En el estudio: Jacqueline Kiyomi Gork

Jacqueline Kiyomi Gork es una artista afincada en Los Ángeles y becaria Joan Mitchell 2023. La entrevistamos sobre su obra y su práctica creativa en febrero de 2024. Lo que sigue es una transcripción editada de esa conversación.

Trabajo principalmente con instalaciones sonoras y esculturas, que a veces abarcan la performance, la arquitectura y el textil. Para mí, el sonido es el punto de partida y de llegada. A menudo, otros materiales y medios fluyen a través de él, pero mi obra surge de experiencias sonoras. Luego transformo esa experiencia. La investigo y trato de aprender sobre ella, intento ver cómo responden los demás a ella, y luego creo un entorno sónico en el que las cuestiones que se conjuran se exploran para el público.

Actualmente, mi trabajo consiste en intentar comprender las experiencias con el sonido y la emoción que existen en este mundo desordenado, intentar encontrar mi lugar en él, o crear mi lugar en él, e invitar a otros a entrar. Intento recomponer las contradicciones o sincronicidades que ocurren en la vida pública. La mayoría de las experiencias que informan mi trabajo son cosas cotidianas. Puede ser algo tan sencillo como que se encienda una canción emotiva por los altavoces mientras echas gasolina. Los desencadenantes de cuando se utiliza el sonido para manipular el espacio y/o a las personas, tanto si se acuerda entre todas las partes como si no. Sólo intento darle sentido a todo esto.

No soy músico. Crecí formándome en danza, así que creo que hay una musicalidad en el movimiento y el sonido que entiendo, pero no tengo ninguna formación musical formal. Me involucré en la escena del ruido y del punk experimental, donde aprendí a hacerlo todo yo misma. Y tengo la suerte de contar con un montón de músicos increíbles con los que colaboro en mi comunidad. Tomo conceptos, herramientas y técnicas del mundo del audio y los aplico al mundo físico a través de mis esculturas.

Cuando la gente experimenta mi trabajo, espero que salga un poco más sensible, un poco más consciente de cómo su cuerpo se relaciona con el espacio y cómo el espacio se relaciona con su cuerpo. Sólo un poco de autoconciencia respecto a sus propios movimientos y al espacio que su cuerpo ocupa o no ocupa.

He pasado mucho tiempo observando al público interactuar con mi trabajo, ya sea durante los periodos de investigación o en los propios espectáculos. En The Lab de San Francisco, incluso teníamos instaladas cámaras de seguridad para poder ver cómo interactuaba y se movía la gente. Intento crear una coreografía; es una partitura abierta, así que no se trata de decir, oh, tienes que girar aquí a la derecha o allí a la izquierda. Pero quiero saber si esos sonidos funcionan ¿Atraen a la gente de una u otra manera? ¿Hay algún punto de congestión dentro de la instalación?

Estoy pensando en una pieza que hice el año pasado por estas fechas en el Instituto de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, que era un laberinto transparente, y observando cómo interactuaba la gente con él. ¿En qué momento se sentían cómodos pasando tiempo allí? ¿Lo recorrían rápidamente, prestando más atención a lo que veían que a lo que escuchaban, que requiere más tiempo? También he realizado proyectos de investigación, trabajando con bailarines u otros artistas para ver cómo se guía, manipula o distrae la atención dentro del espacio, el sonido y la arquitectura.

En mis instalaciones, existe una relación necesaria entre el sonido y el material. Mi deseo es crear instalaciones de sonido multicanal, pero ninguno de los espacios con los que trabajo está construido para el sonido, por lo que la acústica me impide tener un audio claro y controlado. En el otro extremo del espectro, las salas de conciertos o los espacios diseñados para el sonido no están hechos para hacer lo que a mí me gustaría hacer visual y espacialmente. Así que creo mis propios espacios dentro del espacio. Esto implica mucho material, porque necesito manipular la acústica para que el sonido funcione. Y esos materiales también informan de lo que soy capaz de hacer con el sonido.

Mi trabajo se realiza in situ y no en el estudio. Vengo con materiales y muestras de sonido y/o software que voy a utilizar. Hay equipos, como micrófonos y altavoces, y elementos escultóricos, como textiles. Los pongo todos juntos y luego empiezo a componer. En realidad, no se crea nada hasta que están todos juntos. Pienso en estos momentos como una especie de actuación.

Hay muchas cosas que influyen en cómo decido hacer lo que hago, cuándo y dónde lo hago. Por ejemplo, acabo de terminar una exposición en el Carpenter Center for Visual Arts de Harvard. La exposición consta de tres conjuntos de obras diferentes, muchas de las cuales responden al edificio y a la propia arquitectura. El Carpenter Center es el único edificio de Corbusier en Norteamérica. También es el segundo edificio del campus de Harvard en el que no se utilizó ladrillo rojo. Realmente destaca.

Una de las pocas cosas que sabía cuando vine a visitar las instalaciones es que el campo de la acústica arquitectónica -las matemáticas y el aspecto computacional de todo ello- se desarrolló en Harvard a principios de siglo. Y de allí salieron historias sobre la mala acústica de una sala de conferencias del Museo de Arte de Niebla, donde nadie podía entender al orador debido a un largo tiempo de reverberación. Wallace Clement Sabine, físico de Harvard, creó el primer algoritmo para comprender la absorción e instaló los primeros paneles de absorción de fieltro. Más tarde trabajó en la Sala Sinfónica de Boston.

En la universidad, me obsesionaba esta falacia de que los hombres pudieran controlar a las personas y el entorno mediante la arquitectura y estos ideales utópicos que conducirían a una realidad distópica. Corbusier encaja en eso, sobre todo con Chandigarh, en la India, que visité hace 15 años. Allí tuve una experiencia muy, muy extraña con su arquitectura, sus tejidos y la gente que lo habitaba. Así que llegué a este proyecto con mucho pesimismo sobre la obra de Corbusier, pero también con un reconocimiento de su papel en la historia de la arquitectura. Fue uno de los únicos arquitectos que diseñó materiales acústicos porque trabajaba en cemento, así que necesitas suavidad. Uno de sus paneles acústicos está en el teatro del Carpenter Center. También diseñó el Pabellón Philips de la Feria Mundial de Bruselas de 1958, que albergaba una composición multicanal muy temprana de Edgard Varèse, llamada Poème électronique. El título de mi exposición, Poemas de aire electrónico, hace referencia a esta obra. Xenakis, otro compositor al que admiro, también trabajó en ese proyecto.

En general, la exposición se burla del edificio, pero también lo reconoce. Sigo ocupándome de Corbusier y respondiendo a él, pero también burlándome de él, utilizándolo contra sí mismo.

En el Centro Carpenter, una instalación en el piso de arriba implica rocas en el suelo. Construimos un falso suelo, o "escenario", como me gusta pensarlo, con micrófonos de contacto debajo, micrófonos arriba y altavoces alrededor. Hay unas columnas que hice con fibra de vidrio y lana. Dentro de la propia galería, hay columnas de cemento porque la estructura del edificio se apoya en ellas. Las columnas están por todas partes. No hay forma de evitarlas, y es tan ridículo porque no es una galería muy grande, y sin embargo no es una "caja blanca limpia" Corbusier sigue muy presente, como diciendo: "¡Eh, sigues en mi edificio!" Así que respondiendo a eso, hice mis columnas, ahogando las columnas que existían: ése era uno de los objetivos con las esculturas.

Luego, el espacio de abajo tenía paredes de castillo hinchable de plástico, con dibujos de ladrillos rojos, que suben y bajan también en relación con las columnas. Las columnas de la planta baja sujetan las paredes del castillo hinchable, lo envuelven. Tiene música basada en la música clásica romántica que era muy popular cuando se creó la Sala Sinfónica de Boston.

Ha sido una época muy ocupada para mí. Incluyendo la exposición del Carpenter Center, he tenido cinco exposiciones prácticamente seguidas, pero ahora no tengo ninguna próxima. Estoy deseando tomarme un descanso y empezar una nueva investigación sobre un tema muy personal acerca de la parte japonesa-americana de mi familia.

Soy Yonsei, japonesa estadounidense de cuarta generación. Mi familia nunca habló de sus experiencias con los campos de internamiento en EEUU hasta que Trump fue elegido. Cuando se produjeron los campos de internamiento, algunos miembros de mi familia empezaron por fin a hablar de ello. La mayor parte de la generación que vivió los campos ya no existe. Pero algunos de mis familiares vivos nacieron en los campos.

Parte de la parte japonesa de mi familia es okinawense de Hawai, y no estuvieron en los campos. Así que siempre he visto cómo estas experiencias tan diferentes de Estados Unidos moldeaban y cambiaban a la familia. Es algo sobre lo que siempre he tenido muchas preguntas y que realmente no comprendo. También es muy intimidante. Es muy personal y un tema en el que es difícil profundizar porque hay muchas cosas que no se saben. Se mantuvo en silencio y en secreto durante mucho tiempo.

Creo que también he evitado este tema porque me presionaron mucho cuando estaba en el instituto y en la escuela secundaria para que hiciera un trabajo sobre ser japonés-americano. Eran los años noventa. Realmente me resistí a ello. Odiaba que me encasillaran, en plan: "No eres blanca, así que, por tanto, debes hacer obras sobre tu identidad" Pero ahora creo que estamos en un lugar diferente en el que esas expectativas no son tan sofocantes como siento que lo fueron una vez. Hay más diversidad en el mundo del arte y más apertura para que los artistas de cualquier tipo y clase hagan obras sobre lo que les dé la gana. Ahora me siento más cómodo intentando hacer algo con esta historia familiar.

El otoño pasado fui a Okinawa durante una semana y pasé algún tiempo en las cuevas, donde muchos okinawenses se suicidaron porque los soldados japoneses se lo ordenaron. Tuve un par de experiencias muy profundas en esas cuevas, que son muy pesadas y están cargadas de esa historia. Luego descubrí que uno de mis tíos americano-japoneses de California estuvo en el ejército estadounidense y fue traductor, intentando sacar a la gente de las cuevas sana y salva. Él nunca hablaba de eso, pero mi madre lo descubrió hace poco a través de un primo. Se descubren muchos secretos familiares; todo es muy triste. Todavía no sé muy bien adónde ir, pero voy a intentar escribir algunas becas de viaje para poder ir a Japón, e ir a Okinawa otra vez. También tengo que ir a los campos de EE.UU. donde estuvieron internados los miembros de mi familia, ya que nunca he estado allí. Estoy deseando ver adónde me lleva todo esto.

Entrevista y edición de Jenny Gill. Más información sobre el trabajo de Jacqueline Kiyomi Gork en jacquelinekiyomigork.com y en Instagram.