En el estudio: Bob Dilworth

Bob Dilworth, becario Joan Mitchell en 2025, es un artista de Virginia que ahora reside en Rhode Island. Le entrevistamos sobre su obra y su práctica creativa en marzo de 2026.

Lo que más me importa son mis comunidades de familiares y amigos, tanto en mi ciudad natal de Lawrenceville, Virginia, como en mi actual hogar en Rhode Island. Quiero contar sus historias, describir las condiciones de sus vidas, explicar mi preocupación por mi pasado sureño al mismo tiempo que me relaciono con mi vida actual en el Norte. Busco un terreno sobre el que crear una visión artística que reúna los dos lugares, tanto reales como espirituales, y reflexionar sobre la distancia que he recorrido desde aquellos primeros años hasta ahora.

Mientras mi práctica busca recuerdos de tiempo y lugar, me pregunto: ¿Qué significa ser un artista negro hoy? En medio de la dificultad de nuestro tiempo -el peligroso y fermental caos que pretende despojar a los miembros de mi comunidad de sus derechos constitucionales y de su historia ancestral-, mi trabajo ha adquirido un nuevo significado, por lo que es más urgente que nunca. Mi trabajo aborda cómo buscar la humanidad que hay en cada uno de nosotros, analizar lo que existe en nosotros. Quiero que actúe como un marcador que ayude al espectador a reimaginar un futuro desconocido.

La primera obra de arte que recuerdo que realmente me hizo ver el poder de la pintura fue una pieza de John Biggers. Era una obra perteneciente a su serie "Escopeta". En ella, contaba una historia estadounidense desde el punto de vista de un negro sureño. Resonó no sólo porque yo fuera del Sur, o porque creciera en barrios con esas casas "escopeta", o porque las mujeres representadas se parecieran a las mujeres de mi barrio, sino porque contaba una historia profunda de una manera profunda a través del arte de la pintura. Yo también quería contar historias americanas extraídas de las experiencias de personas de mentalidad fuerte, valientes y decididas. Quería contar historias únicas que brindaran la oportunidad de reexaminar mi comunidad de jóvenes y mayores, negros, indígenas, marrones, asiáticos, LGBTQ+, los muchos artistas de color e identidades étnicas que han estado en el viaje conmigo mientras, juntos, luchamos por la inclusión, la equidad y el acceso.

En estos tiempos en los que la empatía se tacha de debilidad, en los que la bondad se demoniza y el cuidado de los marginados se considera una temeridad, la nostalgia se convierte en un lugar seguro, protegido y necesario para dar forma y promover nuestro destino. La nostalgia es un lugar para recuperarse. Cuando recuerdo los días de mi infancia, creciendo en la sección Mayfield de Lawrenceville, me doy cuenta de que desempeñé un papel muy pequeño durante un breve y fugaz momento de tiempo en un lugar que es bueno para siempre. No exactamente el paraíso, pero un lugar que nos dio espacio para crecer y planificar el futuro. Y para todos los jóvenes negros que crecieron allí durante ese tiempo, eso fue especial. La ciudad sigue existiendo, pero la cultura, la gente y el espíritu de aquella época hace tiempo que desaparecieron, salvo en el ámbito de la nostalgia.

Al examinar la siguiente fase de mi práctica, quiero inspirar a mi comunidad, utilizar ideas de resistencia, restauración, recuerdo y conservación para contar historias de triunfo y fracaso, de espiritualidad y belleza. La idea de comunidad -gente de intereses compartidos, de experiencias compartidas (buenas y malas, fracasadas y exitosas)- adquirió gran importancia durante el estallido del COVID-19. Mi propia comunidad se vio muy afectada por los devastadores efectos psíquicos y materiales de la pandemia. Empiezo por ahí porque era el momento en que los artistas más se necesitaban unos a otros y más los necesitaba la sociedad en general para ayudar a definir y dar sentido al momento. Muchos todavía están reconstruyendo sus vidas, mientras su trabajo demuestra ser una herramienta necesaria para sanar.

Creo que lo que realmente surgió de todo esto fueron lugares seguros para trabajar y practicar el activismo creativo, para compartir pensamientos y para sondear retos y logros. El arte público, las cooperativas artísticas, la autoayuda, los estudios abiertos, las galerías pop-up y los grupos de apoyo a los artistas -que antes no existían- florecieron y se convirtieron en catalizadores creativos de la equidad y la acción sociales.

Ahora que nos enfrentamos a una nueva crisis, es más necesario que los artistas se unan a la comunidad y a sus aliados para defender la verdad y la justicia. Mi trabajo está dedicado a elevar las historias y tradiciones que potencian una visión directa, recta y seria de nuestro mundo.

Mi familia se centra en mis cuadros. Pero podría ser cualquier familia. En El campo, mi madre, la figura dominante de blanco, inclinada hacia atrás y hablando despreocupadamente con mi hermano, ocupa la esquina inferior izquierda. Otro hermano, a la derecha de la figura central, habla con nuestra sobrina, y mi cuñada sostiene a su nieto en la parte superior de la agrupación triangular. Están sentados en un campo que se ha vuelto marrón otoñal. Sus sombras son alargadas, lo que da a entender lo tardío del día, o quizá lo tardío de la vida. Arriba, la ciudad, al fondo distante, está envuelta en un gris invernal. Amenazan nubes de tormenta. En la parte superior derecha del cuadro se ve la sombra de un árbol, que sugiere la presencia de la primavera. Las flores de la parte inferior, que tocan los pies de mi madre, insinúan la proximidad del verano. Las cuatro estaciones están presentes a la vez en esta representación de una asamblea generacional. No se trata de añoranza o sentimentalismo, sino de fortificación. Mientras seguimos experimentando el caos y la destrucción que nos rodean, la mejor forma de luchar contra ellos es permanecer protegido por los buenos recuerdos que te sostienen, mantenerte cerca de la familia y los amigos que te apoyan, y expandir las ideas que te impulsarán hacia la excelencia.

Mi estudio principal es un garaje reconvertido para dos coches que está detrás de mi casa. Me pareció enorme cuando me mudé. Corría el año 1996. La vida no era fácil entonces, ni tampoco necesariamente dura. Acababa de empezar a dar clases en la Universidad de Rhode Island, tenía dos hijos pequeños -un niño y una niña- y necesitaba desesperadamente un lugar donde trabajar ahora que tenía un empleo fijo. La casa, que incluía un garaje independiente, era perfecta. Inmediatamente empecé a convertirlo en un estudio.

Un amigo me ayudó a quitar la puerta del garaje, enmarcar el hueco, añadir ventanas y otra puerta en la parte delantera. Aislamos las paredes abiertas. Poco después le pedí a otro amigo que me ayudara a recablear el espacio abierto para instalar iluminación de riel en las vigas y otros tipos de necesidades eléctricas. (Mucho más tarde, me di cuenta de que los enchufes deberían haberse instalado más altos para que no los bloquearan las lonas. Así que acabé con muchos enchufes a los que no podía acceder) Compré una estufa de leña para la calefacción.

No ha cambiado mucho el espacio desde entonces, salvo que ahora el estudio parece mucho más pequeño, más desordenado y un poco anticuado. Sigue cumpliendo bien su función. Junto con mi garaje, ahora también he convertido una parte de mi casa en un estudio. Con la escasez actual de viviendas y espacios de trabajo, los que tenemos la suerte de poseer casas hacemos esto. Yo no podría permitirme comprar la casa en la que vivo hoy, y mucho menos alquilar o poseer un espacio de trabajo independiente. Por eso abogo por alquileres, viviendas y espacios de trabajo asequibles para los artistas. Muchos de mis amigos han creado un lugar en sus salones, dormitorios o cocinas para hacer arte. Hablamos de ello a menudo.

Mi práctica de la pintura lleva tiempo, algunas piezas hasta un año para completarlas. Recientemente, la tela y el reto de trabajar con una máquina de coser se han convertido en fuentes de inspiración para mí. Me he estado enseñando a coser, y aún estoy aprendiendo a manejar la máquina y a entender los tejidos. Actualmente poseo cuatro máquinas de coser y tengo previsto adquirir pronto una Juki. También he comprado recientemente una mesa de acolchado que hace que la costura de movimiento libre sea más flexible y fácil.

Para ampliar mis límites creativos, mi práctica de la costura se ha convertido en trabajar únicamente con ropa que perteneció a mi padre, a mi madre, a otros miembros de mi familia y a amigos. Coso a mano y a máquina para contar sus historias únicas. Era inevitable. Mi madre, de joven, cosía faldas de aro, largas y acampanadas, sujetas por debajo con tirantes rígidos que se ensanchaban en la parte inferior. Más tarde, siguió cosiendo, aunque quedó relegada a remendar calcetines, alargar las perneras de los pantalones de sus hijos en edad de crecer y hacer cortinas para la cocina. Crecí viéndola coser. Mi abuela también nos cosía a mano hermosas colchas que me causaron una gran impresión.

La espontaneidad, el azar y el descubrimiento impulsan mi trabajo más reciente, ya que encuentro distintas formas de reutilizar los materiales mientras aprendo nuevos procesos. Un buen ejemplo de ello es la obra titulada Corbata, en la que las corbatas de seda del fondo pertenecieron a mi padre. No está claro cómo acabó con tantas. No llevaba corbatas a menudo. No iba mucho a la iglesia y parecía arreglárselas para no llevarla en ocasiones especiales, como bodas o funerales. Rara vez recuerdo haberle visto con una. Sin embargo, dejó cajas de ellos cuando falleció en 2015. Quizá fueran posesiones transmitidas de generación en generación, de padre a hijo, y finalmente a mi padre, y luego a mí. Pero la idea de que las heredara me fascinaba. Desnudé, planché y cosí las corbatas de mi padre para crear un proceso y hacer una declaración sobre los lazos que nos unen. Las figuras de contraste cosidas encima están recortadas en lona de algodón con rasgos definitorios cosidos con hilo negro.

Esta obra parte de un cuadro anterior titulado Camuflaje. La importancia del dibujo de líneas, la creación de marcas y los contornos son visibles en toda mi obra, y con la aparición de este nuevo proceso de tejido, las líneas dibujadas, pintadas y rociadas se han convertido en un nuevo elemento: el hilo. He estudiado muchas técnicas de acolchado y he visto muchos diseños geométricos y simbólicos para comprender la naturaleza de los materiales colgados y estirados y cómo pueden ser portadores de una narrativa visual. En los últimos 6-7 años de trabajo con textiles, he desarrollado una escala que me parece adecuada. Mis obras textiles actuales oscilan entre 8' x 10-12'.

Ahora mismo, estoy centrada en la preparación de una próxima exposición en la Universidad de Georgia -una exposición con Ben Jones y Leslie King-Hammond, que podrá verse de agosto a diciembre de 2026- y una exposición individual en la Universidad de Rhode Island, que tendrá lugar en invierno-primavera de 2027 (las fechas aún no están fijadas). También tengo una exposición en la oficina del alcalde de Providence, RI, Brett Smiley, de junio a septiembre de 2026, y estoy esperando una residencia en el McColl Center de Carolina del Norte en otoño de 2027, donde pienso centrarme en el grabado.

Además, también participaré en la próxima Sail Design Art Cup, a beneficio del Newport Art Museum y Sail Newport, ambas instituciones con sede en Newport, RI. Es el primer año de esta colaboración. Me han invitado, junto con otros 10-15 artistas, a presentar diseños que se imprimirán en la vela mayor y el foque de un velero Shields para la regata de la Copa, que tendrá lugar en 2027. Cada vela tiene forma triangular, 33 pies de alto, y 13 pies y 10 pies (respectivamente) de ancho en la parte inferior. Dado que Rhode Island contribuyó en gran medida a la trata transatlántica de esclavos, mis diseños rinden homenaje a quienes perecieron durante los numerosos viajes desde las costas de África hasta las Américas. El Museo de Arte de Newport expondrá los diseños seleccionados este año en una muestra que durará del 4 de junio al 30 de diciembre.

Paralelamente a estas oportunidades, en los próximos años tengo previsto crear una serie de nuevas obras textiles a gran escala hechas principalmente con objetos efímeros, telas, piezas de ropa y otros materiales que pertenecieron en su día a familiares y a mi comunidad de amigos de Rhode Island y Virginia. Creada cosiendo a mano y a máquina, esta serie contará sus historias particulares, mezclándolas con historias generales de la historia y el lugar de Estados Unidos. Para este proyecto, tengo previsto dividir mi tiempo a partes iguales entre mi casa actual (Providence, RI) y mi casa natal (Lawrenceville, VA). He encontrado un espacio de trabajo en mi comunidad de Virginia que se adaptará a la escala de estas obras, que preveo sean aproximadamente del mismo tamaño o mayores que mis obras actuales. Tengo previsto disponer de máquinas de coser en ambos lugares, y espero conseguir una mesa de acolchado adicional para el espacio de Virginia.

Además de crear esta nueva serie de obras textiles a gran escala, mi intención es reunirme con líderes comunitarios de Virginia, buscando nuevos socios y apoyo comunitario para crear nuevas historias orales, fotos, grabaciones de audio y vídeo, dibujos y bocetos, todos ellos recursos que ya he utilizado anteriormente. Este proyecto dará lugar a conversaciones centradas en cómo podríamos afrontar los retos sociales actuales para lograr un cambio positivo, y crear un espacio para reimaginar nuevas posibilidades. Espero crear un diálogo en torno a las nociones de espiritualidad, de curación y ayuda, de bienestar y atención plena, todos ellos temas que he explorado en proyectos anteriores.

Preveo organizar charlas y talleres comunitarios adicionales mientras se realizan las obras textiles, centrados en por qué he vuelto a trabajar en la comunidad en la que nací. Hablaré de mi práctica a lo largo de los años, de lo que me ha llevado a mi enfoque artístico, de por qué utilizo estos materiales; hablaremos de las historias que quiero contar y de por qué es importante contarlas. Espero compartir y destacar el nivel de crecimiento y aprendizaje que he adquirido a través de experiencias pasadas y proyectos comunitarios similares.

Tengo la intención de trabajar con líderes y establecimientos locales para mantener en la comunidad el mayor número posible de obras realizadas a partir de este proyecto, buscando oportunidades de exposición y exhibición con escuelas, centros comunitarios y museos locales.

Entrevista y edición de Jenny Gill. Más información sobre el trabajo de Bob Dilworth en Cade Tompkins Projects.