En el estudio: Awilda Sterling

Awilda Sterling es una artista multidisciplinar puertorriqueña y 2022 Joan Mitchell Fellow. La entrevistamos sobre su obra y su práctica creativa en marzo de 2023. Lo que sigue es una transcripción editada de esa conversación.

Trabajo con instalaciones site-specific, y coreografío mi cuerpo alrededor y dentro del espacio. Me formé como pintora en la Universidad de Puerto Rico, en los años sesenta. Obtuve mi licenciatura en Bellas Artes en el Pratt Institute, donde estuve de 1977 a 1979.

Hubo muchas evoluciones y erupciones artísticas en los años setenta. Nueva York estaba llena de muchos impulsos e ideas, y era una época en la que empezaba a surgir el arte de la performance. Todas las exploraciones que se estaban produciendo en la ciudad -diferentes temas, integración de distintos géneros, diferentes técnicas como la pintura corporal, la música, la arquitectura- eran como una esponja que absorbía todo eso. Además de pintar, empecé a practicar danza contemporánea y experimental cuando estaba en Nueva York.

Mientras crecía, mi familia era en cierto modo una familia transdisciplinar. Era una familia enorme y cada uno tenía su propia forma de pensar sobre la familia, y de pensar sobre cómo vivir la vida. Éramos muy curiosos, en cuanto a la música, la comida, la costura, los distintos oficios y vocaciones. Así que era un mundo de diferencias e interconexiones al mismo tiempo. Creo que eso fue lo que me llevó a ser realmente consciente de mi entorno en todos los sentidos.

Cuando terminé mi MFA y volví a Puerto Rico, empecé a experimentar. Pero era muy difícil para el público de Puerto Rico, porque Puerto Rico sigue siendo un país muy conservador. Y las mujeres, especialmente las mujeres negras en las artes, no eran muy bien recibidas. Se podría decir que yo era rara. Pero no sentí que me rechazaran ni que me aceptaran. Simplemente seguí haciendo lo mío. Empecé realmente a integrar mi cuerpo en el espacio tridimensional, y a integrar mi cuerpo en la pintura, basándome en mi experiencia con la danza experimental.

Así que, mientras tanto, todo se mezclaba sin que yo me diera cuenta ni lo convirtiera en una práctica a propósito. Empecé a hacer estas experimentaciones, y lo que llegué a ver es que se convirtió en una única práctica con muchas huellas. Estaba el espacio dimensional, las acciones de pintar y el cuerpo ejecutando los conceptos.

Desde el principio de mi formación temprana en la Universidad de Puerto Rico, me interesó mucho el expresionismo, especialmente el expresionismo abstracto. Me llamaron mucho la atención los cuadros de los expresionistas alemanes, y también todo el movimiento del arte moderno, con Cézanne, Renoir, los impresionistas. Cuando los estudiaba, lo que me parecía del Impresionismo era el efecto del color, más que las pinturas en sí mismas.

El color me pareció el elemento más importante. Y también tiene que ver con el entorno en el que me crié. Hemos ido perdiendo gran parte de la exuberancia de nuestra naturaleza debido al cambio climático, al desarrollo urbano que arrasa la mayor parte de nuestros bosques; es lo que está ocurriendo en todo el mundo, ¿verdad? Me impresionaron mucho, muchísimo, las combinaciones de colores de las flores, de las frutas, de los pájaros aquí en Puerto Rico.

Esas impresiones luminosas que tenía del entorno también afectaban a las elecciones que hacía para mis cuadros. Así que mis cuadros siempre tenían colores muy vivos. La paleta era casi de colores primarios y secundarios. Trabajar a gran escala me daba más espacio para ocuparme de las mezclas de las pinturas.

Fui profesor en la Escuela de Artes Plásticas de Puerto Rico durante casi 20 años, y la mayoría de los cursos que me asignaron eran los básicos. Tenía que enseñar el color, no sólo saber utilizarlo en mi pintura. Tenía que enseñar a mis alumnos cómo utilizar el color, cómo apreciar los colores y qué posibilidades les darían los colores en diferentes temas, en las diferentes ideas que estaban jugando en sus mentes.

Los otros cursos que impartía eran de dibujo básico. Y especialmente en aquellos años, tuve que comprender realmente la importancia de la escala tonal, porque da tres dimensiones al espacio plano. Y luego también dibujo de figuras: comprender la arquitectura del cuerpo. Impartía esos cursos constantemente. Solía ir con mis alumnos a la enorme y maravillosa biblioteca que tenemos aquí en Puerto Rico y se invitaba a cada alumno a elegir los elementos o el artista que más le gustara para que pudiera estudiarlos. Siempre les decía: "No los copies. Lee sobre ellos. Comprended qué es lo que más os atrae de ese cuadro o de ese pintor, para que podáis hablar realmente con el artista y ver qué podéis hacer"

Creo que fue más emocionante para mí que para ellos. Y desde que terminé esa carrera, cada vez que me encuentro con alguno de mis antiguos alumnos, se emocionan mucho al verme y me dan las gracias por lo que aprendieron de mí. Siempre les respondo que ellos también fueron mis maestros, porque tuve que prepararme para enseñarles.

Ahora que tengo tiempo para reflexionar sobre mi carrera, esos son los elementos en los que me apoyo para entender lo que hago, y para desarrollar realmente un lenguaje que me permita expresar el lugar en el que me encuentro ahora mismo. El lenguaje es más abundante en español, por supuesto, porque es mi primera lengua, pero también leo mucho en inglés, así que utilizo ambas.

Y así, mi serie Con los ojos vendados lo reúne todo. Fue un accidente, por así decirlo. El primer experimento fue en febrero de 2020 en una galería alternativa llamada El cuadrado gris / The Gray Square. Está en una casa de dos plantas de San Juan que data de principios del siglo XX y convirtieron el sótano en una galería. Cuando empecé a experimentar allí, en un momento dado ocurrió algo que me hizo decir: "No sabía cómo afrontar esta situación... Pues voy a vendarme los ojos" Y como soy una experimentalista, todo el mundo dijo. "Vale, veamos cómo va"

Cerré los ojos y me puse la venda. Lo que resultó fue que tenía una sensibilidad extra. A medida que he continuado con esta serie, he desarrollado mucha sensibilidad en las manos. Voy de un lado a otro con la venda puesta, percibiendo el espacio para ver dónde están los ángulos, si hay un escalón, cómo puedo extenderme de un lado a otro. Eso me da la idea de cuánto espacio tengo.

Y luego, para los colores, pido a alguien que coloque los colores en el suelo, porque necesito orientación. Trabajo con antiguos alumnos míos, así que me conocen y tengo mucha confianza en ellos. Colocan los colores, normalmente barritas de óleo, en el suelo según una paleta que he visto antes.

Entonces busco el medio y empiezo a dibujar, yendo a sitios. Me acompaña la música, normalmente jazz instrumental de distintas épocas, para que cada sonido me dé un trazo concreto sobre el que trabajar. Juego con trazos más fuertes, con el puntillismo. Por ejemplo, si la música dice: "Bap, bap, bap, bap, bap, bap, bap", entonces hago lo mismo en la superficie.

Cuando me quito la venda de los ojos y vengo a ver la obra, siempre es magnífico, porque si estoy pensando en ella, si estoy esbozando, no haría lo que estoy haciendo con la venda. Con ella, tengo un sentido extra, más que los cinco sentidos, el tacto de las superficies, las pulsaciones de la música. Simplemente voy, y el público pasa a formar parte de mi dominio.

Si alguien me preguntara: "¿Qué has intentado hacer aquí? ¿Qué significa?" Siempre respondo: "¿Qué has sacado de ello?" Y siempre se abre una conversación maravillosa. Las conexiones están ahí. Así que nunca le digo a la gente de qué trata la obra. Creo que mi cuerpo es el texto. Pueden leer lo que ocurre. Y siempre funciona. Me alegro mucho por ello, cuando la persona se siente libre y confiada para hablar de mi trabajo con respeto.

Entrevista y edición de Jenny Gill. Más información sobre el trabajo de Awilda Sterling aquí.