En el estudio: Anthony White

Anthony White, Joan Mitchell Fellow en 2025, es un artista afincado en Seattle y defensor de la comunidad. Le entrevistamos sobre su trabajo y su práctica creativa en marzo de 2026. Lo que sigue es un extracto editado de esa conversación.

Reconozco inmediatamente las cosas que hago como pinturas, aunque no lo sean. Utilizo un material muy poco habitual, el ácido poliláctico, que se calienta y se funde. Básicamente dibujo con él. Este material, muy vibrante y saturado, es primordial en mi práctica.

Mi objetivo con la obra es ofrecer una ventana para que los demás se vean dentro de ella. Básicamente trato de reflejar mi existencia cotidiana, cómo navego por ella día a día, lo que veo, lo que me influye, lo que me dice la cultura, lo que las vallas publicitarias, los anuncios, todo eso quiere que mire. Asimilo todo eso y reúno estos pensamientos e ideas en mis composiciones.

Siempre me han influido las Vanitas holandesas del siglo XVI, esas pinturas asombrosas y detalladas que tienen tantas capas. Empiezan a revelarse cuanto más las miras. Del mismo modo, intento crear estos portales para los espectadores. Es desde una perspectiva individual, pero creo que la obra puede hablar de la vida en un sentido generacional y también en un sentido sociopolítico.

Con mis naturalezas muertas, me gusta recurrir a la nostalgia y a cómo era el mundo no hace tanto tiempo, representando tecnología obsoleta para comentar cómo las cosas se quedan anticuadas en muy poco tiempo. Señala lo acelerada que es nuestra existencia, lo absurda que es y la cantidad de residuos que produce. Es un ciclo interminable, y creo que hay un lugar para la culpa y la culpabilidad, pero la desigualdad es sin duda una parte de por qué hay tanto despilfarro. Pensamos en la moda rápida o en todos los materiales utilizados en las cadenas de restaurantes rápidos, y en cómo el sistema se diseñó de forma que generara residuos. Pero es para grupos demográficos algo específicos, y el juego que está en juego en el mundo se ha establecido de una manera en la que reinventar las reglas o reestructurar cómo se juega es casi imposible. No sé necesariamente qué aspecto tiene una corrección del rumbo en términos de garantizar que se cuida de todos. Pero es una pregunta que me ronda la cabeza en el estudio: ¿cómo deshacemos todos estos sistemas?

Al igual que la obra en la que me inspiro, mi trabajo tiende a tener todas estas capas, como las que verías en una pantalla o en una ventana de navegador. Gran parte de mi día a día consiste en recopilar datos: hago fotos de cosas que describen básicamente la situación en la que me encuentro. Cuando voy al estudio, hago fotos de lo que llena el cubo de basura ese día, o si estoy en casa de un amigo, miro el retablo de objetos que representan su identidad. Siempre es agradable cuando puedo capturar algo con un periódico o una fecha, porque me gusta incluir en la obra este tipo de marcas de tiempo que representan y significan dónde estamos en términos de historia.

Vivo en el centro de la ciudad, por lo que siempre paso por delante de distintos grados de desigualdad y pobreza, y de la suciedad y las agallas de todo ello en la ciudad. El otro día, vi este par de vaqueros en la calle y mi mente se dirigió inmediatamente a la guerra de los vaqueros que se estaba produciendo en los medios de comunicación con Gap y American Eagle. Así que siempre encuentro formas de burlarme y criticar a la propia sociedad, y también a la cultura: lo que vemos en Internet o en las noticias todo el día.

Las fotos que hago suelen guardarse en una carpeta hasta que encuentro otro objeto que tenga algún tipo de relación con él, ya sea uno que lo complemente o lo contradiga, o que cree una especie de controversia. Hago muchas mezclas y combinaciones para describir la época en la que estamos.

El material que utilizo, el ácido poliláctico, es muy interesante y se ajusta conceptualmente a mi trabajo. Lo descubrí cuando estaba en la escuela de arte. En aquella época hacía mucha escultura y el laboratorio recibió una nueva impresora 3D que utilizaba filamento de ácido poliláctico para construir objetos mediante capas muy finas. Sentía curiosidad por la forma en que esta impresora podía fabricar cualquier cosa con los datos y la información adecuados. Además, yo era nueva en Seattle, donde se había producido un boom tecnológico realmente impresionante que había cambiado la ciudad. Así que pensaba mucho en la tecnología y en cómo las máquinas estaban asumiendo el papel de los humanos, sustituyendo a la mano en el arte y ocupando los puestos de trabajo en las fábricas. Quería encontrar una forma de utilizar el ácido poliláctico a mano, sustituyendo en cierto modo a la máquina y dándole un toque más pictórico, artístico, individual y genuino.

Llevo ocho años utilizando el ácido poliláctico como medio principal y me sigue interesando por su capacidad para crear una textura realmente única y mantener su saturación y vitalidad. Existe una correlación unívoca entre ese material y las cosas que critico en mi trabajo, porque muchos de los objetos que reproduzco o produzco en mi obra están hechos en la vida real con un material similar, pero en una fábrica. Así que conceptual y contextualmente, este material está muy alineado. También me gusta que sea orgánico y biodegradable.

Me gusta pensar en mi trabajo como una forma narrativa de hacer. Es como contar historias. No creo que dejemos nunca de contar historias, pero espero que el trabajo anime a contar más historias desde todos los puntos de vista. Y también espero que anime a otros a experimentar con materiales no tradicionales, y a hacerlo con intención.

Hay una obra titulada Director's Cut que es un buen ejemplo de mi trabajo de naturaleza muerta, y de cómo los objetos de mis cuadros, cuando se emparejan, empiezan a crear esta narrativa entre ellos, creando conspiraciones y divirtiéndose burlándose de la geopolítica. Al menos en mi caso, desde hace un par de años soy consciente de la cantidad de noticias que recibo y de la atención que presto a lo que ocurre, no sólo en Estados Unidos, sino en el mundo en general. Y es como si cada día todo tuviera menos sentido. Había un meme que circulaba por ahí que decía: "Esto es lo que entendemos de Estados Unidos ahora mismo", y era un mapa de Estados Unidos con garabatos por todas partes, como si nada tuviera sentido. Todo es muy confuso. La pregunta de por qué permanece constantemente.

Y cuando estaba mirando eso, estaba saliendo el Apple Vision Pro. Era un nuevo juguete tecnológico ante el que la gente se mostraba escéptica, y se suponía que iba a ser lo más novedoso del mercado, y no necesariamente funcionó bien, pero se le dedicó mucha atención, investigación y dinero. El cuadro también representa herramientas y juguetes de gratificación inmediata, como las máquinas tragaperras de los casinos y la ruleta. Cuando era niño, ibas a las tiendas de comestibles y tenían esas máquinas expendedoras de cupones junto a los productos de las estanterías, y mis hermanos y yo coleccionábamos esos cupones recorriendo cada pasillo. Era como ganar un premio por ahorrar 50 céntimos en un artículo que no teníamos intención de comprar. Incluí ese objeto por su cualidad nostálgica, así como para comentar el capitalismo y la naturaleza persuasiva del sistema.

Además, cuando estaba trabajando en esta pieza, acababa de estrenarse la película "Todo a la vez en todas partes". Pensé que era una descripción realmente genial tanto de cómo veo el mundo como de cómo intento representarlo a través de mi pintura; ojalá hubiera utilizado ese título antes de que fuera una película. Tuve que incluirlo en el cuadro porque tenía mucho sentido en términos de zeitgeist y de lo que pretendo hacer con mi práctica.

Junto a mis bodegones, que ya he mencionado que están muy influidos por las pinturas Vanitas, hago obras figurativas que también incorporan estas capas y objetos que representan el tiempo y la identidad. Pero con estas obras, me centro más en los temas dentro del cuadro. Hace poco hice este cuadro titulado La tormenta perfecta. Como en las Vanitas, hay mucha ilusión y capas. Sigo centrándome en el caos de la vida americana, en el día a día, y representa cómo somos capaces de distraernos de todo lo que ocurre en el mundo gracias a los dispositivos a los que somos adictos.

Cuando mi trabajo sale del estudio y lo expongo al mundo, creo que el mayor cumplido es simplemente mirarlo. Cuando la gente se toma un momento con ella, ya sea en el entorno de una galería o a través de material impreso u online, lo agradezco. Quiero que la gente pueda verse a sí misma dentro de la obra. Creo intencionadamente estas ventanas de acceso, y si la obra es capaz de preguntar a quien la mira cuál es su relación con el mundo o su participación en él, creo que hace lo que se supone que debe hacer. La calidad de la superficie, la textura, es una de las cosas que más sorprende a la gente cuando la ve en persona. Soy una gran defensora de ver las obras en persona si se puede.

Como artista, me motiva poder hacer preguntas e indagar sobre cosas que a menudo se pasan por alto en la vida cotidiana. Tengo un estudio al que puedo llevar la investigación y la indagación y desenvolverlo todo sin repercusiones ni juicios. Poder hacerlo es inspirador. También encuentro mucha motivación en ver y experimentar el arte en diversas capacidades y formas, en galerías o museos o en estudios.

Además de mi estudio, hago mucho trabajo comunitario. Formo parte de un par de consejos de organizaciones artísticas, y mi práctica incluye un elemento de comisariado, que está muy en consonancia con mi forma de abordar el arte y la investigación. Me permite plantearme preguntas similares a las que me haría en mi propio estudio, pero puedo mostrarlas a través de la lente de otros artistas. Veo como una responsabilidad mía aquí en Seattle mostrar al Noroeste del Pacífico lo que ocurre fuera de nuestro rincón del mundo, trayendo obras de artistas que creo que destacan en lo que hacen y lo retratan maravillosamente. Y me encanta tender puentes que nos ayuden a todos a comprender mejor qué es el mundo del arte, qué significa ser artista y cómo podemos ampliar nuestras comunidades y trabajar juntos. Veo mi trabajo como voluntaria y mi labor como comisaria como otra forma de devolver algo a la comunidad, asegurándome de que se oyen las voces y de que los márgenes están representados.

Una exposición que he comisariado, Let There Be Light, acaba de inaugurarse en Cannonball Arts de Seattle (marzo de 2026). Es una exposición que pone de relieve el cuerpo, con obras de 20 artistas de todo el mundo. Plantea preguntas sobre los límites y arroja luz sobre las cosas bellas asociadas al cuerpo, así como sobre las grotescas, absurdas y peligrosas. Es exponer el cuerpo de una forma que considero oportuna y accesible. El trabajo figurativo siempre me ha interesado, y también hago muchas obras que giran en torno a la identidad. Estos 20 artistas son capaces de hablar del cuerpo de una manera que yo no puedo en mi propio estudio, y eso me inspira a seguir haciendo este tipo de trabajo, y también a comisariar y ofrecer oportunidades a otros artistas.

No es fácil ser artista. Es gratificante y satisfactorio, pero es duro. Los artistas dan el 100% de su práctica en el estudio, lo cual es a la vez algo hermoso y tóxico. No sabemos lo que vamos a sacar de ello, pero damos todo lo que tenemos.

Para mí, para que mi práctica funcione y se sostenga, depende de poder colocar la obra y mostrarla. Lo que sale del estudio es lo que lo mantiene económicamente: trabajar con galerías, hacer exposiciones individuales, participar en ferias. Estoy en un lugar en el que las cosas me han salido bien para estar en el estudio todos los días, donde puedo expresar ideas y preocupaciones, y hacer preguntas.

La práctica artística tiene un lado comercial, y aunque ese lado comercial sólo ocupa una pequeña parte de mi tiempo diario, hay que tenerlo en cuenta. Implica establecer relaciones con distintas redes, distintos coleccionistas, distintas galerías. Y eso es realmente gratificante. Exponer en distintos espacios o hacer ferias en distintas ciudades siempre me permite conocer gente nueva, conocer artistas y encontrar personas afines en distintos lugares.

Ahora mismo me estoy preparando para participar en la Feria de Arte de Dallas con la Galería Jim Harris, que es una galería nueva para mí. Luego haré una exposición individual con ellos en enero, lo que me da tiempo suficiente para hacer todo el trabajo.

Estoy muy contenta con lo que hago ahora y con la atención que le presto. De alguna manera, el mundo me ha dado un poco más de tiempo en el estudio sin las presiones inmediatas de plazos ajustados o imágenes que hay que entregar. Y eso ha sido increíble, porque estoy muy contenta con lo que pasa en el estudio.

Entrevista y edición de Jenny Gill. Más información sobre el trabajo de Anthony White en anthonywhite.studio.