En el estudio: Ash Arder

Ash Arder es una artista transdisciplinar, organizadora y educadora afincada en Detroit, y becaria Joan Mitchell 2023. La entrevistamos sobre su trabajo y su práctica creativa en febrero de 2024. Lo que sigue es una transcripción editada de esa conversación.

En mi trabajo, siempre estoy pensando en la relación entre los seres humanos y el mundo natural, y tratando de comprender los sistemas en juego dentro de esa relación. Me interesa comprender las herramientas, los utensilios, las infraestructuras y otros mediadores de esta relación.

Mi proceso de creación es realmente un proceso de formulación de preguntas. Resulta que trabajo con las manos como forma de preguntar. A veces trabajo con material fibroso, como el textil. A veces exploro la tecnología y la electrónica interactiva: sonido, imágenes fijas, imágenes en movimiento. He pasado mucho tiempo en archivos, en laboratorios, en jardines, en fábricas, trabajando con las preguntas que me hago sobre por qué estamos aquí y qué hacemos mientras estamos aquí, tanto positivas como negativas. ¿Cómo estamos explotando el medio ambiente? ¿Y cómo rectificamos eso o nos relacionamos correctamente con la tierra?

Esa línea de cuestionamiento y mi experiencia vivida en todos estos tipos diferentes de espacios son partes enormes del trabajo para mí. A veces hay objetos o sonidos o documentación de ese proceso que se colocan en espacios como galerías y museos.

No suelo pensar en mis obras como si alguna vez estuvieran realmente completas, o como respuestas a alguna de mis preguntas. Mi motivación suele ser simplemente intentar comprender cómo funcionan las cosas, cómo funcionan las personas, cómo funciona la vegetación. Y luego creo que intento encontrar solapamientos o similitudes o formas de ser mejores, no en el sentido en que el capitalismo nos hace pensar que se trata de eficiencia, sino mejores emocional y espiritualmente, más conectados. ¿Cómo podemos ser más empáticos no sólo con otros humanos, sino también con nuestros parientes más que humanos?

Mi práctica consiste en gran medida en mantener el espacio. No siempre supe que se podía tener una carrera o hacer que el trabajo de tu vida consistiera en mantener el espacio. Nadie me dio ese lenguaje necesariamente. Pero creo que las personas creativas, incluidos los artistas, son una categoría humana que mantiene el espacio, al igual que los sanadores y los educadores.

Siento curiosidad por las formas de crear más simetría, paz, alegría y placer, de crear contenedores en los que podamos existir mejor, sin que eso signifique que alguna otra entidad tenga que sufrir o no tener alegría o no tener placer para que nosotros podamos. Y una vez que he descubierto una pequeña forma de hacerlo en mi propia vida, mi práctica artística consiste en modelar eso para otras personas de mi familia o de la comunidad, mientras sigo explorando y haciendo otras cosas.

Para mí es muy importante archivar el hecho de que estoy haciendo este trabajo. Trabajando en tecnología y en energía solar en particular, a menudo me encuentro en el límite de diferentes sectores, a través de mi cuestionamiento. Una de las cosas que me ha resultado realmente frustrante como creadora ha sido encontrar a muy poca de mi gente -urbana, BIPOC, femme, millennial- trabajando en los espacios en los que me encuentro. Cuando me encuentro con esa frustración, ha sido muy importante no sólo obtener la información de quienquiera que la guarde, sino también encontrar la manera de archivarla o representarla de nuevo, para que la gente que se parece a mí o se siente como yo pueda encontrarla en espacios que resulten acogedores para su identidad.

Para mí es importante que la gente sepa que yo estuve aquí. Mi familia y sus historias estuvieron aquí. Es importante que nuestras historias no se pierdan ni se cuenten de forma que nos despojen de nuestra agencia y dignidad.

La energía solar y la energía limpia son partes muy importantes de mi caja de herramientas. Llevo casi 10 años instalando infraestructuras alimentadas por energía solar en la comunidad de Detroit donde vivo. Normalmente esto ocurre al aire libre, como proyectos comunitarios de base, no necesariamente en espacios institucionales de cubo blanco. Ha habido algunas iteraciones diferentes de esto, como Whoop House, que es una escultura móvil que incluye una microrred de energía solar diseñada para alimentar equipos musicales como teclados, giradiscos, micrófonos y altavoces. El diseño modular de la escultura le permite viajar por barrios y ciudades educando a la gente sobre la energía limpia a través de la música, la narración de historias y el juego. Cuando no está viajando, es la pieza central de un jardín en el barrio Black Bottom de Detroit.

Hace poco, pude llevar esa tecnología a un espacio institucional, y es un gran ejemplo de mi forma de trabajar. Tuve una exposición en la que era muy importante para mí alimentar una de las obras con energía solar, para evitar que se derritieran estos objetos perecederos que había fabricado y alojado dentro de un frigorífico. Para ello, tuve que instalar una infraestructura solar en el tejado, de modo que pudieran recargarse las baterías portátiles que alimentaban la nevera.

La obra requiere un cierto nivel de conversación y una cierta incomodidad con el statu quo institucional. Fue un proceso de trabajar con el museo para conseguir que se eliminaran todos los trámites burocráticos para que pudiera poner energía solar en el tejado, y convencer o modelar para la institución que eso no significaba que tuviera que perforar el tejado o destruir la infraestructura del edificio para que esto sucediera.

Desde el punto de vista conceptual, alimentar el frigorífico también era una forma furtiva de animar a la gente a ser más consciente del uso que hacemos de la electricidad y los combustibles fósiles. El proyecto era una forma de demostrar que si tuviéramos una forma diferente de alimentar algunos de nuestros elementos esenciales, mucha gente no perdería su comida cuando se cae la red eléctrica, lo que ocurre en el sureste de Michigan y cada vez con más frecuencia debido a los problemas relacionados con el clima y el calentamiento global.

Para esta exposición en el museo, guardaba en el frigorífico este tipo de artículos consumibles frívolos: mantequilla, chocolate y emblemas de manteca de karité que había fabricado. No son artículos de primera necesidad. Nadie necesita chocolate para sobrevivir, pero se trata de modelar fuentes de energía alternativas de forma sutil. Sustituye estos objetos de arte refrigerados por el suministro esencial de alimentos y medicinas de una pequeña familia, y podremos ver cómo la obra trata de la infraestructura. Y el hecho de que te muestre cómo alimentar la infraestructura utilizando la energía del sol. Quizá alguien piense en ello cuando llegue a casa y diga que yo también podría hacer esto, si no solo, con un grupo de mis vecinos.

Ahora mismo estoy sentada en mi nuevo estudio, que no tiene muchas de mis herramientas porque también soy becaria en un programa de posgrado cercano, en la Academia de Arte Cranbrook. Allí tengo un estudio, y también tengo un estudio en mi casa. Mi trabajo se desarrolla por todas partes, y la parte pensante de mi práctica tiene lugar constantemente. El estudio de mi cerebro está siempre en marcha. Como que nunca y siempre estoy trabajando como artista, lo cual es hermoso, pero también agotador a veces, si no tienes buenos límites.

Como estoy constantemente pensando y creando obras en mi mente y ensamblando cosas, los espacios físicos donde trabajo tienden a ser una especie de depósitos de objetos y almacenes de herramientas y aparatos electrónicos. El lugar donde estoy ahora está a unos 800 metros de mi casa y a 800 metros de Belle Isle, que es una isla situada entre Windsor (Canadá) y Detroit. Belle Isle es la razón por la que elegí el barrio en el que vivo. Es un lugar muy bonito y natural para bañarse en el río. Hay un conservatorio para experimentar la vida de las plantas y hermosos terrenos y senderos, lugares realmente maravillosos para experimentar entornos naturales. Para mí es muy importante que mi lugar de trabajo sea accesible y que esté cerca de mi casa. También estoy a unos cinco kilómetros al este del centro, así que para mí es una zona de la ciudad realmente maravillosa e inspiradora para trabajar.

Da la casualidad de que este estudio tampoco está lejos de un lugar que se queda sin electricidad constantemente por su proximidad a zonas inundables. Parte de mi trabajo en infraestructuras y en energía solar tiene lugar en el barrio que está a poco menos de cinco kilómetros al este de donde estoy ahora. Tienen muchas inundaciones y se va la luz. Así que la energía solar ha sido un recurso realmente importante para ese barrio, porque pueden cargar dispositivos y otras cosas cuando se corta la red.

Desde el punto de vista geográfico, este espacio se siente realmente alineado en cuanto a lo que estoy pensando y dónde. Tener una comunidad de gente que trabaja cerca es realmente maravilloso. Tener la opción de invitar a miembros de la comunidad a mi estudio o poder estar fuera en comunidad en cinco o diez minutos me parece estupendo.

Como nací y crecí en Michigan, y luego viví aquí después de vivir en otros lugares, soy muy consciente de lo orientado que está este lugar al automóvil, para bien o para mal. He pasado mucho tiempo en el coche conduciendo de un lugar a otro, y sólo te fijas en faros o parachoques o columnas de dirección en jardines, patios, en el arcén de la autopista. Hace tiempo que colecciono piezas de automóvil desechadas. Simplemente empecé a recogerlas. No sé a qué se debía, aparte de que tal vez me sentía conectada a este tipo de objetos de aspecto corpóreo.

Hace un par de años, hice una escultura, Joey, con una luz de automóvil encontrada que recableé y devolví a la vida en forma de una especie de entidad de roca de ciencia ficción especulativa. Funciona como una luz, así que puedes enchufarla y emitirá luz. Pero creo que se trata de imaginar un espacio en el que cosas que son una especie de excremento de la Ciudad del Motor, de esa industria, puedan volver a la vida de formas curiosas o extrañas o estimulantes.

Joey forma parte de una serie en curso en la que pienso en los faros desechados o encontrados como si tuvieran una segunda vida en espacios domésticos o interiores. Me pregunto cuáles serán los objetos del futuro, si quizá dentro de cien años ni siquiera utilicemos los faros ¿Y podrían este tipo de objetos artísticos aludir a una época pasada o ayudar a la gente del futuro a reflexionar sobre lo que solíamos tirar?

El proyecto en el que estoy trabajando ahora retoma un antiguo proyecto, que combina el concepto de radiodifusión desde el punto de vista de la transmisión de datos y la radiodifusión desde el punto de vista agrícola en una sola idea. Se trata esencialmente de una herramienta de jardinería glorificada, que utiliza el sonido para difundir o esparcir semillas en lechos de tierra incorporados a una escultura de madera. En definitiva, es una caja de resonancia, una caja de madera con altavoces en su interior que se activa mediante la actuación, con un paisaje sonoro que yo compongo. Y mediante esa activación, los altavoces vibran lo suficiente como para que las semillas que introduzco en el interior de la escultura se desplacen a los lechos de tierra que hay sobre ella. Esos lechos de tierra están en bandejas modulares, por lo que se pueden coger y plantar en tiempo real.

Esta iteración concreta del proyecto acaba de ponerse en marcha en New Haven, Connecticut, en el barrio de Dixwell. Es un corredor cultural históricamente negro, con una historia del jazz realmente maravillosa. El paisaje sonoro que estoy componiendo junto con la escultura va a reflejar el Monterey Cafe, que es un local de jazz realmente importante que ya no está abierto, aunque el edificio sigue allí. Mi paisaje sonoro es una especie de collage sónico que mezcla sonidos que he recopilado con sonidos existentes de archivos para contar una narración suelta sobre personas, plantas y lugares. La exposición estará en NXTHVN hasta el 19 de mayo.

Una de las cosas que realmente me conmueven de trabajar con objetos sonoros e interactivos es una especie de respuesta corporal visceral. Es realmente maravilloso cuando la gente puede encontrarse con un objeto que he fabricado o un espacio que he creado y tener un momento visceral de reflexión. Creo que eso opera en un registro fisiológico, pero también emocional, espiritual, mental. A veces pienso en mis obras como meditaciones, y esto vuelve a no pensar que estoy haciendo cosas resueltas o completas. Son mis propias meditaciones o preguntas.

Mi esperanza es que, a través de los objetos, alguien pueda meditar junto a mí o contemplar algunas de estas cosas que yo también contemplo, y luego volver a su propia comunidad o a los espacios por los que navega con una forma diferente de mirar, una forma diferente de preguntar. Quiero que la gente sepa que hay una forma diferente de considerar la forma en que se genera la energía, no sólo en los seres vivos, sino también en los objetos inanimados.

Esto está relacionado con el hecho de que no creo que los objetos inanimados sean pasivos. No creo que estén sentados esperando a que los seres sensibles los activen. Están hechos de materia. Emiten energía, acumulan energía. Quiero que la gente sienta más curiosidad por el entorno en el que se encuentra, y que lleve esa curiosidad un paso más allá y quizá la traslade a un espacio de empatía o a una forma de vida más intencionada.

Entrevista y edición de Jenny Gill. Más información sobre el trabajo de Ash Arder en asharder.com y en Instagram.