En el estudio: Henry Payer, Jr.

Henry Payer, Jr. es un artista de Ho Chunk que trabaja principalmente con collage y técnicas mixtas. Payer, que actualmente reside en Sioux City, IA, es Becario Joan Mitchell 2022. Le entrevistamos sobre su obra en marzo de 2023. Lo que sigue es una transcripción editada de esa conversación.

Por lo general, mi obra tiene que ver con la cultura de la que procedo y con mis antecedentes como Ho Chunk, el pueblo indígena de Wisconsin. Mi pueblo fue trasladado varias veces en el siglo XIX por todo el Medio Oeste antes de acabar en Nebraska. Así que soy de la tribu Ho Chunk de Nebraska, reconocida federalmente como la tribu Winnebago de Nebraska. Gran parte de mi trabajo surge de esa historia y de esa zona, así como de intentar restablecer la continuidad visual de nuestra cultura.

Inicialmente me formé como pintora acrílica. Después de graduarme, trabajé sobre todo con técnicas mixtas: mucho collage, utilizando objetos encontrados, material específico del lugar, documentos históricos, postales y cualquier cosa que pudiera encontrar y que pudiera dejar una marca o que pudiera manipular en términos de color o activando la historia de una obra.

En 2018, fui Artista Residente Elizabeth Rubendall en el Museo de Arte Great Plains de Lincoln, Nebraska, y creo que ése fue el momento de mi práctica artística en el que me di cuenta de que algunas ideas requieren técnicas diferentes y saber cuándo utilizarlas. Utilizaba técnicas mixtas, transferencias de imágenes, objetos encontrados, y también intentaba hacer cosas más nuevas, trabajando con distintos medios. Eso me llevó a reconectar con el trabajo con papel de libro mayor, que tiene su propia relevancia histórica dentro de la historia del arte de los nativos americanos, ya que representa una de las épocas en las que nos apropiamos de materiales que no eran nuestros.

El arte Ledger fue originado por prisioneros de guerra. En la década de 1870, varias tribus fueron cargadas en tren en el sur y enviadas a Fort Marion, en Florida. Mientras estaban prisioneros allí, los guardias y la gente de los alrededores les dieron libros de contabilidad y libros de cuentas. Y a partir de ahí, reflexionaron sobre sus artes pictográficas tradicionales, que se hacían sobre pieles de animales y rocas y cortezas de abedul. Así que se convirtió en una especie de transculturación de esos nuevos materiales -libros de contabilidad y papel de contabilidad y lápices de colores- y registraron sus vidas anteriores, las escenas de cortejo, las ceremonias y sus honores de guerra. La historia es que se les permitió vender estos dibujos a los turistas que venían a ver a los prisioneros de guerra en Florida.

A partir de ese momento, cuando cogieron los papeles del libro mayor y los pusieron en la pared, ésa es mi interpretación de cuándo empezó el arte nativo contemporáneo, en cuanto al acceso a los materiales y las cosas que se nos dieron más allá de nuestro estilo de vida tradicional y nuestra historia cultural o visual. En la década de 1860 también se dibujaba en libros de contabilidad entre distintas tribus de las Grandes Llanuras, ya que los libros de contabilidad se tomaban de soldados muertos o se encargaban entre soldados del ejército y exploradores indios, pero este relato se utiliza como ejemplo específico en la historia del arte nativo.

El arte de los libros de contabilidad sigue siendo una práctica muy viva hoy en día. Yo lo utilizo por su relevancia histórica, e intento diferenciar mi forma de utilizar el papel de libro mayor de la de los artistas que siguen utilizando ese estilo tradicional. Para mi trabajo, recurro a toda mi historia del arte y a mis antecedentes sociales. Intento utilizar el papel de libro mayor del mismo modo que los dadaístas y los futuristas utilizaban su papel, como collage y explorando cómo se puede manipular el espacio y la profundidad. Y valoro el arte por encima del papel al que estamos dando valor, y la obra de arte que está encima de él, en un esfuerzo por hacer avanzar mi arte. Hay todas estas cuestiones diferentes que, con sólo acceder a ese papel, soy capaz de aprovechar, es decir, si la gente conoce los movimientos históricos del arte, el arte nativo contemporáneo y el arte nativo tradicional.

Los últimos años, desde 2019, han sido una especie de periodo de incubación de investigación y de ver cosas diferentes en galerías. Y ahora estoy en un punto en el que pienso en cómo utilizar todas estas cosas diferentes, y estoy intentando volver a incorporar la pintura acrílica a mi práctica. Así que actualmente estoy haciendo estas pinturas de bordes duros que parecen collage porque los bordes duros son similares al resultado final de recortar algo y luego colocarlo sobre algo. Combino ese estilo pictórico con elementos de collage. Y estoy volviendo a esa identidad de lo que somos como pueblo Ho Chunk, y de tener que identificarnos como Winnebago y todas las cosas que sólo decir "Winnebago" nos trae a la mente.

La palabra Winnebago es un xenónimo de una palabra algonquina, "winnepiko", que se traduce como "gente del agua maloliente" En verano, debido al calor y la humedad, los lagos de la región pueden llenarse de algas y tener un olor particular. En el momento del contacto con los franceses en Green Bay en 1634, nuestros vecinos menominee de habla algonquina dieron a los jesuitas esta información, señalando nuestra ubicación vital en todo el lago Winnebago. Los franceses corrompieron entonces esta palabra, traduciéndola por "el pueblo maloliente" y dándole connotaciones negativas, o describiéndonos en francés como "puants"

Como pueblo, nos llamamos Ho Chunk, que significa el pueblo de la voz original. Debido a nuestras relaciones con diversas banderas -británica, francesa y estadounidense-, tenemos negociaciones de tratados que declaran nuestra identidad como tal, por lo que nuestra relación bajo estas banderas se define por estos nombres e identidades. Ésta es otra razón por la que autoidentificarse como Ho Chunk es tan importante para contar nuestra historia.

Intento reunir todas estas cosas en mi obra. Algunas de mis obras son autorretratos. Algunas son representativas de esa narrativa pictórica de ser reubicados en Iowa, en Nebraska, en Minnesota, en Dakota del Sur... todos estos lugares diferentes a los que fuimos reubicados. El poder del lugar es algo que siempre me ha interesado, y el breve tiempo que estuvimos allí, y lo que nos queda de ello dentro de nuestra historia oral.

Utilizo mucho la autocaravana Winnebago Chieftain en mis dibujos, collages y fotografía. Un cuadro collage de 2022 se basa en una estereografía de dos mujeres Ho Chunk sobre sus caballos delante de una estructura de vivienda tradicional: la longhouse. Reimaginé la longhouse como la inspiración directa en la que se basa la autocaravana Winnebago. Cuando se retiraron los Ho Chunk, iban y venían de Wisconsin a Nebraska y se les conocía entonces como los "Winnebago errantes"

Hay una serie que hago en la que llevo conmigo una pequeña Winnebago de juguete, la coloco en distintos lugares y la fotografío con mi cámara desde el suelo. Son autorretratos en distintos lugares, dependiendo de si nos hemos trasladado allí o de si estoy de visita en algún sitio como Toronto o Quebec. Es una especie de selfie.

También utilizo papel de libro mayor y el Winnebago en obras de collage. En muchas de estas obras, la Winnebago aparece en vista lateral, y eso representa en cierto modo el desplazamiento hacia el este o el oeste. También estoy trabajando actualmente en collages de Winnebago que son vistas frontales, y siento que son más autorretratos de mis viajes e incorporan mi propia historia.

Siempre intento huir de la idea de este paraguas de "arte nativo", porque cada uno tenemos nuestra propia estética. E intento fundamentar mi trabajo en el desarrollo de obras de arte que se basen en la estética Ho Chunk, en lugar de desviarme de ella. Así que investigo mucho sobre esa cultura visual, y donde se encuentra es en las cajas y almacenes de los museos. Tengo que ir a archivos en los que hay objetos y elementos de nuestra cultura. También hay artistas Ho Chunk anónimos que han creado sus obras de arte utilizando materias primas o pieles de ciervo procesadas para hacer mocasines. Así que hay estas cosas diferentes en las que intento mantenerme arraigada.

Visualmente, intento representarlo de la forma más fiel posible. Entiendo que la supervivencia de esa cultura es más importante que contribuir al "mundo del arte", sea donde sea. Siempre intento basarme en los valores de lo que define el arte Ho Chunk, y hay un aspecto contemporáneo porque soy un indígena moderno que vive y respira.

Hay un aspecto performativo en la forma en que la gente mira el arte. Me doy cuenta de que hoy en día la gente quiere la transfusión instantánea de una imagen, en lugar de pasar tiempo con la obra de arte. Intento llenar mi obra de referencias históricas para que la gente pueda dedicar tiempo a cuestionar nuestros propios motivos y presunciones, porque nos enseñan muchas cosas. Así que cuando veo que la gente vuelve a la obra de arte, eso es lo que espero, que tenga un efecto subyacente en ellos. Que quieran saber más sobre lo que sea que les ha enganchado.

En última instancia, intento que la gente se cuestione y aprenda más no sólo sobre su perspectiva cultural, sino sobre la historia. No hablo sólo de mi historia. Es la historia estadounidense. Es historia regional. Es historia estatal. Es historia local. Es historia indígena. Sé que puede ser un poco desalentador, pero siempre intento que la gente haga preguntas y se eduque.

Voy a inaugurar una exposición individual en Brookings, Dakota del Sur. Es una de las primeras en solitario desde la pandemia. Tengo otras dos exposiciones individuales en otoño, así que tengo el verano ocupado creando más obras. Estoy agradecida por ello y por las oportunidades de exponer. Es bueno que la narrativa de Ho Chunk salga a la luz. Estoy agradecida de que haya más gente dispuesta a aprender no sólo sobre mí como artista, sino también sobre mi pueblo y mi cultura, que es donde reside la base de mi trabajo.

Entrevista y edición de Jenny Gill. Sigue el trabajo de Henry Payer, Jr. en Instagram.