En el estudio: Emily Gherard

Emily Gherard es una artista afincada en Seattle y beneficiaria en 2021 de la Joan Mitchell Fellowship. En mayo de 2022 la entrevistamos sobre su obra y los procesos de su estudio. Lo que sigue es una transcripción editada de esa conversación.

Mi obra actual consiste en grandes dibujos y esculturas murales: estructuras monolíticas, a veces geométricas, que sustituyen a la figura humana. Suelen construirse a partir de la acumulación de marcas, pequeños trozos de madera grapados o bloques de yeso.

Las formas que construyo suelen basarse en pinturas de figuras históricas. Extraigo las posturas de las figuras y luego las encajo con la narrativa original de esa obra histórica. Echando la vista atrás, empecé a inspirarme en imágenes históricas muy pronto. Me encanta estudiar una obra e intentar comprenderla creándola. Creo que también existe esa distancia temporal que me facilita encontrar mi propia narrativa en ese pasado.

Mi obra es completamente abstracta, por lo que el material de origen no es evidente, pero me interesa la idea de que estas obras históricas que me encantan son más que la suma de sus partes. ¿Puedes percibir el contenido emocional original sin esas narraciones obvias? ¿Sin la figura? ¿Hay algo en lo que yo llamo el ADN de mi obra que sea aparente a pesar de que la obra sea bastante abstracta?

La obra en la que estoy trabajando actualmente es un grabado de Käthe Kollwitz, titulado Las madres. En él aparecen cinco mujeres con sus hijos. Me encanta la obra de Kollwitz y he tirado de ella durante años. Realizó esta serie varias veces a través de dibujos, grabados y esculturas.

En esta versión concreta, cada una de las figuras está dibujada con un estilo completamente distinto. Tienes una madre que está construida con estas pequeñas líneas que se funden con el fondo, otra madre que casi parece un bloque de madera en el que está desesperada y las marcas son realmente crudas. Hay una figura agazapada que se disuelve y es arrastrada por las marcas. Se trata de un muro de figuras y cada una es radicalmente diferente, expresada a través del estilo de las marcas. Lo que siempre me ha atraído de la obra de Kollwitz es su capacidad para vincular las marcas y el tacto al contenido. Es muy evidente en esta obra.

En mi trabajo, siempre busco la forma de vincular el contenido con el proceso. No sólo desarrollo los materiales utilizados, sino también el proceso en el que se desarrollan los materiales, y lo relaciono con el contenido. Para mí, esta obra de Kollwitz lo hace maravillosamente, así que me entusiasma ver cómo puedo desarrollar sus obras utilizando distintas combinaciones de materiales para crear las distintas figuras de su obra, vinculando la forma en que ella representa cada figura con mis propias experiencias con la maternidad.

Creo que cuando trabajas con las manos, la obra se expande y se expande y se expande. Cuando trabajo con el yeso, definitivamente tiene su propio contenido y esas ideas surgen dentro de esa pieza. Así que empiezo con la idea de "Vale, estoy trabajando en esta obra de Käthe Kollwitz y me estoy inspirando en ella", pero llego a un punto en el que sólo estoy trabajando con mis manos y estoy construyendo formas y estructuras, y mi propia narrativa puede aparecer.

Hace seis años, me alejé de la pintura al óleo tradicional con el nacimiento de mi hija, planeando ingenuamente trabajar con ella en el estudio. Aunque eso nunca llegó a fructificar, sí marcó el comienzo de mi amplia experimentación con los materiales. Mi práctica en el estudio se transformó de la noche a la mañana, de un medio lento y decidido a una curiosidad por probar y utilizar cualquier cosa. Una vez que lo hice, todo empezó a inundarme. Por ejemplo, llevaba 20 años experimentando con yeso, pero como un proyecto secundario. No estaba en el primer plano de mi práctica en el estudio hasta que nació mi hija. Estas dos cosas sucedieron a la vez para mí, lo que me remite al grabado de Käthe Kollwitz. Cada una de esas figuras está dibujada de forma diferente y eso dice algo sobre la figura. Estoy entrelazando mis propias experiencias con la maternidad, porque para mí, esta experimentación con materiales y esta exploración con todos estos estilos están muy relacionados con el hecho de convertirme en madre.

En los últimos años, he estado combinando el grabado, la escayola y la madera. Creo moldes de escayola a partir de planchas de grabado. Las planchas tienen una imagen. Se entintan, se limpian y se vierte yeso húmedo en ellas. Y cuando el yeso se endurece, se transfiere la imagen. En 2020, hice una exposición de estas grandes piezas de escayola en las que había estado trabajando durante varios años. Al final de esa exposición, aún quedaba mucho sobre la mesa. Las estructuras de cedro que son las estructuras de soporte dentro de la obra de escayola empezaron a desempeñar un papel más importante dentro de esa serie.

Cuando incrusto cedro en yeso, los taninos -la mancha marrón del cedro- se filtran y crean este dibujo fantasmal. Así que miras la pieza de escayola y tiene su propia imagen, pero también puedes ver la estructura que lleva incrustada. Esa metáfora de ver la superficie y la estructura que la atraviesa se convirtió en algo importante. Así que, al final de aquella exposición, me interesaba potenciar más el cedro. Tenía un estudio lleno de restos de madera de la escayola. Empecé a cortar esos trozos de cedro y a hacer cuadros con muchas marcas repetitivas y cortas que son bloques de madera pintada grapados. Así que he seguido este camino de construir estructuras de madera con la idea de poder volver y combinarlas con las piezas de escayola.

A menudo mi trabajo se describe como "monocromático" o que utiliza una "paleta limitada". Aunque probablemente sea una descripción visual exacta, el color es muy importante para mí. Sólo que lo utilizo de un modo más tranquilo. Comparo mi uso del color con una conversación. Algunas personas entran en una habitación y dicen "hola" a todo el mundo. Otras encuentran a una persona y se pasan la noche hablando sólo con ella. Yo soy esa última persona.

Me encanta llegar a ese punto en una obra en el que puedo empezar a mantener una conversación más tranquila, en la que la diferencia entre un gris cálido y un gris frío importa y se siente deliberadamente. Por ejemplo, en muchas de las grandes piezas de escayola, descubrí que si dibujaba sobre la escayola caliente justo cuando salía del molde con un lápiz Stabilo blanco (un lápiz graso), las líneas se fundían en la escayola y cambiaban su brillo, creando líneas fantasma visibles al pasar junto a la pieza.

A menudo, al principio de una obra pintada, utilizo una paleta brillante y vibrante. Algunas obras permanecen así; la mayoría se vuelven más sutiles, más neutras, a medida que continúo trabajando en ellas. Me encanta el momento en que mis ojos se adaptan a la obra, viendo los ligeros cambios de temperatura. Entonces el resto del mundo en mi paisaje típicamente gris del noroeste parece tecnicolorido. Siempre me siento como una esponja y me encanta ese momento. Miro todo lo que me rodea y vuelvo a llevarlo al estudio.

Entrevista y edición de Jenny Gill. Más información sobre el trabajo de Emily Gherard en gherard.com.