengan que ser de metal o acero o algo así.

Hace poco expuse en Sadie Coles, en enero. En cuanto al tema, giraba en torno a lo público y lo doméstico. La exposición individual anterior, en la Galería Company, se titulaba Niebla. En aquella ocasión llevé un muelle real a la galería. Fue muy emocionante para mí, porque me considero un poco maximalista. Esa exposición, Niebla, tenía que ver con la relación con mi difunto padre. Murió unos meses después de que yo naciera, en 1989. Sirvió en la Marina en la Guerra de Corea. La instalación de ese conjunto de obras fue como muchos de mis proyectos: empieza con algo muy personal para mí, pero luego, en la parte de investigación, donde entran las carpetas y todo el material, empiezo a pensar en otras personas y sus relaciones con esta idea de masculinidad, ideas sobre soldados y cosas así.

Pensando pictóricamente, fue realmente difícil encontrar información específica sobre lo que hacían los negros homosexuales en la Marina. Incluso en los ámbitos queer, donde lo utilizan como un juego de rol o una imagen que existe fuera de la historia. Hay mucha información sobre los negros, sin duda, pero no específicamente sobre los gays. Eso es siempre algo que me interesa: intentar abrir puertas para iniciar una conversación, en la que quizá otras personas entren y digan: "Vale, esto es un fondo de información que necesita más atención"

Me invitaron a hacer una exposición colectiva con Gio Marconi en noviembre. Es en Milán, y el tema de la exposición es "Mother Boy", explorando distintas relaciones entre esta idea de niño y madre que pueden ser domésticas, políticas, poéticas, musicales... todo tipo de formas de pensar en esa relación. Para mi instalación allí, me van a dar un espacio muy chulo. Tiene una ventana y voy a convertir la galería en parte cocina y parte supermercado.

He hecho instalaciones más pequeñas con el mismo tema. Ésta será mi oportunidad de realizar plenamente algunas de las cosas que quería hacer y que no podría hacer en una feria o cuando comparto un espacio con otra persona. La exposición incluirá vídeo, pintura, dibujo y mucha escultura blanda. Tengo gente que puede ayudarme a fabricar cosas para conseguir plenamente esa sensación de inmersión. Así que estoy muy ilusionada.

También tengo un próximo proyecto en solitario en el Artists Space de Nueva York, que se inaugurará en septiembre. El tema girará en torno a las barberías y los salones, lo que también me hace mucha ilusión. Como espacios que son, las barberías son muy singulares y están llenas de historia. Me han dejado toda la primera planta para esa exposición. Siempre busco un reto. Esa exposición tendrá algunas esculturas blandas más grandes y a gran escala, vídeo, dibujo y pintura. También voy a probar muchas cosas con linóleo impreso. Así que esas son las cosas que me mantienen bastante ocupada este año.

Cuando pienso en la gente que se encuentra con mi trabajo, quiero que los espectadores, independientemente de su procedencia o condición social, puedan verse a sí mismos de tal modo que puedan amarse y amar su cuerpo. Verás que algunos de los rostros de mi obra son lo que yo consideraría una especie de máscaras. Creo que son un poco más abiertos, en los que puedes proyectarte sobre ellos. Hay mucha superposición y transparencia, porque no sólo pienso en el cuerpo físico, sino también en el cuerpo mental, el cuerpo emocional y el cuerpo espiritual.

Espero que la gente pueda interactuar realmente con la obra, que empiece a pensar en reducir la velocidad, en tomarse momentos de descanso como una especie de acto radical, en amar el cuerpo en el que estás, especialmente viviendo en una época, visualmente, en la que hay tantas cosas fraudulentas de la IA. Creo que es muy importante recordarlo y aceptar quién eres y qué aspecto tienes. Tenemos todos estos filtros y estas cosas que hacen que la gente parezca perfecta. Creo que es muy extraño.

Y, sobre todo, creo que necesitamos ver distintos tipos de cuerpos negros y queer de un modo que se centre en la ternura y la sexualidad, especialmente por la época en la que vivimos, en la que los cuerpos negros y queer se enfrentan a la violencia y a la supresión en un tipo de enfrentamiento tan exacerbado. Quiero que la gente vea que no se puede borrar a este grupo de personas. Estamos vivos y existimos, y hay muchas formas de existir en un cuerpo. No hay una única forma de hacerlo.

Sé que mi trabajo proporciona mucha alegría y felicidad a la gente. Y quiero recordar a la gente que una parte de todo eso es también honrar el dolor, del que también hablo en mi trabajo, junto con otras emociones que probablemente asociamos con estar triste o ser negativo. No creo que ninguna emoción sea negativa. Existe esta idea de la positividad tóxica, en la que sólo nos fijamos en lo que nos hace sentir más felices. Quiero recordar a la gente que se trata de la experiencia humana, así que no pasa nada por no sentirse bien. Está bien sentirse triste o enfadado. Hay partes oscuras de nuestra personalidad. Quiero que la gente lo vea todo en su totalidad.

Entrevista y edición de Jenny Gill. Más información sobre la obra de Jonathan Lyndon Chase aquí.