En el estudio: Emilie Louise Gossiaux

Emilie Louise Gossiaux es una artista multidisciplinar afincada en Nueva York, y Joan Mitchell Felllow 2024. La entrevistamos sobre su trabajo y su práctica creativa en marzo de 2025. Lo que sigue es un extracto editado de la transcripción de esa conversación.

Soy principalmente escultora. Hago cerámica e instalaciones, y el dibujo también es una parte muy importante de mi práctica. Dibujar siempre ha sido un punto de entrada para mí, y un proceso meditativo, en el que imagino un trozo de papel en blanco que está en mis manos. Lo siento y es entonces cuando empiezan a aparecer las imágenes. Empiezo a visualizar lo que estoy viendo en mi mente.

Con el tiempo, ese boceto o dibujo se convierte en algo tridimensional: una escultura, una instalación o un dibujo más grande. Puedo trabajar con la misma imagen una y otra vez hasta que empiece a parecer real.

Todo mi trabajo de los últimos cinco años ha girado en torno a esta profunda conexión que tengo con London, mi perro guía y compañero animal, que es un labrador retriever inglés. Conseguí a London en 2013. Lleva tres años jubilada como mi perro guía. Llevamos juntas más de una década, así que me parece la relación más larga que he tenido con otro ser.

Este fuerte sentimiento de conexión con Londres empezó a calar realmente hacia 2017 o 2018. Un perro guía y su dueño pueden tardar varios años en crear un vínculo muy fuerte entre ellos. Es una relación que no se parece a ninguna otra entre un animal y un humano, creo. Es más fuerte que una mascota. Realmente, es un poco radical pensar en poner tanta dependencia en un animal, que también depende al 100% de ti. Yo lo describo como una relación interdependiente, lo que significa que dependemos mutuamente el uno del otro. Poner tanto cuidado en alguien y que arriesgue su vida por mí es algo hermoso. Es realmente poderoso.

Durante la pandemia de COVID-19, London y yo estábamos atrapados en casa y tratando de resolver las cosas, ya que London no trabajaba realmente durante ese periodo como mi perro guía. Estábamos juntos en casa todo el tiempo. Yo no podía salir sola. Fue entonces cuando empecé a pensar no sólo en mi relación con London, sino también en otros animales y otras partes de la naturaleza y el medio ambiente que son tan vitales e importantes para nosotros como seres humanos, y en la responsabilidad que tenemos con la naturaleza y las especies no humanas. Esta relación interdependiente que exploro a través de Londres es válida también para el resto del mundo: la humanidad y el mundo no humano.

Pensaba en las jerarquías que existen entre los seres humanos y los animales, y también entre los seres humanos y las personas discapacitadas. Empecé a pensar: ¿cómo puedo descentrar a los humanos? Mi deseo es crear un mundo anti-antropocéntrico en el que los humanos y los animales puedan coexistir entre especies, y también entre géneros y discapacidades y razas. Tengo la sensación de que mucha gente lo da por sentado.

Al trabajar con London, que ha sido un gran colaborador y una parte tan importante de mi vida, una de las cosas que quiero que se lleve mi público es esta mayor importancia que pueden tener los animales en nuestras vidas, y también cómo la naturaleza y esta idea de interdependencia son tan vitales para nuestra existencia.

En 2023, realicé una exposición individual Other-Worlding en el Queens Museum que exploraba este tema. Comenzó con una propuesta, una idea, que tuvo su origen en mi dibujo London Midsummer, que dibujé en 2022. Había tres representaciones de London, de pie en un campo rodeado de árboles con un palo de mayo gigante que modelé para que se pareciera a mi bastón blanco. Está erguida sobre sus patas traseras y agarrada a las correas de su perro, que son unas cintas rojas sujetas a la parte superior del palo de mayo. Y baila y salta a su alrededor.

Cuando hice ese dibujo, sentí que tenía que explorar más esta idea de la liberación animal, la alegría y la autonomía de la Discapacidad, y averiguar cómo convertirla en una instalación. La galería donde estaba la exposición, en el Queens Museum, es un gran espacio, por lo que trabajar a esa escala se convirtió en un proceso de construcción del mundo, porque siento que mis bocetos pueden ser realmente fantásticos e imaginativos y muy oníricos o surrealistas. Quería que la instalación fuera inmersiva y que mi público pudiera entrar en este mundo que he creado, en el que los perros bailan erguidos sobre sus patas traseras en medio de un campo y hay un gigantesco palo de mayo de caña blanca. Quería crear un espacio donde eso pudiera existir.

Cuando planifico una exposición o una instalación, la conceptualizo como una experiencia, y pienso en la coreografía de las esculturas, y también en mi público. Pienso en cómo interactúan las esculturas entre sí en el espacio, y en cómo el público -sus cuerpos- se moverán a su alrededor, como en una danza.

Fue muy útil colaborar con el personal del Queens Museum. Me hicieron una maqueta a escala del espacio de la galería para que pudiera sentir el espacio con las manos y mapearlo todo, como dónde colocar el pedestal circular y los árboles.

Con esta instalación en concreto, di a cada uno de los tres Londons gestos y movimientos corporales diferentes. El espacio de esta galería tenía dos entradas, así que imaginé a la gente entrando por una de ellas. Cuando entraban por primera vez en el espacio, la primera escultura de London que encontraban era la de ella bailando, con la cabeza girada sobre el hombro para mirar a los espectadores. Imaginé a mi público como siendo llevado y conducido por el espacio por esa London que establece contacto visual con los espectadores y les invita a entrar.

Quería captar ese tipo de experiencia desconcertante cuando un animal establece contacto visual contigo, ser reconocido o notado por algo que es distinto a ti o algo con lo que normalmente no podrías comunicarte. Hay algo realmente poderoso en ese tipo de experiencia, y por eso quería que el público quedara cautivado por esa única mirada, y que luego entrara y caminara alrededor del pedestal circular y siguiera los movimientos de los tres perros.

Mientras se adentran en el espacio, se encuentran con los árboles que había instalado en las paredes, así que imagino al público fijándose cada vez más en los detalles de las texturas, los colores y la escala de todo. Al avanzar alrededor del pedestal circular, se encuentran con mis dibujos y establecen esa conexión, que son los dibujos que lo iniciaron todo y que unen todas las obras.

Otros de mis trabajos recientes incluyen un personaje que creé llamado Doggirl, que es un animal híbrido: yo y mi cuerpo hibridizados con el cuerpo de un perro -más concretamente con London. Es cómo me veo a mí misma y cómo imagino que me ve el mundo exterior, como una chica que depende de un perro. Pero siento que, con London y conmigo, la forma en que ambas dependemos la una de la otra nos hace más fuertes juntas cuando estamos completas o cuando trabajamos y colaboramos juntas.

También tengo otro personaje, Alligatorgirl, que es una identidad con la que me gusta jugar y que es más directamente crítica con el Antropoceno. Este personaje surge de mi propia identidad, siendo nativa de Nueva Orleans y del Sur, y de cómo los caimanes siempre fueron una parte más de mi vida. Al crecer al otro lado de la calle de un canal y cerca del Mississippi, veía constantemente caimanes flotando por ahí, simplemente pasando el rato. No los veía realmente como una amenaza, aunque ciertamente son o eran un depredador ápice.

Ahora me veo vinculada a los caimanes y a la amenaza del calentamiento global, que es algo en lo que los humanos desempeñamos un papel enorme. Alligatorgirl nació tras el huracán Ida, que destruyó gran parte de la zona de donde soy, en el sur de Luisiana, y también afectó a la gente de donde vivo ahora, en Nueva York. Lo sentí muy cerca de casa, y siento que ahora se está convirtiendo en una amenaza mayor para toda la Costa Este.

Pienso en los caimanes y en cómo sus mundos se están acercando al mundo humano, porque sus hogares, los humedales, también están amenazados, y los humedales sirven de barrera natural contra los huracanes y las inundaciones. Me resulta realmente desgarrador leer sobre casos en los que los humedales, que son una parte tan enorme e importante de nuestro entorno natural, se están deteriorando tan rápidamente debido a la expansión de los humanos en ellos.

Así que creé Alligatorgirl como respuesta directa al antropoceno y al patriarcado, y también lo veo como un icono feminista o un símbolo para mí, porque he leído historias en las que los hombres hacían cosas realmente estúpidas con los caimanes: nadar en el agua con ellos, intentar saltar sobre ellos, acercarse mucho. Y luego se los comía un caimán, y una parte de mí pensaba: bueno, te lo mereces. ¿Qué esperabas? Y luego siento que también hay una injusticia en ello, cuando se desquitan con el caimán.

Trabajo desde casa desde hace año y medio. Hago muchos dibujos y muchas de mis esculturas de arcilla aquí. Tengo cuatro mesas de estudio preparadas, y también disfruto mucho trabajando en la cama. Mi pareja, Kirby, me ha ayudado mucho a encontrar un espacio de trabajo en el apartamento que compartimos. Como persona discapacitada, me ha ayudado mucho poder trabajar a cualquier hora que me venga bien. Y también ha sido estupendo poder trabajar desde casa porque puedo cuidar de London, que ahora mismo está en una especie de hospicio. Así que me sienta bien poder pasar este tiempo con ella y también pasar mucho tiempo en el estudio.

En cuanto al proceso, mis dibujos y mis esculturas de arcilla van de la mano, porque en ambos casos parto de la nada y resuelvo problemas. Con los dibujos, tengo mi herramienta, que no es más que un bolígrafo, y luego tengo el papel delante de mí, y tengo que decidir dónde hago mi primera marca A partir de ahí, la cosa evoluciona y sigue creciendo, mientras pienso cómo hacer que esta imagen quepa en un trozo de papel.

Cuando esculpo con arcilla, también es en gran medida un proceso acumulativo, como ¿en qué momento empiezo con esta masa de arcilla en las manos? También disfruto mucho pintando mis esculturas de arcilla, porque me formé originalmente como pintora, y todavía tengo una memoria muy fuerte del color, de cómo mezclar colores, de qué tipo de pintura funciona mejor con el tipo de objeto que estoy creando. Todas mis cerámicas están pintadas con pintura al óleo o acrílica. Nunca utilizo esmaltes.

Ahora mismo me estoy preparando para mi exposición individual en la David Peter Francis Gallery del Lower East Side de Manhattan, que se inaugurará el 8 de mayo, así que he estado haciendo un montón de nuevos dibujos grandes y pequeñas esculturas de cerámica. En este nuevo conjunto de obras me he centrado en la idea de la vida después de la muerte, y tanto en la tristeza como en la alegría de celebrar una vida. He estado pensando mucho en esto porque London se acerca al final de su vida, y quiero asegurarme de que tenga la mejor vida y celebrar y honrar realmente el legado que me dejó. Siendo de Nueva Orleans, el final de la vida siempre ha sido una celebración. He visto muchos desfiles con bandas de música y un ataúd decorado para celebrar la vida de esa persona y el comienzo de la otra vida en un mundo nuevo.

Últimamente me vienen mucho a la cabeza las camas, que considero un lugar polivalente. Para mí, la cama es el lugar donde tiene lugar gran parte del proceso creativo. Es donde puedo soñar, y gran parte de mi trabajo se inspira en sueños y fantasías, y también es un lugar donde London y yo nos acurrucamos. Es donde dibujo, y es un lugar donde descanso. Es un lugar donde me curo para regenerarme. Pienso en la cama del enfermo y en el lecho de muerte.

Personalmente, no creo necesariamente en ninguna religión, pero sí creo en un mundo espiritual, y pienso en los sueños como un espacio donde podemos interactuar con los espíritus o verlos, donde podemos reunirnos. Veo mucho a London en mis sueños, por lo que siento que es un espacio en el que podremos seguir existiendo juntos en la otra vida.

Un conjunto de obras que he creado recientemente se expondrá en la CASTLE Gallery de Los Ángeles, del 29 de marzo al 24 de mayo. Ese trabajo también se centra en London y su vida después de la muerte, pensando en otras prácticas espirituales precristianas o anteriores al monoteísmo. La exposición se llama Votivos, y estoy pensando en las esculturas votivas y en cómo son como una encarnación física de la persona a la que se rinde culto, algo así como un altar.

Otra imagen que ha surgido en este nuevo cuerpo de trabajo son las mariposas. Tengo en marcha algunas obras escultóricas de London a la que le brotan alas de mariposa en la espalda. Ese conjunto de obras también se incluirá en mi exposición en la David Peter Francis Gallery. Pienso en la mariposa como una transformación o metamorfosis del cuerpo corpóreo en un ángel más espiritual, un cuerpo celestial. Estoy imaginando una vida después de la muerte para ella como una transformación: convertirse en algo nuevo en lugar de un final.

Entrevista y edición de Jenny Gill. Más información sobre la obra de Emilie Louise Gossiaux en emiliegossiaux.com.