En el estudio: Analia Segal

Analia Segal es una artista interdisciplinar argentina que vive en Nueva York. La entrevistamos sobre su obra y su práctica creativa en julio de 2026, durante su residencia en el Joan Mitchell Center de Nueva Orleans. Lo que viene a continuación es una versión editada y resumida de esa conversación.

Me describo como una artista interdisciplinar. Me formé en diseño gráfico, pero poco a poco fui pasando a la escultura y, con el tiempo, amplié mi práctica para abarcar una amplia gama de medios y procesos. Mi trabajo en el estudio se basa en cuestiones conceptuales y de investigación que se plasman a través de la escultura, la instalación, la fotografía, el vídeo, el dibujo, el sonido y, más recientemente, la performance.

Soy de Argentina y vivo en Nueva York desde 1999. Cuando me mudé a Nueva York, me interesaban los materiales y la interacción física que tenía con mi entorno más cercano. Dada la falta de espacio en la ciudad, empecé a pensar en cómo plasmar mis experiencias en obras más específicas para un lugar o que respondieran a él.

Al mismo tiempo, me encontré viviendo en un mundo bilingüe. Pasé de mi lengua materna, el español, a intentar comprender cómo el lenguaje podía ayudarme a conectar con mi entorno y a desarrollar un sentido de pertenencia. Mi relación con el lugar pasó poco a poco de lo físico a lo lingüístico, y empecé a centrarme en el lenguaje y en cómo las palabras pueden convertirse en «recipientes» dentro de mi práctica. En español, «vasija» evoca un recipiente, mientras que «barca» sugiere una embarcación: un vehículo que se desplaza por el espacio. Esto se convirtió en una poderosa metáfora para reflexionar sobre cómo establecemos conexiones, transmitimos conocimientos y nos movemos entre lugares e idiomas.

En los últimos años, sobre todo desde la COVID, mis inquietudes se han ampliado hacia el desplazamiento que hemos vivido entre el mundo físico en el que antes vivíamos y el acelerado mundo digital al que nos hemos visto obligados a entrar. Esta tensión me ha llevado de nuevo a plantearme cuestiones sobre el lenguaje, la encarnación y la pertenencia, y a lo que yo llamo una «lengua mADRE», un concepto que ha sido fundamental en mi práctica en los últimos años.

Al llegar a la residencia del Joan Mitchell Center, lo que me interesaba era el proceso de relacionarme con la ciudad de Nueva Orleans, su historia, su comunidad y su paisaje. Pienso en todas estas cosas juntas como lo que yo llamo una «geografía del encuentro».

Mi trabajo principal aquí ha sido un dibujo mural hecho con lápiz acuarelable azul, a través del cual he estado reflexionando sobre la relación con el agua en la ciudad y lo que significa vivir en un lugar moldeado por ella. La experiencia física de estar tanto «por encima» como «por debajo» del nivel del mar es especialmente significativa aquí, no solo como una forma de orientación geográfica, sino como una condición que da forma a la experiencia de la ciudad. Crea una especie de espacio liminal que cambia constantemente. Cada vez soy más consciente de una percepción del agua que nunca antes había tenido. Funciona como una brújula interior: una percepción espacial arraigada en la forma en que las personas se relacionan con su entorno y se orientan en él.

Una parte importante de mi trabajo ha sido colaborar con músicos locales que tocan instrumentos de metal. Me interesaban especialmente las trompas, tanto por su función de amplificadoras de la voz humana como por su papel fundamental en la historia de la ciudad.

Pienso en el dibujo mural como una mezcla de huellas dejadas por las inundaciones, una página de un cuaderno, un mapa y una invitación abierta: una partitura visual y un estímulo donde se entrelazan líneas, palabras y formas. Conecta el lenguaje visual que he ido desarrollando a través del dibujo a lápiz en mi exploración continua de la noción ampliada del lenguaje, que no se limita a las formas verbales y escritas.

Las palabras «arriba» y «abajo» funcionan no solo como indicadores de orientación geográfica, sino también como formas sonoras, lo que abre el dibujo a la interpretación y al diálogo con los músicos. No interpretan el dibujo; más bien, entablan una «conversación de corazón a corazón» con él.

Ha sido un intercambio increíblemente fructífero, que ha permitido que la «marca» trascienda la pared y se haga audible, pasando de una línea al sonido y de la notación visual a una experiencia vivida. Ha sido un honor que Wes Anderson, Ryan Scott Long, Chloe White y Stephen Lands respondieran a la propuesta mediante la improvisación musical.

Durante el proceso de investigación, no solo me interesó la compleja historia de Nueva Orleans, sino también, en particular, Bayou Road —donde se encuentra la residencia— como vía de tránsito, comercio e intercambio. Me planteo mi estancia en la ciudad con la idea clara de que soy una invitada y con la intención de intentar entender cómo mi trabajo puede entablar un diálogo con la gente, las historias y las tradiciones locales. Me interesa crear un espacio donde las diferentes historias, formas de conocimiento y maneras de escuchar puedan mantenerse diferenciadas, al tiempo que se genera algo nuevo y único a través del intercambio.

Esta obra está muy ligada a mi investigación actual, que se basa en mi experiencia personal como persona bilingüe y en el intento de entender cómo el lenguaje está arraigado en el cuerpo. El lenguaje no es solo un medio de comunicación, sino también algo que media, da forma e influye en nuestra relación con el mundo.

Todos estos proyectos empiezan con trazos dibujados a mano que se convierten en trazos digitales, creando un «paisaje tipográfico» rítmico a través de la animación de vídeo. El movimiento pulsante de cada trazo animado se convierte en una forma fluida que permite que el lenguaje se libere de los límites de la razón. A medida que las palabras se combinan y se ponen en movimiento, asemejándose a un electrocardiograma o a un sismógrafo, sus significados convencionales se rompen y se reconfiguran, invitándonos a plantearnos otras formas de estar presentes.

Uno de los proyectos que estaba desarrollando en el estudio antes de venir aquí, y que está muy relacionado con lo que he explorado durante la residencia, es una animación en vídeo de un manifiesto que escribí durante la pandemia. Durante esas semanas de aislamiento, el silencio ensordecedor de las calles vacías de Brooklyn me permitió escuchar los latidos de mi corazón y mi respiración.

Aunque sabíamos que, en realidad, nada se había detenido, vivíamos el mundo como si se hubiera paralizado, sobre todo en cuanto a la productividad. Me interesó reflexionar sobre cómo nos relacionamos con esta sensación de quietud. A menudo, es en momentos de profunda agitación cuando la gente se reúne para crear rituales en torno al ritmo y a la narración de historias —en torno al fuego sagrado que genera una abundancia de mitos, relatos y yuxtaposiciones inesperadas de lenguaje proyectadas hacia un futuro desconocido.

Pasar del lápiz al píxel a través de gestos caligráficos me abrió nuevas posibilidades para varias series de animaciones de vídeo, como «Digital Haikus » y «Cuaderno I: Enredos lingüísticos». El movimiento rítmico de las palabras despliega un espacio poético en el que avanzamos casi a ciegas, tropezando, perdiendo el rumbo y volviendo a intentarlo, como si buscáramos términos capaces de retener lo que continuamente se nos escapa. No hay una relación armoniosa ni estable entre las palabras y el mundo; el significado se escapa, cambia y sigue sin estar completo. En este espacio de disonancia, la imagen y el sonido se convierten en formas de navegar por la brecha entre lo que decimos, lo que percibimos y lo que no se puede expresar del todo.

Vivimos rodeados de voces, y ser bilingüe significa ser consciente de la alteridad: un estado constante de desarraigo y de no tener un hogar. Me interesan las posibilidades que surgen del desplazamiento, entendiendo el lenguaje como un mecanismo de inclusión y exclusión —uno que puede crear conexión, pero que también puede llevar a malentendidos y conflictos.

Esa experiencia intensificó las preguntas que han estado presentes a lo largo de mi vida y mi trabajo: la idea de «hogar», cómo habitamos el espacio físico y cómo nos relacionamos entre nosotros, tanto a nivel ambiental como social. Al final, creo que lo que buscamos es comunicarnos, que nos escuchen y que nos entiendan.

El texto de *Palabras Prestadas*, un corazón que aúlla—«palabras prestadas, un corazón que aúlla»— surgió de recopilar y combinar palabras que había subrayado en mi colección de libros, acumulados a lo largo de los últimos veinte años, tanto en inglés como en español. Estas palabras se convirtieron en una lengua madrerebelde —un lenguaje consciente del otro— que une las dos lenguas a través de su proximidad fonética, sin traducción ni gramática.

Esto resume una evolución en mi práctica artística, pasando de preocupaciones formales y espaciales a una exploración de las dimensiones físicas, culturales, emocionales y psicológicas a través de una variedad de materiales y procesos. Lo veo como una forma de esculpir el aliento mientras descubro los patrones rítmicos de este lenguaje tan peculiar.

El proceso consistió en trabajar durante casi tres años con Peter Sciscioli, un artista interdisciplinar, creador, educador y productor afincado en Brooklyn, que me ayudó a entrenar mi voz. Hasta entonces, nunca había usado realmente mi cuerpo como un instrumento en mi trabajo, así que esto se convirtió en un punto de inflexión importante y en una forma literal de encontrar una «voz». Esto me llevó a colaborar con el compositor Devin Greenwood, con quien grabé el manifiesto.

Estar en Nueva Orleans también me animó a replantearme cómo plasmar una experiencia digital en algo físico. Mientras estaba aquí, visité una empresa de prensado de discos, lo que espero que dé lugar a un nuevo proyecto que me permita continuar este trabajo en Nueva Orleans transformando el archivo digital en un disco físico. También he estado diseñando la portada de una edición limitada, incorporando así mi experiencia en diseño gráfico a mi práctica interdisciplinar.

Otro proyecto en el que he estado trabajando durante estas seis semanas es la edición del vídeo @en carne propia, un viaje de descubrimiento. La primera parte de este proceso consistió en triturar todos los papeles que había acumulado durante los últimos veinte años, incluyendo copias de libros de la universidad, declaraciones de la renta, documentos de inmigración y otros archivos personales que formaban parte de mi historia y de mi vida como ciudadana. Transformé esos documentos en pasta de papel, que ahora estoy utilizando como base material para nuevas obras. A través de este trabajo, he estado explorando la tensión entre el yo y el refugio, así como las dimensiones emocionales, culturales y políticas de la ciudadanía, la migración y la experiencia femenina.

En el vídeo, trabajo físicamente con la pasta de papel usando herramientas tanto de jardinería como de cocina —un rastrillo, una regadera, un rodillo y otras— para amasar, dar forma, mover y transformar el material. Estas acciones conectan las palabras y el conocimiento con el cuerpo, activando un proceso de cuidado, cultivo, nutrición y trabajo.

Las múltiples dimensiones de la pasta de papel la convierten en un archivo que contiene lo que perdura, lo que se borra y lo que resiste. El principio fundamental de mi proceso es el de la transcripción, la mutación, la transformación y, en cierto sentido, la digestión, donde cada proyecto se convierte tanto en un depósito de experiencias como en la materia prima de la que surge el siguiente.

Una de las frases de Joan Mitchell, «Llevo mis paisajes conmigo», impresa en la pared, me llegó muy hondo. Me sorprendí volviendo a ella una y otra vez mientras recorría los estudios, llevando mis propios paisajes —personales, culturales y materiales— conmigo y dejando que entraran en diálogo con este nuevo lugar. También me hizo recordar cómo empecé a trabajar cuando me mudé a Nueva York, con una exploración constante del hogar y el sentido de pertenencia. Para mí, el hogar es una promesa. Es un lugar donde empiezan los sueños, pero también donde pueden desencadenarse traumas.

Como artista, siempre intento explorar las brechas, los límites y esos espacios intermedios. Entiendo mi trabajo como una confirmación de la intuición. Por eso suelo empezar con una línea dibujada en un papel: un hilo de vida que se convierte en una cuerda, una que empiezo a seguir como una funambulista, como la imagen de Philippe Petit caminando entre las Torres Gemelas en 1974 que llevo conmigo a todas partes, moviéndome entre lo conocido y lo que aún está por descubrir.

Uno de mis objetivos iniciales al venir a la residencia del Joan Mitchell Center era mantener la flexibilidad: disponer de tiempo suficiente en el estudio y, al mismo tiempo, permitirme conocer la ciudad.

La residencia me permitió concentrarme en el taller y, al mismo tiempo, me abrió un espacio para el intercambio —con los demás residentes, el personal y la comunidad— y para estar atenta a la propia ciudad. Nueva Orleans se convirtió en algo más que el escenario de la residencia; su vibrante vida cultural, su compleja historia, su relación con el agua, la música, el idioma y el paisaje se colaban continuamente en mis pensamientos y me ofrecían nuevas formas de ver mi propio trabajo.

Lo que esperaba era precisamente este tipo de diálogo entre el espacio interior del estudio y el mundo que hay más allá. Siento que la residencia me permitió moverme de un lado a otro entre esos dos espacios, dejando que uno influyera en el otro. En ese sentido, me voy con algo más que el trabajo que hice aquí. Me voy con nuevas preguntas, nuevos encuentros y una comprensión más profunda de cómo un lugar puede formar parte de una práctica artística. Era la primera vez que venía a Nueva Orleans, pero sé que seguro que no será la última.

Entrevista realizada por Sly Watts, editada por Melissa Dean y Jenny Gill, con fotografías de Cfreedom Photography. Echa un vistazo a más trabajos de Analia Segal en instagram.com/analiasegalstudio.